Talía: Revista de estudios teatrales (ISSN-e 2659-806X) es una publicación académica del Instituto del Teatro de Madrid (ITEM) especializada en estudios teatrales y que entiende el género teatral tanto en sus dimensiones textual y escénica como en la de práctica cultural. La publicación se circunscribe al teatro del ámbito hispánico, entendido de una manera abarcadora: además del teatro en español que se desarrolla en España y América Latina, se tendrán también en cuenta los teatros en otras lenguas que se desarrollen en esos territorios (catalán, euskera, gallego, quechua, aymara, etc.) así como el teatro en español que se desarrolle fuera del mundo hispánico (como, por ejemplo, el teatro hispano en Estados Unidos). Talía se concibe, de este modo, como una publicación de investigación abiertamente internacional centrada en el estudio del teatro del universo hispánico y que aspira a convertirse en la referencia en este ámbito. Es una publicación editada en Madrid por Ediciones Complutense.
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El papel de los personajes de Galdós en tres de sus obras teatrales, a partir del análisis de redes sociales
El presente estudio tiene como objetivo analizar las redes sociales de tres dramas de Galdós - Doña Perfecta, Electra y Casandra -, utilizando herramientas de las Humanidades Digitales. Para ello, se plantean varias cuestiones: la importancia de los personajes femeninos y de las protagonistas que dan título a los dramas; si se observa alguna diferencia entre las obras adaptadas de novelas y la que es una pieza dramática desde su origen; y si las redes sociales de estas obras galdosianas resultan diferentes a las de otras piezas coetáneas (de Valle-Inclán o Lorca). Los resultados obtenidos permiten observar, siempre desde un punto de vista cuantitativo, que el sexo no es determinante como elemento diferenciador o protagonista, que las redes sociales son bastante similares en las tres obras y que sí difieren de las obtenidas en los ejemplos aducidos de Valle-Inclán y Lorca. Por ello, se plantea la posibilidad de añadir al estudio de las obras literarias este tipo de análisis que, aunque no obtenga demostraciones concluyentes de carácter cualitativo, puede aportar datos de gran interés
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Jaume Miró: Escrituras teatrales de la indagación y la memoria
Jaume Miró es un dramaturgo con una trayectoria teatral singular y original dentro del panorama actual del teatro balear. Sus obras han transitado por el teatro documental o el denominado teatro de la memoria. Las piezas más destacadas como dramaturgo se han centrado en la memoria democrática utilizando documentos reales como material dramático, jugando con la ficción y lo real en sus propuestas. Pero la obra de Miró no solo se circunscribe a estas líneas, sino que es mucho más poliédrica, abordando diferentes temáticas desde formulaciones dramatúrgicas diversas. En el presente artículo vamos a analizar la carrera del escritor mallorquín estudiando los fundamentos y conceptos que gravitan en sus trabajos teatrales para constatar su calidad literaria, su experimentación formal y su compromiso social desde la escritura dramática.
Vivir con el otro: figuras del intruso y crisis de la comunidad en la obra dramática de Josep M. Mir
A partir de la noción de communitas de Roberto Esposito, el artículo propone una lectura de la literatura dramática de Josep M. Miró como una reflexión sobre cómo los colectivos humanos o sociales se construyen mediante la eliminación de un enemigo interior (el diferente o el disidente) y un enemigo exterior (el extraño o intruso). Así mismo, las obras revelan la enorme cantidad de violencia dirigida hacia mujeres, inmigrantes no occidentales e individuos homosexuales o trans que la comunidad ejerce y tolera. Un ejemplo paradigmático de todo ello es Tiempo salvaje (2018), que presenta la idea de una joven atractiva y rebelde cuya belleza perturba la pequeña comunidad de la urbanización donde acude a vivir. Basándome en las complejas teorías sobre la violencia ritual sintetizadas en los trabajos de Terry Eagleton, su muerte se puede comprender como un sacrificio propio de una mártir que se sacrifica, como ocurre en los relatos religiosos o las tragedias clásicas, para favorecer la regeneración social. Así, el drama mironiano trasmite un mensaje que elude el pesimismo sin omitir la denuncia del abuso y la complicidad que demuestra el silencio en torno a ella.
Joan Yago y La Calòrica, nuevos realismos en el teatro catalán del siglo XXI
El texto examina la evolución estética e ideológica de la compañía La Calòrica, articulada por la dramaturgia de Joan Yago. Fundada en 2010, La Calòrica ha desarrollado un lenguaje escénico singular que cuestiona la realidad política y social a través de una mirada humorística. Para identificar algunos elementos sobresalientes de su lenguaje, se propone agrupar su producción en tres periodos, el primero de 2010 a 2013, el segundo período de 2014 a 2017, y un tercer período de 2018 a 2023, con el objetivo de observar cómo la compañía ha evolucionado hacia nuevas formas de realismo en su búsqueda por exponer las contradicciones estructurales de la sociedad contemporánea. La comicidad y el análisis crítico en sus producciones ha permitido a La Calòrica redefinir el teatro político y popular en Cataluña, consolidándose como un referente clave en el teatro catalán del siglo XXI.
La dramaturgia de Marta Barceló: memoria y empoderamiento femeninos
En el presente trabajo se aborda, desde una perspectiva micropolítica, la dramaturgia de Marta Barceló (Palma de Mallorca, 1973), una de las autoras más destacadas de la nueva escena mallorquina. Se traza, en primer lugar, la trayectoria de Barceló como actriz y escritora, así como su concepción del teatro y la proyección de su dramaturgia. A continuación, se analizan sus piezas breves, Control de passaports (2008), Una casa a Santo Domingo (2011), Germanes de sang (2011), Rates (2012), El cabaret dels somnis vius (2012), Constel·lacions (2016) y Ahmed/Ahme/Ahm/Ah/A (2017), que apuntan ya algunas de las temáticas que profundizará en sus obras más extensas, como la memoria individual y colectiva, vinculada a la identidad femenina. En tercer lugar, se examinan sus principales piezas mayores, Maria? (2009), Tocar mare (2019), Anar a Saturn i tornar (2021), Zona inundable (2022) y Contrapropuestas (2023), en las que Barceló ahonda en las vivencias íntimas de las mujeres, su memoria y su presente, sus enfermedades y sus vínculos interpersonales. Por último, se propone una lectura en profundidad de Abans que arribi l’alemany (2018), una obra sobre la enfermedad del Alzheimer, como paradigma del empoderamiento y la capacidad de resiliencia en situaciones difíciles de las antiheroínas que protagonizan la dramaturgia de Barceló.
El siguiente artículo traza un recorrido por el corpus creativo de la dramaturga catalana Denise Duncan (Costa Rica, 1979). Se parte de un análisis del contexto sociocultural en el cual surgen varias propuestas teatrales como las de Duncan, que abordan el racismo sistémico. Posteriormente, el artículo analiza de manera breve algunas de las piezas más destacadas de la dramaturga, desde Negrata de merda (2018) hasta Banzo, el aliento de las ancestras (2019). En la parte final, el texto se centra, más en profundidad, en el análisis del monólogo Títuba. Bruixa, negra, i ramera (2023), que ofrece un sincretismo de las ideas dramáticas interseccionales de Duncan.
25 años de dramaturgia colectiva: Eclipsi total, de Pont flotant
El presente artículo toma como objeto de estudio el trabajo dramatúrgico de Pont Flotant, colectivo creado en la ciudad de València en el año 2000 por Àlex Cantó, Joan Collado, Jesús Muñoz y Pau Pons. En una primera parte, se presenta la trayectoria de la compañía a partir de la distinción de tres etapas. En una segunda parte, se aborda el análisis detallado de su última obra editada, Eclipsi total [Eclipse total], pieza estrenada en 2021 y publicada en 2023 que se centra en el tema de la muerte. Este análisis nos lleva a discernir las diferencias y semejanzas de esta respecto a las obras de las etapas anteriores y a vislumbrar el posible inicio de una cuarta.
Memoria, (in)justicia y transgeneracionalidad en la obra de Helena Tornero
El presente artículo ofrece una introducción panorámica a la obra de Helena Tornero (1973-), centrándose en dos aspectos principales: el tratamiento temático de la memoria y el trauma intergeneracional, y la influencia del teatro aplicado o social en su compromiso con la creación de espacios de diálogo y transmisión transgeneracionales. Incluye un análisis de la obra que consideramos que mejor representa sus intereses y estilo, El futur (El futuro) (2019).
Teatralidad e ideología: algunos apuntes sobre la dramaturgia de Joan Yago
En el presente artículo se analiza la dramaturgia de Joan Yago (Barcelona, 1987) y su impacto en el teatro catalán contemporáneo. Se realiza un breve repaso de su trayectoria, estrechamente vinculada a la compañía La Calòrica, haciendo hincapié en la versatilidad de su producción. En este sentido, se elucidan algunos de los mecanismos teatrales que utiliza Yago en sus obras para entender cómo a través de la comicidad reinventa las coordenadas del teatro político. A fin de adentrarse en los dispositivos escénicos de su obra, el artículo analiza la obra Entrevistes breus amb dones excepcionals, una obra escrita en 2016 que fue revisada con motivo de su estreno en el Teatre Nacional de Catalunya el 29 de febrero de 2004. En esta aproximación a la obra se estudia, en primer lugar, cómo Yago utiliza los mecanismos de extrañamiento para situar al espectador en una posición inusitada. En segundo lugar, se dilucida cómo, a través del dispositivo disonante escénico, el espectador es impulsado al examen de ciertos relatos y discursividad. En tercer lugar, se examina cómo a través de los mecanismos metateatrales el autor logra que el público no establezca solamente una dialéctica con el escenario, sino también con la platea. En definitiva, el artículo se acerca a la manera cómo Yago va diseccionando la naturaleza espectacular de la construcción individual y colectiva.
Llàtzer Garcia, un dramaturgo comprometido
LLàtzer Garcia, dramaturgo y director, inicia su trayectoria profesional en 2010 en el taetro catalán con un proyecto original, personal, comprometdo socialmente, y centrado en la realidad inmediata. Entre la comedia y el drama, ha versionado también escritores de la narrativa y el teatro contemporáneo extranjero. Garcia prioriza un teatro que trate de los problemas actuales de interés común para todos, absolutamente contrario a la idea de un taetro críptico
De un archipiélago de acróbatas tristes a la posibilidad ilusionante de una habitación vacía: la dramaturgia de Marc Artigau i Queralt.
Marc Artigau i Queralt (1984) es un dramaturgo con un reconocimiento importante en la escena catalana. Tras haber presentado su ecléctica producción dramatúrgica en relación con sus publicaciones de novelas, cuentas y poemarios, definiré las características de sur dramaturgia en varias etapas: el uso de la narrativa y de la poesía en su obra, vinculada a la pulsión rapsódica; la lúdica conciencia de la teatralidad en la sociedad de la era digital; la compleja lógica identitaria de los personajes, convertidos en figuras de identidades precarias y pasajeras; el uso singular de la perspectiva en sus dramas y comedias; la concepción elástica del tiempo para dominar un presente decepcionante; la lógica infantil en sus obras, vinculada a la nostalgia del adulto y al humor cruel; los marcadores de catalanidad de su obra, desde los elementos culturales hasta los puntos en común estilísticos con otros dramaturgos, pasando por su pasión por la literatura y la lengua catalana.
Análisis de la obra dramática Antígona Vélez de Leopoldo Marechal a la luz del contexto político y cultural del primer peronismo.
Antígona Vélez es una obra dramática escrita por Leopoldo Marechal en 1951 que reescribe la Antígona de Sófocles para situarla en la pampa argentina en un tiempo fundacional de la nación: a inicios del siglo XIX. La obra responde al ideario peronista al tomar un género culto y acercarlo al público general, democratizando el acceso a la considerada alta cultura para todo el pueblo. En la obra se retoma el género de la tragedia griega así como el teatro nativista –género perteneciente a las clases populares y de claras raigambres argentinas- al tiempo que cuestiona la dicotomía civilización o barbarie.
Institucionalización y patrimonialización de las artes escénicas en la Argentina a través de las políticas públicas (1933-1955)
Durante la década del treinta en la Argentina, se concretaron determinados procesos de organización, institucionalización y burocratización de las actividades artísticas y culturales a partir de la intervención del Estado, que se complejizaron y sistematizaron en la década siguiente. Este artículo estudia la institucionalización y patrimonialización de las artes escénicas a partir del proyecto cultural de la Comisión Nacional de Cultura, centrándose en los criterios y lineamientos establecidos para la creación de estas entidades y formaciones culturales que la integran, con el fin de comprender el concepto de patrimonio histórico escénico que definió esta entidad y las estrategias para conformar la tradición de esta disciplina artística. Para ello analiza la creación y funcionamiento de algunas de sus instituciones y formaciones artísticas de gran impacto para la actividad escénica de la época.
Aproximaciones escenográficas a los Ubú de Els Joglars: análisis de las propuestas de Fabià Puigserver y Albert Boadella
En el último cuarto del siglo XX, la compañía catalana Els Joglars se alzó como una de las compañías más irreverentes, polémicas y innovadores del panorama escénico español. Una propuesta que sacudió la sociedad catalana a principios de los ochenta, con detractores y admiradores a partes iguales, fue la idea de convertir al recién President de la Generalitat de Catalunya, Jordi Pujol, en el rei Ubú de Alfred Jarry. El presente trabajo parte del análisis crítico de las escenografías de Fabià Puigserver y Albert Boadella para estos montajes de la compañía en Operació Ubú (1981) y en Ubú President (1995) respectivamente. Pese a que cada escenificación parte de un texto parecido, las propuestas de diseño escénico y escenográfico fueron totalmente distintas, incidiendo cada una de ellas en aspectos dramatúrgicos diferentes para conseguir propósitos y objetivos distintos. Así, se quiere incidir en el proyecto teatral de Fabià Puigserver y en el valor de la escenografía para construir el sentido de una obra determinada.
Introducción: Renovación temática y expansión de la literatura dramática catalana actual
José Romera Castillo ed. Teatro y medicina en el primer cuarto del siglo XXI. Madrid: Verbum. 2024. ISBN: 978-84-1136-833-9. 616 pp.
Miguel Ángel Teijeiro Fuentes, José Roso Díaz eds. Nuevas luces sobre el teatro ibérico del siglo XVI, Valencia: Tirant Lo Blanc Humanidades. 2024. ISBN: 978-84-1183-641-8. 313 pp.
José Romera Castillo ed. Antonio Gala a escena, Vigo: Ediciones Invasoras. 2024. ISBN: 978-84-18885-85-3. 229 pp.
Fran Garcerá, Alejandro Coello Hernández y Alberto García-Aguilar eds. introducción y notas Al habla con Josefina de la Torre. Entrevistas, artículos y textos de una vida en la esfera pú
Mercedes de los Reyes Peña, María del Valle Ojeda Calvo y José Antonio Raynaud eds. trad. y notas El tutor. El viejo enamorado, de Juan de la Cueva. Sevilla
Gabriel Sansano ed. Tres segles de teatre barceloní. «El Principal» a través dels anys, de Josep Artís i Balaguer. Publicacions de la Universitat d’Alacant. 2024. ISBN: 978-84-9717-868-6. 632 p.
Bertolt Brecht y El Galpón. Alma, método y resistencia
En el presente artículo se aborda la importancia de los montajes de Bertolt Brecht por la Institución teatral El Galpón a lo largo de su historia. Así como su impacto para el desarrollo del grupo en términos estéticos, metodológicos y de discurso.
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El honrado hermano de Lope de Vega: la grandeza en la derrota
Este trabajo examina El honrado hermano, un drama histórico de Lope de Vega ambientada en la Antigua Roma, a partir de la construcción de sus cuatro personajes principales. Nuestro análisis muestra que la pareja protagonista, que forma parte de los vencedores —los romanos Horacio y Flavia— no cumplen con los rasgos típicos de galán y la dama en Lope, sino que son la pareja rival —Curiacio y Flavia— los que asumen como propias estas características. Se concluye que esta situación —que está potencialmente en la fuente principal de la obra, la Historia de Roma de Tito Livio— tiene que ver con una lectura política de la obra: el pasado de Roma se dramatiza desde una visión heroica, pero no plenamente positiva, que asumen los perdedores de la contienda: el pueblo albano. El reconocimiento y la asunción del derrotado se plantea como una condición para el desarrollo del imperio, una lectura que puede proyectarse a la creación de una identidad colectiva hispana.
De bicicletas roñosas y pianos desafinados. Los objetos testimoniales en el teatro actual sobre la guerra civil y el franquismo
Partiendo del concepto de posmemoria (Marianne Hirsch) y algunos estudios sobre memorias materiales de la violencia política del siglo XX en España y América Latina, el presente artículo aborda el papel de los objetos testimoniales en la transmisión generacional del trauma de la guerra civil española y de la dictadura franquista. En concreto, se examina cuáles son las formas y funciones de las antiguas pertenencias de los testigos en el teatro de la memoria. Centrándose, de modo ejemplar, en las obras Bagaje (1983), de Jerónimo López Mozo; Santa Perpetua (2010), de Laila Ripoll; y La armonía del silencio (2016), de Lola Blasco, el estudio explora las diversas posibilidades que tiene el teatro para poner en escena estos objetos o, al contrario, para marcar su ausencia o su estado latente. Asimismo, el análisis pone de relieve el potencial de los objetos testimoniales para poner en marcha trabajos de la memoria, afectar a los personajes, así como para influir en la acción, el tiempo y el espacio dramáticos.
Arraigo y reescritura de la obra de Àngel Guimerà en el teatro, la prensa y el cine de la República Argentina
Durante el largo periodo comprendido entre 1894 y 1972 la obra teatral de Àngel Guimerà contó con una notable difusión en la escena, la prensa y las pantallas de la República Argentina. Además de su implementación, en este artículo se exponen varios ejemplos de las transformaciones que se llevaron a cabo a partir de Terra baixa y de su reutilización con fines diversos en el contexto político y social de Argentina. Buenos Aires, metrópoli cultural de Latinoamérica, actuó como el crisol en el que se fundieron las vías americana y europea de internacionalización de la obra de mayor expansión del teatro clásico catalán.
La Pilarcita, de María Marull: Lo real maravilloso, el milagro y el carnaval en el litoral argentino
En La Pilarcita, ambientada en el litoral argentino, María Marull explora la leyenda de una niña santa, Pilar Zaracho, y el culto que se ha creado en torno a sus milagrosos poderes. Este artículo estudia cómo la autora combina en su dramaturgia esta celebración popular, a la que acuden anualmente miles de feligreses, con el carnaval de la región. A través de un procedimiento sincrético, Marull logra una interesante amalgama, a través de la exploración de lo real maravilloso americano, en un texto donde pone en valor el patrimonio cultural de una región y su identidad.
Una propuesta anómala de un teatro nacional. El caso de tres dramaturgas posrevolucionarias: Amalia Caballero de Castillo Ledón, Concepción Sada y María Luisa Ocampo
En este ensayo se hace la presentación de tres textos emblemáticos escritos por Amalia Caballero de Castillo Ledón, Concepción Sada y María Luisa Ocampo en los que se observan representaciones femeninas anómalas que rebasan la norma impuesta. Esta dramaturgia contrasta con el discurso revolucionario que intentaba imaginar lo mexicano, lo nacional, como producto único y verdadero de la Revolución mexicana.
Entre cristos y patrones: La sonoridad como fisura que afecta la memoria corporizada de Lihueimo católico
En este artículo se analizan las sonoridades generadas por las y los feligreses de la localidad rural de Lihueimo, Chile, durante la conmemoración de las ceremonias de Semana Santa. Indagaremos en las dimensiones sonoras y teatrales, que dan cuenta de ciertos factores históricos ligados a las relaciones de patronazgo y servidumbre en la localidad, rastreables a través de fuentes como testimonios orales y documentos de prensa a mediados del siglo XX. Este trabajo se pregunta cómo afectan dichas relaciones de subordinación en las sonoridades y los cuerpos de las y los fieles y de qué forma esto repercute en su memoria corporal.
Octubre fue Carnaval: De la Fiesta de los locos a la Fiesta de los que sobran en el escenario de la revuelta social de octubre-19 en Chile
Ante el pasado reciente y turbulento de lo acaecido en el llamado Estallido Social, se analizará, a partir de una perspectiva performativa del escenario histórico carnavalesco, el malestar social expresado en Chile durante octubre de 2019. Con ello, pretendemos abordar la evidente crisis de representatividad de una aglomeración sin sujeto en su coeficiente de revuelta en tanto comprende un “repertorio” (Taylor, 2015) que ha logrado ser transmitido, pese a todos los intentos de represión hegemónica, bajo diversas formas de expresión festiva de la idiosincrasia chilena. Esto nos lleva a pensar en un desplazamiento de raigambre histórica-popular (es decir, la otrora fiesta de los locos, ahora fiesta de los que sobran) que daría cuenta de las materialidades de las posibles luchas sociales no necesariamente inscritas a un sector político determinado. En este sentido, revisaremos de manera general la discusión teórica sobre el carnaval en Europa y Latinoamérica y su potencial disruptivo político. Luego, mediante un estudio situado, reflexionaremos sobre los elementos que descubre el escenario de la revuelta octubrista, tanto en su plena participación como en su intento de distanciamiento analítico.
Identidad femenina e identidad nacional y racial en la obra afrofeminista No es país para negras de Silvia Albert Sopale
No es país para negras [2018] es un unipersonal tragicómico, coescrito e interpretado por Silvia Albert Sopale, que narra en primera persona el periplo vital de una mujer negra nacida en España, en San Sebastián, en 1976. Este viaje autorreferencial por la vida de la propia autora, desde la infancia hasta la edad adulta, pasando por la adolescencia y sus interrogantes, recoge también las vivencias y experiencias de muchas mujeres afrodescendientes, para poner de manifiesto la tensión identitaria que supone ser una afroespañola. La obra constituye una reflexión sobre cómo la sociedad española ve, o no ve, a las mujeres afrodescendientes y cómo esta mirada les afecta en la difícil construcción de su propia identidad, o más bien en la expresión de una identidad en busca de visibilidad. Estas mujeres sufren a la vez racismo y sexismo, una superposición de discriminaciones que puede invitarnos a leer y ver la obra desde la perspectiva del feminismo interseccional. Nuestro objetivo será analizar cómo aparecen y se combinan estos dos tipos de discriminaciones en las situaciones evocadas, y cómo Silvia Albert las denuncia en su obra.