La revista digital y en acceso abierto Re-Visiones es una publicación académica, (bilingüe 2010-2020) de periodicidad anual en la que se agrupan ensayos inéditos en castellano en torno a trabajos relacionados con la teoría visual, la historia del arte, la investigación artística y los estudios culturales y visuales. Ha dependido de proyectos I+D y actualmente, en su segunda época, está adscrita al grupo de excelencia de investigación UCM “Investigación, arte universidad. Documentos para un debate”.
Reinventar la imagen arquitectónica con inteligencia artificial generativa: la exposición de ubicación específica «Arquitectura viva: Gehry» en el Museo Guggenheim Bilbao
The City and the Critique of Labour in Interwar Cinema: The Surrealist Background of René Clair’s Early Films
Este artículo examina la contribución de René Clair al cine de entreguerras y al primer surrealismo a través del estudio de sus producciones cinematográficas de los años veinte y treinta. Para ello, revisaremos algunas de sus películas más emblemáticas, así como otras menos conocidas, mediante diversas categorías esenciales del surrealismo, basándonos tanto en la lectura que Walter Benjamin hace del movimiento como en los testimonios de algunos de sus miembros. Profundizaremos en la imagen de la ciudad moderna que procura la vanguardia buscando similitudes y puntos de divergencia entre las películas de Clair y otras corrientes fílmicas y fotográficas europeas contemporáneas. La intención, finalmente, es determinar qué políticas del tiempo, el espacio, el deseo y el trabajo definió Clair y explorar las principales estrategias que desplegó a la hora de filmar el fenómeno urbano.
Re-existencias entre las ruinas de la ciudad fósil. Espectros del paisaje agroalimentario y la disputa por los sentidos del mundo en el Sur global.
El ensayo explora el lugar que ocupa en el imaginario colectivo la vegetación arvense que crece en el entorno urbano de la Ciudad de México. Frente a la crisis de sensibilidad provocada por la modernidad industrial, propone reorientar la mirada sobre los entramados bioculturales de lo vegetal como un espacio de disputa central. A partir del enfoque de las epistemologías del sur, examina la invisibilización de la vegetación que prolifera en banquetas y baldíos urbanos, la cual se propone como un índice del racismo epistémico que regula nuestras relaciones con el territorio, las tradiciones alimentarias y las formas de conocer. Su aporte consiste en reconocer estas materialidades invisibilizadas y sugerir cómo, al confrontarlas mediante una política de la atención, es posible abrir tramas bioculturales que desbordan la autonomía alimentaria y contribuyen a reconfigurar lo sensible.
¿Cómo saber si el cielo está nublado? Sobre Las horas (2025), una exposición de Ricardo Cotanda
Vistas insostenibles: Estéticas de un paisaje pixelado
En el presente artículo se estudia el papel de las tecnologías de la imagen en la concepción e interacción con el medio que habitamos, tomando como casos de estudio manifestaciones relevantes de dichas tecnologías. Partiendo de la noción de paisaje, descrita y localizada históricamente como una construcción cultural, se lleva a cabo un análisis identificando cómo las condiciones específicas de su observador, así como los dispositivos y técnicas de representación que median la experiencia sobre el entorno, afectan de forma palpable a su conceptualización. Establecida dicha premisa, el texto examina las consecuencias de estos sucesivos distanciamientos. Destaca los riesgos relacionados con la sobreexplotación de los servicios ecosistémicos y la modificación acelerada de las condiciones climáticas. Subraya la paradoja que subyace en la insostenibilidad de las mismas infraestructuras que propician estas distorsiones sobre la percepción, su capacidad para alterar las condiciones materiales que hacen posible su construcción y conservación.
The Gestures of Hands in Drawing Books - a warburgian reading using the Historical Archive of the University of Porto
Este artículo trata sobre el material de archivo del Rectorado de la Universidade do Porto, específicamente grabados publicados en libros de dibujo de varias figuras de la Historia del Arte, a saber: las láminas educativas de la familia Carraci del siglo XVIII, la edición de Robert Sayer de 1762 y los grabados de Francesco Bartolozzi del siglo XVIII. Proponemos una reflexión a partir de nuestro contacto empírico con este material de archivo, centrándonos principalmente en imágenes que instruyen cómo dibujar manos. Estas imágenes son grabados y se utilizaron en los inicios de la enseñanza del dibujo en Oporto, en la Aula de Debuxo e Desenho (1779 - 1803). Siguiendo la tesis de Pathosformel de Aby Warburg, nuestra reflexión intenta mostrar cómo las representaciones de gestos de manos “sobrevivieron” en la pedagogía del dibujo. Más importante aún, subrayaremos cómo los gestos y poses de las manos dibujadas son un producto emocional de fuerzas fenomenológicas de la experiencia humana. Para fundamentar nuestros argumentos, nuestra reflexión se basa principalmente en el análisis de Georges Didi-Huberman y su trabajo en torno a los escritos de Aby Warburg y Walter Benjamin. Articularemos textos de historia del arte, teoría de la imagen, antropología y literatura de neurociencia, con nuestros propios ensayos visuales, para iluminar nuestra experiencia fenomenológica al trabajar con el material de archivo de la Universidade de Porto.
Paisajes de agua y hormigón: Imágenes, infraestructuras y fantasmas del paradigma hidráulico franquista
La urbanización de la naturaleza impulsada por las políticas de desarrollo franquistas se basó en una visión productivista y extractivista de los recursos naturales, particularmente del agua. Un resultado paradigmático de estas políticas fue la construcción de grandes presas, concebidas principalmente para abastecer de energía hidroeléctrica a los polos industriales. Más allá de su función material, estas infraestructuras fueron investidas de un fuerte valor simbólico, erigiéndose en iconos de la modernidad y de la riqueza nacional. Su representación visual jugó un papel clave en la consolidación de una estética del progreso que legitimaba la intervención en el territorio como una hazaña técnica y civilizadora. A partir de un análisis histórico y crítico de algunas imágenes que articularon este imaginario, este texto busca poner en tensión los discursos hegemónicos del capitalismo hidráulico, revelando sus efectos materiales y las dinámicas de desposesión que lo sustentaron.
En mal de altura: notas sobre petromasculinidad y el sublime fascista en Vox
El género de montaña fascista está reapareciendo de forma exuberante en la propaganda contemporánea del partido de extrema derecha español Vox. En este artículo se presenta el síntoma como la continuación de su manifestación durante el siglo XX, como heredero del bergfilm y del género de montaña franquista, pero también enlazando con una genealogía que comienza con las Rückenfigur blindadas modernas. El sujeto liberal y el fascista, aunque se consideran el uno al otro némesis últimas, evidencian en sus imágenes una forma idéntica de representar su petromasculinidad. En ellas vemos persistentemente a un individuo que se asoma dominador una y otra vez al abismo de la experiencia de lo sublime y que lee la afectación que le abruma en el acantilado bajo la lluvia de la erotización de la violencia, despreciando a la vez, y contradictoriamente, el papel que el cuerpo juega en ella. Un mal de altura del que estamos todos afectados.
Afectos fósiles: un diálogo entre las petromasculinidades y la teoría de los afectos
El concepto de las petromasculinidades permite entender cómo el negacionismo climático se articula con la reacción antifeminista y el resto de posturas autoritarias. Este enfoque indaga en cómo las identidades masculinas se construyen en contextos de incertidumbre social a través del odio y el deseo fósil. No obstante, existen una serie de preguntas que el enfoque de las petromasculinidades debe abordar para poder ampliar y profundizar en su análisis. En este artículo se presentan algunos de esas cuestiones y se las intenta responder desde la teoría de los afectos que se revela como un enfoque complementario y enriquecedor para descentralizar el sujeto, introducir una mirada material e institucional de las petromasculinidades y afinar las propuestas políticas.
El presente artículo aborda la única experiencia del Instituto Nacional de Colonización en Galicia, en A Terra Chá, desde las lógicas del diseño infraestructural. Su singular condición dispersa, donde las viviendas no responden a una forma urbana sino a criterios únicamente logísticos, permiten comprender las aspiraciones políticas, técnicas y proyectuales de crear un paisaje nuevo para un hombre nuevo y las consecuencias que, más de cincuenta años después de su finalización ha producido esta matriz espacial de formas activas, objetos técnicos y discursivos. En base a esto, se analizará la condición sintética de un territorio moderno urbanizado bajo la premisa de la maximización de recursos desde tres ópticas complementarias: su construcción mediática, su construcción ambiental y la construcción de un nuevo hombre destinado a habitarlo.
La desaparición fósil de las luciérnagas: modernidad energética, genocidio cultural y nocividad industrial entre la Italia neocapitalista y la emergencia ecosocial
El artículo analiza la relación entre los imaginarios de la modernidad fósil y las transformaciones culturales en la Italia neocapitalista, con la intención de plantear una reflexión más amplia que interpela al contexto actual de emergencia ecosocial. Para ello, parte de los Escritos corsarios (1973-1975) y la novela póstuma de Pier Paolo Pasolini Petróleo (1993), en la que el poeta, cineasta e intelectual italiano indagaba en torno a la historia del ENI (Ente Nazionale Idrocarburi). De representar un proyecto de capitalismo nacional y anticolonial de rostro humano bajo la batuta del empresario Enrico Mattei, esa compañía estatal había pasado a convertirse en un prototipo de la globalización neoliberal de la mano de Eugenio Cefis. El artículo aborda el papel que la ideología fósil jugó en los imaginarios audiovisuales producidos por el ENI, particularmente a través de la revisión de dos películas concretas: I prigionieri del sottosuolo ([Los prisioneros del subsuelo], 1956), de Ubaldo Magnaghi y L´Italia non è un paese povero [Italia no es un país pobre] (1960), de Joris Ivens. Finalmente, la última parte del artículo relata el modo en que la narrativa socio-energética propugnada por los documentales del ENI, pero también la crítica pasoliniana del hiperconsumo, fueron contestados por las movilizaciones de las nuevas generaciones de militantes articuladas en la Italia de los años sesenta y setenta en torno al operaísmo, el feminismo y una ecología industrial basada en el concepto de “nocività” (nocividad).
Infraestructuras depredadoras. Extractivismo minero y resistencias comunitariasa en la obra de Ignacio Acosta
En este artículo examinamos cómo la obra de Ignacio Acosta interroga las dinámicas extractivas del capitalismo global y articula narrativas visuales en diálogo con las resistencias de las comunidades locales e Indígenas. Analizamos los proyectos centrados en la extracción de cobre en Chile y de hierro en Suecia, y adoptamos un enfoque cualitativo basado en las ciencias sociales, en particular, en la ecología política. Sostenemos que la práctica del artista evidencia la dimensión material, financiera y biopolítica de estos elementos metálicos; muestra cómo las infraestructuras extractivas agotan los recursos, destruyen la biodiversidad y despojan a las comunidades; y visibiliza las estrategias de resistencia cultural y política frente a las operaciones mineras. Concluimos argumentando que el valor de la obra de Ignacio Acosta radica en su capacidad para repensar los vínculos entre minería, colonialismo y neoliberalismo, cuestionar las paradojas de los marcos legales y del capitalismo verde, e imaginar futuros vivibles desde las experiencias de los territorios afectados.
Nueva Babilonia ahora: utopías urbanas para un futuro post-fósil
A través del desplazamiento de la utopía situacionista Nueva Babilonia, concebida por Constant Nieuwenhuys, hacia su relectura contemporánea Nueva Nueva Babilonia de Jonas Staal, este texto examina el tránsito entre la era de la expansión fósil y el tiempo del colapso ecológico. La propuesta de Constant, formulada en el contexto de la Gran Aceleración, imagina una ciudad para una nueva civilización liberada del trabajo. A pesar de lo revolucionario de la propuesta, Nueva Babilonia sigue adscrita al imperativo del urbanismo fósil y de la fe moderna en el progreso técnico. Frente a ello, Staal busca reactivar la hipótesis utópica situacionista traduciéndolo a un contexto de crisis ecosocial. Sobre esta premisa, el ensayo plantea la urgencia de recuperar la imaginación política radical como potencia capaz de reconfigurar las condiciones sensibles, sociales y energéticas desde las que imaginar y habitar el mundo.
Estéticas energéticas: del cemento fósil a los prototipos de transición. Residuos urbanos, arquitecturas del futuro y paisajes compartidos
El artículo analiza la relación entre estética, energía y modernidad a través de una genealogía material de la modernidad fósil —carbón, hierro, petróleo y cemento— y sus implicaciones culturales, sociales y ambientales. Propone el proyecto Todas las huellas la huella. Estéticas energéticas como caso de estudio interdisciplinar que explora alternativas sostenibles al cemento Portland mediante el uso de residuos industriales y urbanos. Desde la práctica artística y la investigación científica, la autora plantea un enfoque en el que arte, ciencia y ciudadanía convergen para repensar los materiales de la construcción, la justicia ambiental y la transición energética. Situado en el contexto de la Cañada Real Galiana y Valdemingómez (Madrid), el proyecto combina experimentación técnica, mediación social y reflexión estética para imaginar arquitecturas del futuro basadas en equidad, sostenibilidad y sensibilidad compartida.
La conspiración de la arquitectura: notas sobre la ansiedad moderna
Nosotros, los habitantes de la modernidad, vivimos en una casa aberrante. Este ensayo examina la relación entre los sujetos humanos y su entorno construido, pero lo hace centrándose menos en la arquitectura misma que en lo que podríamos llamar “arquitectura mediada” o “arquitectura de segundo grado”. Se interesa menos en el entorno construido en sí que en una imagen prevalente de dicho entorno en la cultura “alta” y “popular”, en la literatura, el cine y la pintura. Sostengo que una imagen particular y perturbadora de los edificios ha ido ganando cada vez más vigencia en la época moderna. Intentaré demostrar que tal imagen —y la ansiedad concomitante que provoca— existe, y ofrecer una explicación sobre su origen.
Coches, autopistas y piel. Entrevista múltiple a Sara Ahmed, Cara Daggett, Layla Martínez y Joanna Żylińska
Esta entrevista a cuatro voces busca articular miradas sensibles y teóricas sobre un escenario poco explorado desde la perspectiva ecosocial: las infraestructuras simbólicas del Antropoceno en el marco de las masculinidades, la urbanización y la política. En este diálogo participan Sara Ahmed, escritora feminista y académica independiente, autora de The Cultural Politics of Emotion (2004), Queer Phenomenology (2006) o Living a Feminist Life (2017); Cara Daggett, profesora de Ciencia Política en Virginia Tech, autora de The Birth of Energy (2019) y Petro-masculinity: Fossil Fuels and Authoritarian Desire (2018); Layla Martínez, editora y escritora de Utopía no es una isla (2020) y Carcoma (2021) y Joanna Żylińska, escritora y profesora de Humanidades Digitales en el King’s College de Londres, autora de Nonhuman Photography (2017) y The End of Man (2018), exploran en este diálogo múltiple la petromasculinidad latente en las infraestructuras contemporáneas.
Este artículo analiza la infraestructura industrial no como un sistema invisible de conectividad y movilidad que mantiene el funcionamiento del capitalismo en segundo plano, sino como un miasma fabricado de desesperación, toxicidad y muerte. Truscello denomina a esto “brutalismo infraestructural”, una formulación que no solo alude al nexo histórico entre la infraestructura y la estética concreta de la arquitectura brutalista, sino que también describe la brutalidad ecológica, política y psicológica de las infraestructuras industriales.
City Body, Angelika Loderer’s solo exhibition at SOPHIE TAPPEINER, explores the hidden infrastructures of urban life—waste, maintenance, and communication—through sculptural works that transform discarded materials into sites of metamorphosis. Engaging with theories of urban metabolism and care, Loderer reveals how matter persists beyond consumption, exposing the fractures in capitalist systems that fail to reabsorb their own waste. From corroded debris to fungal networks overtaking obsolete objects, her works suggest alternative cycles of repair and transformation. City Body invites viewers to reconsider the city as a living, digesting entity—where nothing truly disappears, but continually reshapes what remains.
La arquitectura y la muerte de la modernidad fósil
Este ensayo replantea la relación entre arquitectura, energía y crisis climática mediante el concepto de forma fósil, entendido como el paradigma espacial que le corresponde a una sociedad basada en el uso de combustibles fósiles. Sostiene que el discurso arquitectónico ha reducido lo ambiental a la eficiencia energética, ignorando cómo la disponibilidad de energía abundante ha configurado tipologías, infraestructuras y modos de vida intensivos en carbono. A través de una genealogía que abarca desde el movimiento moderno al diseño digital, el texto explora cómo la forma fósil persiste como fundamento material y cultural del entorno construido, reproduciendo la modernidad fósil a pesar de la urgencia cada vez más aguda de la crisis climática. En un contexto marcado por la fractura metabólica, el Antropoceno y la continuidad del régimen fósil, el ensayo propone superar —no borrar— la forma fósil mediante nuevas organizaciones espaciales que anticipen transiciones energéticas y sociales. La descarbonización emerge así como un proyecto formal, cultural y político central para la arquitectura.
En Hometown to Come (2025), Mire Lee transforma el escenario en una ruina visceral de Seúl -un cadáver urbano compuesto por lonas rasgadas, cables de cobre y órganos desplazados de edificios fallidos. Encargada por MMCA Performing Arts 2024: Space Elevator, la obra marca el regreso de la artista a su ciudad natal, reconfigurándola como un lugar de agotamiento y decadencia cíclica. A través de la colaboración con la intérprete Sunhee Bae, Lee presenta los desechos no como residuos, sino como una infraestructura viva, animada por actos de limpieza, reorganización y monólogos delirantes. La performance suspende el progreso lineal, destacando la intimidad entre el ser humano y el desecho: cuerpos que la modernidad vuelve reemplazables. Rechazando la reparación o la redención, Hometown to Come habita la contaminación, exponiendo la compulsiva reurbanización de Seúl como ritual y enfermedad. En este regreso a casa, el desecho actúa de vuelta, recordándonos que habitar la ciudad hoy es vivir perpetuamente entre lo que ha sido descartado.
This graphic essay reflects on the concepts developed for Common Accounts’ installation Have a Nice Day, a solar canopy and artificial sun presented at MUDAC’s Solar Biennale in 2025. The essay intersperses images of the installation with transcripts of narration sourced from influencer testimonials and Georges Bataille’s “The Accursed Share,” staging a critical encounter between contemporary domestic therapeutic devices and Bataille’s theory of excess solar energy. Through this juxtaposition, “A Case for Sunbathing” examines how artificial sunlight has been theorized in popular consumer advertising and wellness-oriented social media for applications as diverse as cellular rehabilitation, anti-aging, and enhanced fertility. Taking Have a Nice Day as a conceptual scaffold, the paper follows how the installation troubles psycho-social associations with the sun in an age of climate anxiety, channeling them into sensible, energetic encounters in the gallery and tracing their entanglement with optimization, self-design, planetarity, technology, and daily life.
El escaparate como altavoz político. Entre la mercantilización de la mirada y la resistencia
Por su alto carácter mediático y su centralidad en el espacio urbano, el escaparate intervenido es un dispositivo cómplice de la economía de la atención, a medio camino entre instrumento de expresión ideológica y forma de resistencia cultural y social. A partir del estudio de casos como las protestas sufragistas, la Kristallnacht, las estrategias propagandísticas de regímenes autoritarios y las acciones de movimientos ecologistas, los numerosos episodios de ataque o manipulación de los cristales de los escaparates comerciales pueden analizarse en torno a dos tipos de comportamiento en relación a este dispositivo: uno, de ocultamiento; otro, de exhibición. El estudio de estas acciones tiene como objetivo concluir si subvierten su función mercantil o la refuerzan. Aunque en apariencia contrarios, se trata de las dos caras de una misma moneda.
Lo que se hace al mismo tiempo: hilvanando imágenes del trabajo femenino.
Reseña de Ritmos. Imágenes del trabajo femenino, exposición que tuvo lugar en el Espacio D del Museo Reina Sofía entre el 21 de marzo y el 13 de junio de 2025. Comisariada por Selina Blasco, Maite Garbayo y María Rosón. La exposición reunía imágenes del archivo de la Biblioteca y el Centro de Documentación publicadas en la prensa gráfica y otros objetos librescos desde los años veinte hasta la posguerra.
Durante mucho tiempo las lesbianas fueron prácticamente invisibles en las ciudades de la península ibérica, difícilmente tenían lugares o cartografías, y apenas se las asociaba con imágenes o imaginarios. En el Estado Español, el franquismo contribuyó enormemente a esta invisibilización. Pero la ocupación del espacio urbano por una identidad es esencial para que ésta pueda construirse como sujeto político y social. A partir de la Transición, con los primeros grupos de activistas lesbofeministas, y durante las décadas de 80 y 90, las lesbianas empiezan un proceso de transformación de su condición de invisibilidad, acompañado de un impulso de autorrepresentación, en las calles de ciudades como Bilbao, Barcelona o Madrid. Estas fotografías se encuentran mayoritariamente en posesión de las fotógrafas y fotografiadas, en cajones y fondos de armario. En este artículo empezamos a sacarlas a la luz, a analizar y reflexionar sobre sus efectos hoy, buscando abrir contra imaginarios urbanos en la Península
Devenir-con. Epidemia de recuperación multiespecie
El presente artículo versa en torno a las políticas afirmativas que giran en torno a nuevos modos de hacer-con, de devenir-con, en forma de simpoiesis entre criaturas sintientes que habitan los márgenes de un mundo herido. Así, se experimenta una relación interespecie con una colonia de cinco ratas rescatadas con quienes se ha establecido un vínculo, generando espacios de convivencia, colectivo, colonia y encuentro, prestando atención a aquello que conecta una diversidad de cuerpos alternos magullados, sexualizados, naturalizados y devaluados por la tradición hegemónica dominante. De esta manera, se componen nuevas formas de relacionalidad y afectividad que pueden traducirse como urgentes medios de revolución, transformación y recuperación que hacen de los afectos una práctica artística de resistencia y de restauración de refugios para otredades disidentes.
Elsa von Freytag-Loringhoven: sicalíptica-dadá-queer
Este artículo es un intento de articular la mirada a la vanguardia histórica desde una metodología queer, que pone en entredicho las perspectivas del relato historiográfico clásico, lo que en palabras de José Esteban Muñoz es mirar el pasado otra vez por primera vez. Busca descomponer las argumentaciones rígidas, presentando a la gran dama del dadaísmo, la Baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven, como una personalidad de la escena cultural de principios del siglo XX, más cercana a la cultura popular, a los espectáculos de masas, a la ola verde europea y americana, que a los habituales discursos de contextos artísticos y grupúsculos dinamiteros vanguardista. Busca rescatar a una personalidad queer avant la lettre, una personalidad desdibujada, inasible, muy difícil de definir, que logra asumir ese equilibrio inverosímil de la sicalipsis.
Derechos de raíz aérea en heterotopías estéticas
Este texto aborda procesos de imaginación colaborativa en sistemas normativos autónomos, que a través de prácticas estéticas han creado derechos de raíz aérea, para imaginar y organizar espacios heterotópicos de vida. Expongo el caso de las prácticas escénicas realizadas en la comunidad zapoteca de Santiago Xanica, en el estado de Oaxaca. Las cuales, propiciaron una reconfiguración de lo sensible y activaron una imaginación política que visibilizó los problemas históricos locales y reorganizó las relaciones intersubjetivas que llevaron a los participantes del grupo Sembrando Teatro a realizar la toma pacífica de la Finca Alemania para crear un centro pedagógico autónomo.
Gilles Deleuze y la escritura experimental
El objetivo de esta investigación es la presentación de un conjunto de ejercicios de escritura experimental construidos sobre la base del pensamiento de Gilles Deleuze. Estos ejercicios son parte de un “libro en proceso” titulado Delirar a Deleuze que aborda la crítica a los modelos hegemónicos de escritura y la búsqueda de alternativas de escritura multimodal, performativa y transdisciplinar. El libro, provisionalmente, se divide en tres apartados. En “delirar el lugar” de la escritura se explora el sentido de un texto a través de su posición en el espacio en blanco de la página (texto-menor, sobre-texto, inver-texto). En “delirar la forma” de la escritura se aborda la potencia de significación de la forma gráfica de la palabra (texto-conectividad, texto-cartografía). En “delirar la materia” de la escritura se investigan las prácticas experimentales de mutación material de los textos (texto-mutación).
En 1975, Gilles Deleuze y Félix Guattari publicaron Kafka, por una literatura menor, un libro en el que definían las condiciones revolucionarias de la literatura escrita por una minoría dentro del lenguaje de la mayoría en el poder. Nosotrxs, en el año 2024, tecleamos de nuevo sus palabras en un archivo .doc y reescribimos sobre ellas en “modo sugerencia”, sustituyendo el concepto de “literatura menor” por el de “investigación artística”. De esta manera, planteamos un ejercicio de escritura académica basado en el desplazamiento y en el reemplazo de palabras; un juego apropiacionista que despieza e interviene el texto. Conviven entre estas palabras los gestos de su escritura, así como el rastro de cada mano que lo produjo. Como resultado, surge una transcripción interesada que deja entrever desde la lectura una analogía entre la literatura menor que propusieron Deleuze y Guattari y la investigación artística en las facultades de arte.