Pygmalion. Revista de teatro general y comparado

Dramático y Posdramático: dos caminos en el teatro contemporáneo

2024-01-23T08:55:53+00:00

El artículo parte de aproximaciones conceptuales al teatro Dramático y al Posdramático, basadas en los antecedentes y praxis de ambas manifestaciones escénicas. A partir de estos se contemplan las diferencias existentes en las derivadas del teatro contemporáneo, que discurre por estos derroteros, en lo referente a textos, escenificación, interpretación y recepción; además se contrastan las características más sobresalientes de uno y otro tipo de teatros.

¿Quién gana los Premios Max? Análisis con perspectiva de género de los premios de las artes escénicas

2024-01-23T12:47:34+00:00

Este trabajo analiza la presencia de mujeres ganadoras de los Premios Max desde 1998 a 2023. El objetivo es establecer si se produce un incremento longitudinal y analizar en qué roles tienen ellas una mayor visibilidad. Se concluye que no existe una paridad en la entrega de premios en el sector teatral y destacan como categorías con menor representación femenina la dirección escénica, el texto teatral y la composición y dirección musical. El mayor número de mujeres galardonadas se aprecia en las categorías de vestuario y coreografía. Se estudia también la dirección de las galas y se observa que en los últimos años se evoluciona hacia un equipo paritario que dirige y guioniza la entrega de premios. El análisis de los Premios Max tal y como se presenta en esta investigación no se ha realizado anteriormente, por lo que el artículo aporta una revisión novedosa de la situación de las mujeres en las artes escénicas.

El proceso creativo del coreógrafo: teoría, práctica y tentativas de estudio

2024-01-23T12:50:01+00:00

El presente estudio está basado en ejemplos extraídos de la práctica teatral ubicada en el contexto histórico y creativo del ballet argumental europeo entre los siglos xix-xxi y pretende analizar las rutinas profesionales del coreógrafo, explorar los sistemas de trabajo personal, etapas de la puesta en escena, fuentes de inspiración, premisas y contextos que determinan las trayectorias creativas. Mediante un conjunto de métodos extrapolados de diferentes áreas del saber se reconstruyen los mecanismos y condiciones de la conciencia creativa y de la personalidad artística; asimismo, se indagan las paradojas y modulaciones del proceso de composición de una obra coreográfica.

La influencia de las artes plásticas en The Great Tamer (2017) de Dimitris Papaioannou

2024-01-23T12:53:00+00:00

El presente artículo pretende ser un primer acercamiento a las artes plásticas dentro de la producción dancístico-teatral del artista griego Dimitris Papaioannou. A partir de sus estudios académicos en el ámbito de las artes visuales (entre las que se encuentra la pintura) y su posterior acercamiento a la danza (gracias a su formación tanto en Grecia como en los Estados Unidos), se enumeran las etapas artísticas experimentadas por Papaioannou, cada una en el signo de una disciplina y corriente artístico-visual particulares. Por lo tanto, partiendo de la definición de lo que se entiende como tableau vivant y teatro de la imagen, este artículo intenta señalar dichas influencias en el caso específico de la obra The Great Tamer, parte de la Trilogía de la lucha (que comprende, a su vez, Primal Matter y Still Life).

El teatro en la enseñanza de español/le-l2. Paradigmas teóricos y reflexiones prácticas

2024-01-23T12:55:56+00:00

El uso de textos teatrales en la enseñanza de español ha estado determinado por el continuo cambio de paradigma metodológico desde el método tradicional hasta los enfoques de corte comunicativo vigentes en la actualidad. Pese a ello, las técnicas de dramatización han estado presentes en diferentes métodos, alcanzando un papel fundamental en el desarrollo de la competencia comunicativa e intercultural del alumnado. En el presente artículo, por tanto, se aborda la inclusión del teatro, en su globalidad, en los distintos enfoques de la didáctica de lenguas, desde una perspectiva teórica, exponiendo asimismo los beneficios de este en el proceso de enseñanza-aprendizaje. Aunque la situación ha variado notablemente en las últimas décadas y se ha ido introduciendo el texto literario en la enseñanza de español, aún queda por precisar la correcta aplicación del mismo como herramienta didáctica.

Coliseo transmediático. Entrevista a María Folguera

2024-01-23T12:58:54+00:00

Coliseo transmediático. Entrevista a María Folguera

Máster en teatro y Artes Escénicas (ITEITEITEM, UCM) t rabajos Fin de Máster

2024-01-23T13:10:23+00:00

Doctorado en Estudios Teatrales (2022-2023)

2024-01-23T13:11:54+00:00

Artes escénicas, redes y nuevas tecnologías (o de la necesidad de un DeLorean)

2024-01-12T11:04:05+00:00

Artes escénicas, redes y nuevas tecnologías (o de la necesidad de un DeLorean)

Liberar la voz del cuerpo o la ficción sonora: La especificidad delDramawalker como ejercicio de memoria democrática

2024-01-23T08:37:54+00:00

El artículo sitúa la ficción sonora Dramawalker –una iniciativa del Centro Dramático Nacional– en la posibilidad de entenderla no solo como memoria urbana sino también como ejercicio de memoria democrática atendiendo a la especificidad del territorio en que se enmarca. Del mismo modo, pretende acercarse desde un pensamiento político a la experiencia transmedia como intrahistoria íntima y colectiva. Para ello, analiza dos ficciones sonoras: Dramawalker Cañada Real y Dramawalker Vite.

Liveness: La ontología del evento en vivo y la comunicación mediada. Propuestas de campos de investigación del evento intermedial

2024-01-23T08:40:09+00:00

as artes escénicas proceden del ritual, entendido como celebración de la existencia de una comunidad con unos valores y una mitología común. En la actualidad, la noción de comunidad supera lo físico y se refiere, de manera casi predominante, a lo virtual. En este sentido, el presente artículo propone un análisis de la ontología del evento en vivo y desglosa posibles campos de estudio para la búsqueda de una hibridación entre la comunicación mediada y la no mediada.

Los pódcast del Bufón: teatro, nuevas narrativas y memoria

2024-01-23T08:43:07+00:00

Morón de la Frontera es un animal mitológico que ya no existe. Como todos los pequeños pueblos del sur, no existe. Sin embargo, ahí es donde nosotros vivimos. Y ahí es donde, a comienzos de 2020 y después de muchos meses de trabajo, estábamos a punto de inaugurar un pequeño teatro llamado Teatro del Bufón, como un acto de resistencia y rebelión poética. Pero llegó la pandemia y la vida se interrumpió. La anhelada inauguración ni llegó ni se le esperaba: ¿Qué hacemos con todo el trabajo que, durante meses, hemos estado realizando de sol a sol?, nos preguntamos. Y decidimos trasladar toda esa energía desde la sala al papel. En ese traslado nació Ediciones del Bufón, una editorial especializada en las artes escénicas de la periferia, concretamente, en la dramaturgia andaluza y latinoamericana. Pero, en aquellos días, hasta los libros podían ser un foco de contagio contra el que no cabían fumigaciones ni profilaxis, así que tuvimos que soñar nuevos pasadizos en el laberinto: los Pódcast del Bufón. Libre del impedimento de reunión y de la alarma de catástrofe por contacto, los pódcast, más allá de la arquitectura efímera que proliferó en aquella coyuntura, fueron un puente que ha alargado su calzada hasta nuestros días. Así pues, El Bufón es un proyecto sonoroteatral que nace en la Andalucía rural y crece en dos direcciones: el documental sonoro (como, por ejemplo, La Zaranda: María, volamos hacia la gloria o Alfonso Jiménez, el dramaturgo que se convirtió en piedra, que será estudiado en este artículo) y el radioteatro o ficción sonora (como Cartografías de la memoria, caso que también será analizado en el presente estudio), para dar visibilidad al teatro periférico de ayer y de hoy, y crear nuevos públicos, ya que este es un lenguaje que están hablando principalmente los más jóvenes. En cualquiera de las dos líneas, el pódcast es considerado una pequeña obra de creación en sí mismo, donde la exploración de las nuevas narrativas y formas artísticas en el contar se abrazan con una edición muy cuidada y una concepción muy poética de las atmósferas sonoras.

La recepción de las primeras respuestas tecnoviviales a la pandemia: #Coronavirusplays

2024-01-23T08:45:56+00:00

Este trabajo analiza la recepción de #Coronavirusplays, una de las primeras iniciativas tecnoviviales, surgida en la esfera de la dramaturgia catalana y extensible a la comunidad online, propiciadas por el confinamiento a causa de la pandemia de SARS-CoV-2 en 2020. Presta especial atención a la recepción inmediata y a los formatos escénicos digitales que produjo a partir del estudio de las actuaciones en redes de Aida Moré, una de las intérpretes que se sumaron a la iniciativa para describir luego la evolución de la recepción del proyecto hasta la actualidad.

La ruptura de la lógica ficcional en Fleabag

2024-01-23T08:49:10+00:00

No es nuevo que en algunas representaciones teatrales los personajes se dirijan al público, rompiendo la cuarta pared o la lógica ficcional pues un personaje (perteneciente al mundo de la ficción) interactúa con los espectadores (pertenecientes al mundo real). Esta transgresión de la lógica comunicativa es tolerada por el hecho de que personajes (actores) y espectadores, aunque no comparten ni tiempo ni espacio artístico, sí comparten tiempo y espacio físico, coinciden materialmente en un tiempo y un espacio. En las últimas décadas -no es un fenómeno nuevo ni mucho menos- algunos directores han desarrollado este fenómeno en obras cinematográficas, donde la ruptura es más transgresora, como ocurre en películas como Annie Hall (1977) o La rosa púrpura de El Cairo (1985), ambas de Woody Allen. A nosotros nos interesa el caso de la serie de televisión Fleabag (dos temporadas, 2016 y 2019) porque la metalepsis o ruptura de la lógica ficcional tiene repercusiones narrativas importantes: busca la complicidad de los espectadores sin desvirtuar el universo narrativo ni dramático a pesar de que lo hace en presencia de otros personajes y no en apartes, es fuente de comicidad (humor muy negro), convierte al espectadores en un ser activo e involucrado en la historia, con el privilegio de saber más que los otros personajes y hace que el personaje principal sea también narrador. Por si fuera poco, en la segunda temporada el artificio crece especialmente con el personaje de Scott, el cura, y provoca en ocasiones que los personajes de la obra estén en diferentes planos de la ficción, elevando el grado de originalidad de la serie.

En defensa de lo sensible

2024-01-23T08:52:54+00:00

¿Cómo afecta la llegada del imperio digital a las artes escénicas? ¿Modifica su esencia? ¿Modifica al público? ¿En qué formas se utilizan las tecnologías en el teatro contemporáneo de nuestro país? Estas preguntas atraviesan este artículo que aborda una mirada personal que nace de lo que se entiende por esencia de las artes escénicas y su conexión con lo sensible y cómo esta conexión se ve afectada por el tecnofeudalismo imperante. Un no uso político de la tecnología al servicio de la escena y la importancia de la conexión entre los cuerpos (observados y observantes) para que el hecho escénico pueda cumplir con su función.

Reck, Isabelle (dir.) (2022): Juana Escabias, una dramaturga en la trinchera del teatro español del siglo xxi, Madrid, Antígona Ediciones. 313 págs.

2024-01-23T13:07:45+00:00

La puesta en vida del Don Quijote del Teatro delle Albe: un viaje íntimo y coral a partir del clásico de Cervantes

2024-01-23T13:08:55+00:00

López Sobrado, Esther: Las pasiones de Santiago Ontañón. Pról. de Benjamín Prado. Sevilla, Renacimiento, 2022. 322 pp.

2024-01-23T13:04:47+00:00

Hasta aquí hemos llegado

2024-01-23T13:00:56+00:00

Hasta aquí hemos llegado