Pygmalion. Revista de teatro general y comparado
Pygmalion es una publicación anual del Instituto del Teatro de Madrid de la Facultad de Filología, especializada en el estudio de las artes escénicas, el teatro comparado, y la historia y la teoría del teatro. Combina artículos de investigación, edición de textos teatrales inéditos, entrevistas a profesionales del teatro y reseñas de libros. El objetivo principal es favorecer el contacto entre la universidad y las entidades implicadas en las artes escénicas.
Aguilar et al. (2025): Cartografías femeninas más allá de la escena. Producciones y representaciones de las mujeres en el imaginario teatral (XVII-XX). Granada, Comares literatura, pp. 124
Derechos de autor 2026 Pygmalion. Revista de teatro general y comparado
Guerrero, Isabel (2023): Festivalizar el teatro.Un recorrido a través de la celebración de WilliamShakespeare. Murcia, Ediciones de la Universidadde Murcia, pp. 166
Avances sobre la técnica actoral de Sanford Meisner
Stages of Intersubjectivity and Cultural Memory in Elizabethan, Jacobean and Restoration Drama
Haciendo algo de Nada: Un análisis de la adaptación de Yago y Jaén de la novela de Carmen Laforet representada por el Centro Dramático Nacional
La adaptación es un proceso dinámico y una herramienta útil en el estudio de la cultura. La novela Nada de Carmen Laforet, publicada por primera vez en 1944 y ganadora del primer Premio Nadal en España, fue adaptada al teatro bajo la dirección de Beatriz Jaén en el Centro Dramático Nacional. Este ensayo explora lo que se gana y lo que se pierde al transformar una obra en prosa, con especial atención a cómo técnicas teatrales como la escenografía, la iluminación y la caracterización convierten elementos narrativos en recursos propios de una representación en vivo. También considera los diferentes contextos sociales, políticos y culturales, así como las implicaciones de adaptarNada a la escena española contemporánea. Los escritos de Linda Hutcheon en A Theory of Adaptation y de Joyce Carol Oates en A Novelist Finds the Bare Bones of a Play ofrecen un fundamento teórico, complementado por el cuestionario de representación de Patrice Pavis que guía el análisis crítico.
Poder financiero y ansiedad social en A New Way to Pay Old Debts andThe City Madam de Philip Massinger
Philip Massinger (1583-1640) ha permanecido como un autor relativamente poco explorado en los estudios literarios en comparación con sus contemporáneos. No obstante, sus obras teatrales -tanto las escritas colaborativamente como las de autoría individual- merecen un análisis en profundidad debido a sus aportaciones artísticas y temáticas al teatro inglés moderno temprano. Este artículo analiza cómo dos de sus obras abordan las transformaciones económicas de la Inglaterra isabelina, prestando particular atención a la especulación financiera y la fluidez del estatus social. A través de lecturas detalladas de A New Way to Pay Old Debts (1633) y The City Madam (1658), este estudio examina la manera en la que Massinger construye a personajes -como mercaderes, usureros y escaladores sociales- que encarnan tanto las oportunidades como los peligros de una sociedad regida por el mercado capitalista. Las obras reflejan las preocupaciones contemporáneas en torno a la deuda, la quiebra y los ideales aristocráticos, sugiriendo, en última instancia, que el teatro funcionó como medio para analizar las crisis morales generadas por el capitalismo emergente en Inglaterra.
Intertextualidad Romántica, Eugene O’Neilly El Dolor Interminable:Long Day’s JourneyHacia el Alma del Poeta
Este artículo explora cómo Long Day’s Journey into Night (1956) de Eugene O’Neill reinterpreta no solo historias de trauma, adicción y evasión, sino también una basada en el anhelo ontológico del alma por la sensación de pertenencia y transcendencia. Mientras que las influencias de la tragedia shakesperiana y griega sobre O’Neill han sido abordadas exhaustivamente, este ensayo desplaza deliberadamente el foco hacia la intertextualidad romántica encarnada en el personaje de Edmund Tyrone, cuya sensibilidad poética, en palabras de Vivian Casper, reconfigura la obra como un Künstlerdrame. Apoyándose en conceptos neoplátonicos como el del anima mundi, el sublime burkeano y la larga tradición de poetas románticos, este ensayo sostiene que el monólogo de Edmund lo posiciona como “el poeta del teatro”. Así pues, este artículo sugiere que O'Neill utiliza la intertextualidad para traer al teatro, realista y modernista, estadounidense, el dolor metafísico de la transcendencia profundamente explorada en la poesía romántica.
Las diversidades sexuales y su relación con la Iglesia católica en las creaciones de Alfredo Arias (trienio 2018-2020)
El travestismo es corriente en las puestas en escena del director francoargentino Alfredo Arias, desde su mítica versión de Eva Perón (de Copi) en París, en 1970. Del mismo modo, la homosexualidad, la transexualidad y el hermafroditismo son herramientas expresivas de su poética teatral. En una espiral creciente, en cuatro trabajos sucesivos mostrados en los últimos años (2018/2020) en París y en Buenos Aires, se arma un relato político que va desde el cuestionamiento más acre a la Iglesia, pasando por la integración de religiosos y rechazados, hasta la reflexión sensible y profunda del sentimiento de desamparo e incomprensión que puede atormentar a estas minorías sociales. Este trabajo establece un contrapunto entre las experiencias biográficas fundantes del director y sus creaturas en las piezas Elle, Divino Amore, Happyland y Hermafrodita, y problematiza un vínculo con los tradicionales preceptos católicos desde el discurso dramático.
Derechos de autor 2025 Pygmalion. Revista de teatro general y comparado
De Shakespeare y "Macbeth" a la Revolución Mexicana: lo fantástico en la escenificación de "Mendoza" de Juan Carrillo
Mendoza, estrenada en noviembre de 2012 en el foro LABTrece de la Ciudad de México por la compañía Los Colochos Teatro y bajo la dirección de Juan Carrillo, integra elementos fantásticos en su adaptación de Macbeth, trasladando la acción al contexto histórico de la Revolución Mexicana de 1910. La obra narra el ascenso del General José Mendoza, cuya ambición es encendida por las profecías de una bruja y alentada por su esposa, desatando una espiral de violencia sin retorno. Este análisis aborda, desde una perspectiva metodológica, la dimensión espectacular de lo fantástico en Mendoza, apoyándose en definiciones contemporáneas de esta categoría para examinar la construcción de este tipo de mundo posible en el escenario mexicano.
La antibiografía de Neruda. Un análisis de "Un ser perfectamente ridículo" de Flavia Radrigán
El texto dramático Un ser perfectamente ridículo escrito por la dramaturga chilena Flavia Radrigán devela una dimensión no tan conocida del célebre Premio Nobel de Literatura de 1971, Pablo Neruda Esta investigación se centra en el análisis de la obra escrita por Flavia Radrigán para desarticular su potencial histórico como documento de recuperación, a la vez que descompone los recursos dramatúrgicos utilizados para crear un texto político contestario, visceral y poco hegemónico. A partir del concepto de antibiografía propuesto por Terradas Saborit, se extiende una nueva versión que sugiere una perspectiva más global, usándola como referencia para el análisis de la obra de Radrigán. Desde la hermenéutica pragmática, la interpretación y un enfoque cualitativo como metodología base se establecen parámetros para desarrollar paralelismos y contradicciones entre la biografía oficial del poeta y la denuncia hecha por la dramaturga.
Espacio liminar e imagen del fantasma en "Ese algo que nunca compartí contigo" de Claudia Hidalgo y "El país sin duelo" de Cristian Flores Rebolledo
El fantasma representa una figura liminar, entre la vida y la muerte, que perturba el espacio-tiempo al mezclar pasado y presente. El espectro encarna un pasado no cerrado, a menudo ligado a un trauma familiar o histórico, como el silencio alrededor de un acontecimiento violento. Proponemos un análisis de Ese algo que nunca compartí contigo de Claudia Hidalgo y El país sin duelo de Cristian Flores Rebolledo. En las dos obras, se abordan los fantasmas del pasado, en particular los desaparecidos de la dictadura de Pinochet, a través de la representación de la ausencia y del silencio por una atmósfera inquietante que perturba el espacio y el tiempo. Así, estas obras subrayan la búsqueda de memoria e identidad, confrontando a los personajes con ausencias y secretos familiares. A lo largo de este trabajo, se pretende reflexionar sobre la figura performática del fantasma que provoca una perturbación física, psicológica, sensorial en lo cotidiano de los personajes.
Sembrar teatro para imaginar espacios autónomos
Este texto aborda las prácticas escénicas realizadas en la población zapoteca de Santiago Xanica, en la Sierra Sur de Oaxaca, México, a partir del desenvolvimiento del taller Sembrando Teatro que se realiza desde de 1997. Los participantes utilizaron el teatro en la región como una estrategia de visibilidad que definió sus condiciones de aparición y acción posterior. Se sumaron al conflicto electoral de 1998, al oponerse a la injerencia partidista impuesta por el estado en las elecciones de su municipio. Más tarde, crearon el Comité por la Defensa de los Pueblos Indígenas y desarrollaron un centro de capacitación y un laboratorio de vida solidaria en el espacio Finca Alemania, instalando un centro educativo autónomo de preescolar a bachillerato, así como doce talleres productivos y artísticos, que propiciaron otras formas de relación entre cultura, teatro, política y pedagogía.
Revisitando "Calderón" de Pasolini: una aproximación desde Guillermo Heras
El siguiente artículo estudia la dirección teatral de Guillermo Heras en la obra Calderón, de Pier Paolo Pasolini, estrenada el 14 de abril de 1988 en Madrid. El objetivo de esta investigación es evidenciar la relevancia de la puesta en escena en la interpretación de un texto, en este caso el montaje pasoliniano, y la importancia de las referencias que Guillermo Heras adopta. A través de este estudio, se desarrollará un análisis de la obra, que tomará en cuenta las decisiones estéticas y dramatúrgicas del director.
Prólogo. Custodiar el pasado/cuestionar el pasado: relecturas escénicas desde América Latina
Tras la derrota de España en Cuba en 1898 emerge en los estados de América Latina la necesidad de discutir el concepto del ser latinoamericano, señala el antropólogo Carlos Granés. ¿Qué significa ser latinoamericano? ¿Es un concepto impuesto desde afuera? ¿Existe un ser único latinoamericano que comparta una idiosincrasia y esencia? ¿Somos occidentales? Los habitantes de este continente comparten una lengua y religión, pero, ¿es esa condición suficiente para unir los países y las sociedades como si de un bloque homogéneo se tratara? ¿Es posible hablar de una literatura latinoamericana sin incurrir en clichés ni reduccionismos? ¿Es posible hablar de un “teatro latinoamericano” como una expresión que represente a todas las identidades nacionales, artísticas y creativas?
Análisis semiológico de "Maldito sea el hombre que confía en el hombre: un projet d’alphabétisation (Primera parte)" (2011)
Se analiza semiológicamente una de las obras teatrales de Liddell y se examina la evolución del mensaje de la autora a lo largo del espectáculo. Además, el estudio visibiliza el papel vital de las mujeres en el ámbito teatral. Nos encontramos ante un teatro marcado por la ruptura de los pactos teatrales tradicionales y la eliminación de los límites de creación, representando, por ende, un estímulo para la introspección y la investigación continua, para la generación de nuevas perspectivas que aseguren la vitalidad y el desarrollo constante del teatro, libre de restricciones.
La violencia vasca en la violencia europea: identidades alumbradas por María Zambrano
En el verano del año 1940 María Zambrano escribe La agonía de Europa. Hace veinte meses que, el 1 de abril de 1939, con el fin de la Segunda República española, se ha iniciado la dictadura de Franco, que durará hasta su muerte en 1975, casi cuatro décadas. Cuando Zambrano escribe La agonía de Europa, también hacía un año que, con la invasión de Polonia por Alemania, en septiembre del 39, se inicia la Segunda Guerra Mundial. La desolación conmueve a María Zambrano y su reflexión es que Europa agoniza.
Ser o no ser Shakespeare: el Bardo de Avon comopersonaje en el espejo teatral de Zumel y Cappuccio.Una indagación metadramática entre la parodia históricay la autoficción escénica
Este artículo propone una exploración comparativa de dos piezas teatrales que colocan a William Shakespeare no como autor, sino como personaje: Guillermo Shakspeare. Drama en cuatro actos precedido de un prólogo (1853), de Enrique Zumel, y Shakespea Re di Napoli (1994), de Ruggero Cappuccio. A través del análisis textual, escénico y simbólico, se examinan las formas en que ambos dramaturgos reconfiguran la figura del Bardo para convertirlo en un espejo cultural, político y metateatral. Así, Shakespeare ya no es solo el artífice de ficciones, sino una ficción viviente que revela los pliegues del poder, la identidad y el teatro como acto de creación e invención histórica. Nuestro estudio tratará de mostrar un Shakespeare en tránsito: del mito al mito encarnado, del creador al creado, del logos al cuerpo en escena.
“All honorable men:” Ironía, actuación, y sátira en William Shakespearey Bob Dylan
En este artículo se examina desde un punto de vista comparativo el papel de la ironía en las obras de Bob Dylan y William Shakespeare, mostrando cómo ambos la emplean como recurso retórico, performativo, y modo de crítica, especialmente sociopolítica. A partir de teorías pragmáticas y lingüísticas de la ironía, concretamente, la Teoría de la Relevancia y sus desarrollos posteriores en los ensayos de Clark y Garmendia, el estudio analiza cómo las obras de Shakespeare y las canciones de Dylan explotan la separación entre expresión literal y significado implícito, así como entre apariencia y realidad. Esta discusión expone cómo los casos individuales de ironía se acumulan en estructuras más amplias de ironía dramática y cómo, en ambos autores, derivan en manifestaciones de la sátira menipea, donde la parodia, la exageración grotesca y las inversiones carnavalescas desestabilizan ideales culturales. Se presta especial atención a la dimensión performativa, a la función del público, y la exposición de (auto)engaños, juegos de identidad, y mitologías culturales. Al situar a Dylan en diálogo literario con Shakespeare y examinar las reescrituras irónicas que realiza de figuras y escenas shakesperianas, este ensayo sostiene que la ironía surge como una práctica viva y en constante transformación, central dentro del poder literario de cuestionar la autoridad.
“Did ever Spanish lady pace so”: Identidad nacional, performance de género y metateatro en Love’s Cure de John Fletcher y Philip Massinger y The Devil Is an Ass de Ben Jonson
Love’s Cure, atribuida a John Fletcher y Philip Massinger y fechada en 1615 por José A. Pérez Díez, es una obra del teatro que ofrece una representación singular del género en la dramaturgia de la época. La crítica ha señalado con frecuencia la metateatralidad en dichas representaciones, pero se ha pasado por alto la importancia de la identidad nacional. En este ensayo demostraré que, al leerse junto a The Devil is an Ass de Ben Jonson, la “españolidad” de los papeles travestidos en Love’s Cure intensifica su metateatralidad. Considerando su rara herencia española y el acceso particular que tuvieron las mujeres al escenario hispano mediante la comedia—en contraste con la exclusividad de los actores varones en el teatro jacobea—demostraré que Clara y Lucio no solo aprenden a comportarse como mujer y hombre respectivamente, sino como versiones españolas de esos estereotipos de género.
Un ataque contra el favoritismo regio en la Restoration: The Great Favourite, or, the Duke of Lerma (1668) de Sir Robert Howard
The Great Favourite, or, the Duke of Lerma (1668) de Sir Robert Howard (1626-98), dramatiza las estrategias maquiavélicas empleadas por el duque de Lerma, favorito del monarca español Felipe III, para conservar el favor real. Los estudiosos han intentado asociar la materia de esta obra con la experiencia de gobierno y ostracismo del conde de Clarendon, ocurrido en 1667. No obstante, este enfoque resulta en cierto modo restrictivo. The Great Favourite es una crítica al sistema político que Clarendon representaba, el del gobierno por favoritos, lejos aún de desaparecer en Inglaterra con su caída. Tras un breve repaso a la recepción de la obra, se defenderá dicha hipótesis desgranando las diferentes críticas anti-maquavélicas que Howard trató de destacar a lo largo del argumento, y las razones textuales y contextuales que explican por qué The Great Favourite debería concebirse como un ataque al modelo político encarnado por el conde de Arlington, el consolidado favorito maquiavélico de Carlos II.
X Certamen Cronoteatro (2024): «Una semana de 10»
La X edición de este certamen de teatro a contrarreloj en el Metro de Madrid formó parte de las actividades de la Semana Complutense de las Letras 2024. En esta ocasión, se animaba a los autores a enviar propuestas relacionadas con el tema «Una semana de diez», esto es, montajes relacionados con una semana o un día soñados. Las obras seleccionadas se adaptan, como de costumbre, a las modalidades habituales de Coche (2 min.) o Andén (6 min.). El responsable de la coordinación del certamen fue César Barló y el jurado estuvo integrado por la actriz e investigadora del ITEM-UCM María Bastianes; la actriz, dramaturga, directora y pedagoga teatral Patricia Benedicto; la actriz y profesora de interpretación Emi Caínzos; la profesora de Literatura e investigadora teatral Marta Olivas; y la directora de la colección de Teatro de Ediciones Antígona Conchita Piña.
IX Certamen Cronoteatro (2023): Una década prodigiosa
La IX edición de este certamen de teatro a contrarreloj en el Metro de Madrid formó parte de las actividades de la Semana Complutense de las Letras 2023. En dicha entrega se celebró el primer decenio de existencia de Cronoteatro bajo la temática «Una década prodigiosa», donde se invitaba a los participantes a explorar distintas modalidades teatrales: desde el musical hasta la danza. Las obras seleccionadas se adaptan a las modalidades habituales de Coche (2 min.) o Andén (6 min.). El responsable de la coordinación del certamen fue César Barló y el jurado estuvo integrado por la actriz e investigadora del ITEM-UCM María Bastianes; la actriz, dramaturga, directora y pedagoga teatral Patricia Benedicto; la actriz y profesora de interpretación Emi Caínzos; la profesora de Literatura e investigadora teatral Marta Olivas; y la directora de la colección de Teatro de Ediciones Antígona Conchita Piña.
"La vida es un sueño" de Calderón en el contexto de la guerra ruso-ucraniana
A finales de septiembre de 2023 tuvo lugar en el pequeño escenario del Teatro Lesya Ukrainka de Kyiv el estreno de la obra más famosa del dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca La vida es sueño. El proyecto se llevó a cabo con el apoyo de la Embajada de España en Ucrania y la Universidad Nacional de Teatro, Cine y Televisión de Kyiv I. K. Karpenko-Kary, bajo la dirección de Oleh Zamyatin e Ignacio García. El 12 de enero de 2024 tuve la suerte de visitar el espectáculo y en este artículo quiero compartir mis impresiones y pensamientos sobre lo que vi.
López Antuñano, José Gabriel, "De lo dramático a lo posdramático. La escena del siglo XXI (2)", Publicaciones de la Asociación de Directores de Escena de España, 2024, 478 pp.
José Gabriel López Antuñano, en De lo dramático a lo posdramático. La escena del siglo XXI (2), ofrece un análisis detallado sobre la transformación del teatro contemporáneo, centrándose en la evolución de los lenguajes escénicos y en la vigencia del concepto de teatro posdramático, cuya relevancia ha sido ampliamente reconocida desde la publicación de la obra llamada Postdramatisches Theater de Hans-Thies Lehmann en 1999.
Iglesias Simón, Pablo (ed.) "Los Meininger y el nacimiento de la dirección escénica", Madrid, Editorial Fundamentos-RESAD, 558 pp.
La dirección escénica como disciplina se encuentra en un momento crucial de su desarrollo: el de construcción consciente de conocimiento conceptual, histórico y metodológico. A diferencia de otros campos de reflexión y/o praxis, que han venido desarrollándose durante siglos, la dirección escénica cobra conciencia de sí misma en la segunda mitad del siglo XIX, precisamente con la aparición de la compañía de los Meiningen. La dirección escénica es, por tanto, una disciplina joven, que ha atravesado el siglo XX con numerosas aproximaciones que se han centrado en lo filosófico o en lo experiencial, y donde los marcos teóricos, la epistemología o la historia estaban en un segundo plano. Los Meininger y el nacimiento de la dirección escénica llega en un momento en el que se encuentran al alza los estudios teatrales y, con ellos todo un movimiento académico absolutamente imprescindible para la profundización en el conocimiento de la dirección escénica. No puede ser, por tanto, más pertinente esta publicación.
Artes escénicas en Uruguay, una situación singular
Uruguay tiene desde su origen como estado nacional en 1830, con la jura de la Constitución, un sólido movimiento en las distintas disciplinas de las artes escénicas. Las acciones desarrolladas en forma continua durante décadas le permiten en la actualidad mostrar un panorama que se destaca en la región por su singularidad y su diversidad.
El renacimiento ibérico a la vanguardia: Ana Zamora, directora de Nao D´amores
Desde El Fernando (1972) hasta Aquel Fernando (2012) Jerónimo López Mozo y el bicentenario de la constitución gaditana
Pensar el futuro de la interdisciplinariedad con la performance como telón de fondo: la trilogía Flatland, de Patrícia Portela