Escritura e Imagen (ISSN 1885-5687, ISSN-e 1988-2416) es una revista científica de periodicidad anual vinculada al Grupo de Investigación Complutense La Europa de la Escritura y al departamento Filosofía y Sociedad de la facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid. La publicación ofrece un espacio de creación y de reflexión para profundizar en las relaciones entre la imagen y la escritura desde una perspectiva interdisciplinar y abierta. Su ámbito de estudio se sitúa en el área de Estética y Teoría de las Artes y, desde su fundación en 2005, se ha consolidado como una de las revistas de mayor prestigio de este dominio.
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Mono no aware, morriña y saudade: una conexión entre los valores estéticos extraídos de la filosofía budista y la filosofía da saudade gallega expresados en forma de escritura lúdica
La filosofía-religión budista ha generado una serie de valores estéticos que han saltado a diversas artes y formas de expresión, en especial, el mono no aware. Entre ellos se encuentra el videojuego. Por su intrínseca capacidad interactiva, el videojuego permite experimentar estos principios a través de la avatarización y de la escritura lúdica. Este artículo estudia este fenómeno a través del análisis de Dark Souls, obra que ha realizado este ejercicio y que ha influido a artistas españoles a seguir su ejemplo, solo que con filosofías nacionales y locales. Conectando los valores estéticos con los que provienen de la filosofía de la saudade y la morriña gallegos, se introduce un método de traslación de los mismos al videojuego. De la filosofía a la escritura lúdica, significativa e interactiva
La invención del cinematógrafo y la literatura: del debate expresionista a la fascinación de Franz Kafka
El cine, muestra de modernidad y afán innovador, se convirtió en un desafío para el expresionismo literario en tanto pasó de considerarse literatura sin palabras a una modalidad artística que competía con el drama. Los autores, aun fascinados por el nuevo medio, se debatían entre aversión por lo que calificaban de trivial y por una seducción óptica a la que no cabía sustraerse. No obstante, ya en 1910 Alfred Döblin recomendaba a los novelistas que adoptasen un estilo cinematográfico. Eran los años en los que un joven Kafka acudía al cine buscando inspiración y contraste a su cotidianidad, lo que puede advertirse en textos como El desaparecido. Ejemplos de ello son la sucesión dinámica de imágenes de la metrópolis o la incorporación de perspectivas cinematográficas. El séptimo arte, sin embargo, imprimió una leve huella en Kafka, hecho que se explica por su relación singular con la imagen. El presente artículo trata de la problemática relación que los escritores expresionistas mantuvieron con el cine en sus inicios, así como de la fascinación de Kafka por todo medio de transmisión visual.
Geografía errática y sentimental: las imágenes del cine moderno italiano y sus temáticas en la narrativa de Isaac Rosa y Agustín Fernández Mallo
En este artículo se analizan la novela Feliz final (Isaac Rosa, 2018) y el relato «Un recorrido por los monumentos de La aventura» (Agustín Fernández Mallo, 2011), ya que ambos dialogan de manera singular, tanto en el plano temático y estructural, respectivamente, con dos películas destacadas de la modernidad cinematográfica: Viaggio in Italia (Roberto Rossellini, 1954) y L’avventura (Michelangelo Antonioni, 1960). Así, se estudia el modo en que las imágenes y señas de identidad de este periodo cinematográfico son recuperadas y actualizadas en sus narraciones por los dos escritores, y se profundiza en la estructura formal de las dos obras literarias y en cómo se presenta en estas el motivo del viaje y el del fantasma. Las obras de Rosa y Fernández Mallo constituyen, de este modo, un homenaje a la historia del séptimo arte al tiempo que ofrecen una nueva capa de sentido, con lo que se constata la sinergia de los estudios comparados de cine y literatura en el ámbito hispánico.
La nómina del arte regeneracionista en la revista Europa
Europa. Revista de cultura popular fue un interesante magacín del año 1910 con una importante sección artística, actualmente en el olvido. Con el presente artículo se pretende desgranar el contenido estético e histórico artístico de las gacetas dedicadas a distintos artistas del ambiente regeneracionista español, exponiendo la peculiar y profunda relación que existía entre la literatura, la filosofía y las artes plásticas del momento.
Imágenes e ideología. Una relación sintomática
La ideología no es solo un discurso que nos separa del mundo, sino que alude también a la representación imaginaria que hacemos de nuestras condiciones reales de existencia. Por ello, las imágenes tangibles se vuelven un campo fértil para el estudio de los mecanismos y los dispositivos de subjetivación y control social. Este texto recupera la teoría de la ideología de Althusser y profundiza en el papel de las imágenes en la construcción de sujetos y subjetividades, a la vez que explora su especificidad operativa. Esta propuesta considera la historia del arte un ámbito privilegiado para el conocimiento crítico y parte de la premisa de que las imágenes tangibles son “trabajos inventivos” que hemos creado y que, a su vez, nos crean.
Intriga y tiniebla: tratamientos contrapuestos de una constelación. El visionario de Schiller y El hombre de la arena de Hoffmann
Este artículo compara dos relatos Der Geisterseher (El visionario) de Schiller (1787-1798) y Der Sandmann (El hombre de la arena) de E.T.A. Hoffmann de 1817. Ambos textos tienen en común las presencias de lo tenebroso y de lo conspiratorio. Sin embargo, el encaramiento de aquel sentimiento y de esta intriga son muy diferentes en ambos casos. Schiller se esfuerza por hacernos ver que lo mágico y lo desconocido no son más que elementos de los que se sirven los conjurados para manipular a su víctima. Hoffmann, por su parte, deja en suspenso la pregunta de si el protagonista es objeto de persecución por sus agresores o si todo es fruto de su calenturienta y patológica imaginación. Schiller, reivindicando las luces de la razón frente a la oscuridad, alude indirectamente a la pugna religiosa política que estaba en curso en su tiempo en el Ducado de Württemberg. Frente a la denostación de lo mistérico por parte de Schiller, Hoffmann le atribuye a esta dimensión un impacto efectivo sobre el ánimo humano pues hace posible abrir una puerta a aquello de lo que no somos conscientes. De hecho, el ensayo Das Unheimliche (Lo siniestro), que data de 1919, Sigmund Freud toma como referencia central el relato de Hoffmann.
De la pérdida de la experiencia a la fragmentación del sujeto: mutación radical y continuidad del capitalismo a partir de Fredric Jameson y Walter Benjamin
Este trabajo profundiza en la posición de Fredric Jameson sobre el postmodernismo como lógica cultural del capitalismo tardío atendiendo a las confluencias que se advierten entre las experiencias subjetivas que sus análisis sitúan a la base de las producciones artístico-culturales postmodernas y las reflexiones de Walter Benjamin sobre el reemplazo de la experiencia por la vivencia que involucra la implantación del capitalismo industrial. Tras examinar la naturaleza y consecuencias de este reemplazo, vinculadas con la forma de ideología que Benjamin asigna a la sociedad capitalista, se estudia la asimilación planteada por Jameson del capitalismo tardío con la “sociedad del espectáculo”, así como la nueva función social que en ella adquiere la cultura. Asimismo, se defiende la perspectiva de Jameson sobre el postmodernismo argumentando que la originalidad de sus creaciones obedece a una mutación radical del ámbito de la experiencia que no se contradice con la continuidad histórica del capitalismo.
Una topografía del vacío en las artes escénicas: Beckett, Adorno y Cage
El presente artículo puede ser leído como la segunda parte y continuación de “Una topografía del vacío en las artes plásticas”, donde ya se argumentaba que el “vacío” puede ser considerado como el concepto central de la “estética conflictual” en general, mediante dos ejemplos en particular: la pintura de Yves Klein, y la escultura de Oteiza y Chillida (especialmente en su diálogo con Heidegger). En este artículo se pretende seguir la estela de dicha reflexión aplicándola ahora al mundo artes escénicas, añadiendo dos casos de estudio más: por un lado, la lectura adorniana de Fin de partida de Beckett; y, por el otro, la cuestión del “silencio” en el 4’ 33’’ de Cage. La “estética conflictual”, tal y como ha sido definida hasta ahora por Oliver Marchart, pone el “conflicto” en el centro de la aplicación del marco de pensamiento político posfundacional al arte contemporáneo. Sin embargo, el presente artículo intenta demostrar que no es tanto el “conflicto”, sino el “vacío”, como un momento previo y anterior que abre dicho conflicto, lo definitorio del arte posfundacional. Con este objetivo en mente, se intentará clarificar y especificar la estética conflictual como una estética democrática.
Decir con el cuerpo, narrar con la imagen: prácticas parresiásticas y dialógicas en Los diarios de la anguila de Paula Bonet
En Los diarios de la anguila (Anagrama, 2022), Paula Bonet entrelaza imagen y palabra en una propuesta híbrida que oscila entre el diario íntimo, el cuaderno de viaje y el libro de artista. A partir de las nociones de parrhesía (Foucault) y dialogismo (Bajtín), este artículo analiza cómo su obra construye una estética testimonial y política. La materialidad del libro, junto con epístolas, notas, intertextos, técnicas plásticas y escritura fragmentaria, conforman una estructura polifónica que desborda lo confesional, ampliando así las posibilidades del libro de artista como espacio de diálogo y transformación social.
Entre Fasmas y Falenas: descripción, figurabilidad y montaje en los ensayos de Georges Didi-Huberman
Más allá del principio entomológico, fasmas y falenas son figuras de una inestabilidad que ponen en dialogo la escritura ante las imágenes. Entre la descripción, la figurabilidad y el montaje, el presente ensayo propone la lectura de dos obras de Georges Didi-Huberman: Fasmas (1998) y Falenas (2013). Los textos de esos dos libros lidian con apariciones, con una escritura que, sin necesariamente describir, comporta un vivario de imágenes.
Las artes hermanas. Écfrasis y enárgeia como procesos metafóricos de un discurso histórico-artístico inconcluso1
Este artículo examina cómo, a lo largo de la historia del arte, la imagen y el lenguaje han mantenido relaciones constantes entre sí, desde la Antigüedad hasta los fenómenos interartísticos que caracterizan gran parte de la producción artística contemporánea. Esta relación entre imagen y lenguaje puede comprenderse a través del concepto de metaforicidad, entendido como la capacidad de las imágenes para operar metafóricamente dentro del discurso verbal. Desde esta perspectiva, se estudiarán la écfrasis y la enárgeia, recursos que evidencian cómo las distintas artes se influyen mutuamente, en sintonía con la antigua noción de las «artes hermanas». Asimismo, este estudio revisa la célebre distinción propuesta por Lessing entre las artes espaciales y las artes temporales, una clasificación que fue desafiada por numerosos artistas y poetas que transgredieron dichas fronteras. Finalmente, se destaca cómo los estudios visuales y la retórica visual contemporáneas han promovido un enfoque comparativo que identifica figuras retóricas comunes entre el lenguaje verbal y la imagen.
Éloge des ressemblances. Description & sérialité médiévale (avec Louis Marin)
Este artículo explora el fenómeno retórico y heurístico de la descripción aplicado a las imágenes medievales. Si bien la descripción ha sido objeto de numerosos estudios sobre la pintura renacentista y moderna, esto es menos frecuente en la Edad Media, sin duda porque las imágenes medievales se debaten entre la serialidad y la inventiva. A partir de las reflexiones esenciales de Louis Marin sobre los efectos de la descripción, este artículo explora las similitudes y diferencias entre dos imágenes de la creación en Biblias moralizantes y examina cómo la descripción de dichas similitudes revela aspectos del proceso creativo y el estatus de la imagen en la Edad Media.
La écfrasis lírica y la liricografía como forma de conocimiento artístico ante la imposibilidad de interpretación unívoca de los símbolos: el caso Alberti-Miró en el poemario Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró
Ante las teorías sobre el lenguaje mironiano de Antonio García Berrio, que trató la imposibilidad de interpretación unívoca de sus símbolos y que junto a Teresa Hernández publicó la poética del arte visual Ut poesis pictura, se plantea aquí la écfrasis lírica del poemario de Rafael Alberti Maravillas con variaciones acrósticas en el jardín de Miró como forma de conocimiento artístico del corpus pictórico del artista catalán, precisamente por ser un texto escrito por el poeta-pintor, que conocía bien la obra del pintor-poeta. Coincidiendo con el 50 aniversario de la publicación de la primera edición de dicho poemario, ilustrado con obra litográfica de Miró, y de la exposición que sobre las liricografías y poemas gráficos del poeta gaditano ha tenido lugar en la Fundación Rafael Alberti en 2025, se pone de manifiesto especialmente la segunda edición de dicho poemario, donde las litografías de Miró fueron sustituidas por ilustraciones del propio Rafael Alberti que complementan sus propias écfrasis, imitando el lenguaje pictórico del artista homenajeado en una simbiosis texto-imagen al modo de las liricografías que el poeta había empezado a crear en 1945.
Tocar con las palabras. Sobre la descripción y sus imágenes
En este artículo pretendemos tratar la descripción como una actividad transformadora en diferentes niveles. Para ello, recorreremos tres ejemplos. Dos, los primeros, que pueden asociarse con la figura retórica de la hipotiposis, donde es el texto el que produce imágenes que se sitúan más allá de él, y un tercero que puede asociarse con la écfrasis, donde el texto se sitúa más acá de una imagen percibida que se describe. Se trata de un texto teórico tomado de La poesía, la música y el silencio (De Mallarmé a Wittgenstein) (1994) de Juan Carlos Rodríguez, en el que la descripción de una escena en cuanto tal inexistente vuelve sensible un problema crítico, del poema «Historia de la noche» (1977) de Borges, donde se tematiza la incidencia de la literatura en la percepción visual de acuerdo con el que para él era el modelo del sueño, y del trabajo sobre Manet «La pintura se complica» (2003), de Ángel González, donde la descripción es el instrumento que permitirá —como explícitamente planteó Daniel Arasse— la transformación de algunas de las categorías críticas que habían definido la narrativa sobre el arte moderno. Entre los tres ejemplos existe, asimismo, un hilo conductor: la porosidad de una realidad cuyas fisuras se colman de imágenes.
Didi-Huberman, Georges, Traverso, Enzo y Blanc-Marianne Guillaume, Images de la politique, politique des images. Un débat, Éditions de l’École des Hautes Études en Sciences Sociales, 2025
Martínez López, Teresa Clara, Londres primavera. A London suburban garden through time, Madrid, conarquitectura ediciones, 2024, 105 págs.
Simón Zabell: describir lo indescriptible
El espacio inclinado, o la fuerza diagonal
Rodríguez Fer, Claudio, Iconografía artística de José Ángel Valente, Santiago de Compostela, Andavia Editora, 2025, 110 pp.
Alfonso Bouhaben, Miguel. Imagomaquia/ La imagen-pensamiento, Buenos Aires, Prometeo, 2024
Imagomaquia/La imagen-pensamiento de Miguel Alfonso Bouhaben (Prometeo, 2024) realiza una propuesta crítica al cine-capital y a la racionalidad hegemónica que domina el imaginario visual contemporáneo. Inspirado por Deleuze y Godard, el autor presenta la “imagen-pensamiento” como un ejercicio de resistencia creativa frente a la uniformidad ideológica. A través de un discurso rizomático y performativo, Bouhaben aborda filmes y conceptos que reconfiguran el pensamiento audiovisual desde el cine-ensayo, explorando su poder ético, político y estético. El libro traza una “guerra de imágenes” entre los discursos visuales hegemónicos y los contestatarios y subversivos, ofreciendo herramientas críticas para pensar con las imágenes y desde ellas. Es un ensayo filosófico que invita a un pensamiento creativo y rebelde frente a la rigidez del pensamiento mecánico y capitalista.
John Hejduk y la literatura. De Retreat Masque a Architectural Requiem
La propuesta arquitectónica desarrollada por John Hejduk entre 1980 y 2000 tiene vínculoscon la literatura según influencias de su esposa, Gloria Fiorentino. Las citas y referencias en sus dibujos y bocetos a obras literarias de autores como Hawthorne, Flaubert, Hardy, Melville, Blanchot, Gide, Proust, Rilke y Mann ratifican estos lazos, desde el placer por la lectura que el arquitecto estadounidense expone en sus textos. El presente artículo trata de esclarecer estas relaciones entre algunas obras del arquitecto neoyorquino con la literatura. Aunque los vínculos con los autores literarios puedan definirse en distintos aspectos de su obra las relaciones son intensas desde una globalidad que va desde dos de sus obras, Retreat Masque y Architectural Requiem. El trabajo de investigación desarrolla un análisis a algunas obras que desgranan estas relaciones entre ambas disciplinas en un sentido artístico. Son demostradas las relaciones entre las dos disciplinas y el vínculo en un proceso de correlaciones complejas.
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Ver es no ver: κένωσις de la imagen (A. Tarkovski), ceguera-vidente (C. Monet, J.-L. Godard) y los restos del azul sagrado
«Sin duda, no basta con ver» (Jean-Luc Marion); «ver es no ver nada» (Michel de Certeau); «el ciego puede ser un vidente» (Jacques Derrida). La κένωσις (‘vaciamiento’) de la imagen está muy bien expresada en la secuencia final del filme Andréi Rubliov (1966, Andréi Tarkovski), que registra el paso de la imagen (la faz del Cristo Redentor), lo visible, a la no-imagen (la tabla blanca vacía) del icono «desfigurado» (Isaías 52:14) por la lluvia, lo invisible materializado en los restos de pigmento azul. La contraposición ceguera-videncia está reflejada en la expresión de Marcel Proust, a partir de Claude Monet, que Jean-Luc Godard introduce en su filme Adieu au langage (2014): «pintar que no se ve … la insuficiencia del ojo». El icono viene de la κένωσις de la imagen. El pintor (Rubliov, Tarkovski) ve más que lo visible, como el ciego, pintor y vidente por excelencia (Monet, Godard, Derek Jarman).
Seré el silencio, estaré en el silencio: el murmullo anónimo como subjetividad enunciativa en El innombrable de Samuel Beckett
En este trabajo se analizará el proceso de enunciación colectiva que formulan Gilles Deleuze y Félix Guattari en Capitalismo y esquizofrenia. Para ello, tomará como ejemplo la obra de Samuel Beckett El innombrable, dado que no sólo Guattari hace referencia a ella en sus textos preparativos de El Anti-Edipo, sino que el ensayo beckettiano es una formación enunciativa que arroja luz sobre las nociones de murmullo anónimo y ser-lenguaje, de vital importancia para desarrollar los susodichos conceptos. Entonces, como hipótesis principal se sostiene que la desterritorialización del lenguaje, proceso a partir del cual surge una formación enunciativa que prescinde del sujeto, hallaría asidero en el escrito beckettiano. Asimismo, como hipótesis secundaria se propone que el agenciamiento de un lenguaje desterritorializado guardaría resonancias con el movimiento reflexivo que sostiene el sujeto gramatical que recorre el texto beckettiano y que culmina en su aniquilamiento en favor del silencio, que sería justamente la formación enunciativa que remite al murmullo anónimo que posibilita el lenguaje.
Análisis estético sobre la obra audiovisual de Alberto García-Alix a inicios de siglo XXI
El presente estudio tiene como objetivo demostrar la correlación existente entre la estética de la obra audiovisual, durante el periodo 2003-2008, del reconocido fotógrafo Alberto García-Alix, con las teorías Estéticas de Eugenio Trías, en su libro Lo bello y lo siniestro (1982) y la de José Luis Pardo con su libro Estética de lo peor (2011). A lo largo de esta investigación se examinarán las características más significativas en las piezas audiovisuales que el autor desarrolla durante su estancia en París entre los años 2003-2006, recogidas en la trilogía Tres vídeos tristes, los cuales son: Mi alma de cazador en juego, (2003), Extranjero de mí mismo (2004), Tres moscas negras (2006). Junto al análisis de esta trilogía se abordará también su obra «audiovisual» que, hasta la fecha, es reconocida como de mayor madurez artística De donde no se vuelve (2008).
Anne Carson y la deconstrucción del género literario
En este artículo pretendemos mostrar la presencia de Jacques Derrida en la obra poética de Anne Carson. En ese sentido, Derrida no es solo mencionado por Carson, lo cual por sí mismo demuestra su interés en él, sino que es también posible establecer importantes semejanzas formales entre algunas obras de Carson y de Derrida, así como cierta cercanía entre el pensamiento del filósofo francés y los presupuestos de la poética de Carson, tanto en la perspectiva general de la deconstrucción derridiana como, singularmente, en lo que se refiere a la deconstrucción de los géneros literarios, que es característica de la obra de la poeta canadiense y que Derrida en cierto modo teoriza en La ley del género. Así, creemos que las posiciones de Jacques Derrida pueden ser un marco privilegiado para comprender esta dimensión de la obra de Carson, que en realidad suele considerarse su rasgo más característico.