Eikón Imago (ISSN: 2254-8718) is an annual scientific journal (previously biannual) that operates under a Continuous Article Publication (CAP) model. The journal is edited by CAPIRE Research Group (Collective for the Pluridisciplinary Analysis of European Religious Iconography), attached to the Department of Art History of the Faculty of Geography and History of the Complutense University of Madrid. The research interest of this journal is focused on iconography and visual studies in a broad sense, with a thematic coverage that covers the forms and meanings of images from any time, culture or country, as well as any theoretical, methodological, thematic variant, typological or disciplinary (art, aesthetics, communication, anthropology, etc.). Since 2018, the journal has been structured in three sections: monographic (with articles on an established theme, diverse each year, and with a guest editor), several articles (on the main theme of the magazine) and reviews and chronicles (with brief comments of recent exhibitions and publications, especially from the Hispanic world).
In order to support the global exchange of knowledge, the journal Eikon Imago is allowing unrestricted access to its content as from its publication in this electronic edition, and as such it is an open-access journal. The originals published in this journal are the property of the Complutense University of Madrid and any reproduction thereof in full or in part must cite the source. All content is distributed under a Creative Commons Attribution 4.0 use and distribution licence (CC BY 4.0). This circumstance must be expressly stated in these terms where necessary. You can view the summary and the complete legal text of the licence.
The process of creation through visual methodologies
The experience presented here shows the methodology developed for the incorporation of scientific infographics in the study and analysis of museographic projects. Infographics and museography use visuality on different levels, which is a didactic opportunity to create and study through different visual methodologies. The student uses infographics as a tool for the development of creative skills, conceptualization and visual interpretation, also requiring, for its correct execution, to carry out tasks typical of scientific methodology such as prior research, analysis, interpretation and synthesis. The process, as a whole, provides the student with transversal and specific competences of the contents taught, obtaining, in addition, a highly effective means of visual communication.»
Copyright (c) 2025 Ángel Pazos-López, Estrella Sanz Domínguez
Azabache en tránsito en el Camino de Santiago
Presentamos en este trabajo el papel narrativo de las pequeñas figuras de azabache ligadas al atuendo del peregrino dentro del ecosistema sagrado del Camino de Santiago. Más allá de su función identitaria y circulatoria, como amuletos o recuerdos de peregrinación, estas imágenes portátiles funcionaban como dispositivos visuales que condensaban y proyectaban la vivencia espiritual del viaje y, por lo tanto, como objetos devocionales con un uso simbólico, personal y ritual. Estos objetos estaban destinados a ser cosidos o sujetos en la ropa o sombrero o a ser colgados. Esta aportación explora su producción y usos, su relación con otros objetos del Camino y su presencia en retratos, inventarios y testimonios literarios o artísticos que nos hablan de sus portadores. A pesar de ser objetos fabricados en masa, como queda atestiguado en la documentación gremial, la huella arqueológica es todavía muy escasa, pero nos permite confirmar un uso ligado a ambos géneros. El reducido número de ejemplares conocidos y su datación basada fundamentalmente en criterios estilísticos dificulta todavía dataciones precisas. Hoy en día azabache y Camino siguen vías divergentes. Con el paso del tiempo estos objetos han sufrido un proceso de resignificación perdiendo su carácter puramente devocional o apotropaico.
Copyright (c) 2026 Andrea Menéndez Menéndez
The Ateni Sioni Church: Sacred Architecture and the Languages of Power in Medieval Iberia
This article explores the medieval Iberian Ateni Sioni Church, built in the 7th century and renowned for its comprehensive mural cycle dated to the 12th century. It draws particular attention to the church’s architectural, topographical, and decorative parallels with a significant sacred site in Iberia, the Church of the Holy Cross in Jvari. Rather than viewing these similarities as exclusively formal, the article offers an alternative perspective, focusing especially on the church’s topography and exterior decoration. It examines the donor reliefs on the facade in relation to their spatial context and considers how pilgrims and worshippers engaged with them as well as their possible symbolic significance at the time of their creation. The study demonstrates that, in the medieval period, Ateni Sioni served not only as a religious monument but also as a powerful political statement – a visual embodiment of authority and faith.
Iconografía desplazada y relectura simbólica: Ecosistema visual y desactivación sacra de Las tentaciones de San Antonio en el homenaje digital de Albert Merino
El gran arsénico constituye una alegoría audiovisual inspirada en la tradición pictórica sacra flamenca de los siglos XV y XVI, especialmente en Las tentaciones de San Antonio de Pieter Huys, con ecos de El Bosco y Beccafumi. A partir de este archivo iconográfico, Albert Merino construye un universo visual que desactiva la dimensión moralizante de las imágenes sacras y las reconfigura desde una perspectiva contemporánea, crítica y no normativa. El artículo analiza cómo la obra transforma estas fuentes en un sistema visual fragmentario en el que la ausencia del santo desplaza el eje interpretativo hacia figuras secundarias y elementos simbólicos autónomos. Mediante un enfoque cualitativo que combina análisis visual, análisis fílmico y una entrevista con el artista se examinan las estrategias formales y simbólicas que articulan la pieza. Se sostiene que El gran arsénico no reinterpreta la iconografía sacra en términos narrativos sino que la activa como un archivo visual abierto, caracterizado por la ambigüedad, la fragmentación y la suspensión del sentido. Desde esta perspectiva, la obra permite pensar la persistencia de formas de visualidad devocional en la cultura contemporánea no como transmisión de valores religiosos sino como estructuras simbólicas reconfiguradas desde una lógica estética y crítica. Esta lógica visual desplaza el sentido hacia una experiencia interpretativa abierta en la que imágenes asociadas a la tentación, el deseo o el mal dejan de operar como categorías morales estables.
Copyright (c) 2026 Francisco José Gómez Díaz
La asimilación de las reinas ptolemaicas a Isis: Una revisión iconográfica
Este artículo analiza la identificación de retratos femeninos con atributos divinos como posibles representaciones de las reinas ptolemaicas asimiladas a la diosa Isis. Para ello, se examinan los principales atributos característicos de la diosa en el contexto religioso egipcio, los antecedentes históricos de asimilación divina por parte de las mujeres reales, y también el tipo de retrato y la funcionalidad de los distintos soportes iconográficos en los que aparecen representadas las soberanas lágidas. Las hipótesis planteadas se fundamentan exclusivamente en imágenes cuya identificación está avalada por inscripciones o por un contexto arqueológico claramente documentado. A partir de este análisis, se constata que la asociación simbólica entre las reinas y la diosa Isis/Hat-Hor fue un recurso visual ampliamente difundido en el arte egipcio de época ptolemaica. No obstante, se propone interpretar los retratos femeninos anónimos de estilo isíaco como representaciones de la divinidad, considerando la posibilidad de una identificación regia únicamente cuando esté presente la diadema real como atributo distintivo.
The “Ruinscape”, Traveling Bodies, and Images: The Case of Spolia in Moissac Abbey
The present article examines the use and functions of spolia within the architecture of Moissac Abbey, France, during the late 11th and 12th centuries. The overarching goal of the text is to delve into the question of how the medieval monastery rewrote, reused, and reproduced the antique past through various media. It explores how the practice of spoliation contributed to the monastery’s establishment as both a sacred space and a strong political and cultural center. The spoliated elements are further anchored and interpreted within their particular material context as bearers of iconological significance that may contribute to our understanding of the iconography of the abbey’s sculptural decoration. Moreover, based on visual comparisons from across the region, it is argued that Moissac actively participated in the creation of an extensive sacred ecosystem interconnected by the constantly reminiscent memory of the ancient past, which is maintained and extended by the movement of human bodies.
Nature, Culture, and War in the Writings of Step’annos Orbelian
This article reflects on how the transformation of natural sites into cultural spaces was perceived in medieval Armenia, as analysed in The History of the State of Sisakan, written by the bishop and historian Stepanos Orbelian (c. 1250–1304). Orbelian's text opens with the familiar theme of a natural environment being transformed from a desert into a paradise, and describes how monastic colonisation turned a wild landscape into a prosperous cultural and fertile place. Art and culture are presented as instruments that bring the environment closer to God's will: thanks to the monastic presence, the region was protected from floods and bad weather. However, human action cannot be seen as positive alone: various invasions by foreign forces should be seen as elements of rupture, damaging nature and culture in order to satisfy diabolical greed. By analysing textual data and architectural heritage, this text explores some of the questions raised within Ecocritical Art History, attempting to understand the issue of the 'exploitation' of natural sites in the past.
Copyright (c) 2026 Ivan Foletti, Michaela Kovářová
Sacralizing the Environment: Ecosystems, Bodies, and Iconic Presences
Copyright (c) 2026 Zuzana Faktorová Frantová, Ivan Foletti, Adrien Palladino
Piedad, sangre y conversión: apuntes sobre el niño judío de Bourges en las Cantigas de Santa Maria
Este articulo estudia la cantiga 4 del corpus de las Cantigas de Santa Maria, dedicada al niño judío de Bourges. La aproximación se realiza desde los postulados de la antropología con respecto a la liminaridad, entendiendo los relatos de conversión como experiencias liminares mediadas por la imagen de culto. Desde este marco, se analizarán el desarrollo textual y visual de la composición, así como el papel de la efigie mariana. Como argumento principal, se trata de comprender la ausencia de la escena bautismal, entendiendo la estancia del niño en el horno como un bautismo de sangre. La comparación con un milagro apócrifo de la Infancia de Cristo, conservado en la Bodleian Library (MS. Selden Supra 38), nos ayudará a definir las peculiaridades de nuestro caso. Esto nos llevará a tratar cuestiones sobre el antisemitismo, la conversión o el bautismo como ritual liminar.
Grafitis religiosos en el Mediterráneo occidental (siglo XVIII): una aproximación desde la noción de presencia icónica
Este artículo ofrece una aproximación teórica al estudio de los grafitis icónicos de temática religiosa a través de una selección de casos mediterráneos del siglo XVIII. En este contexto, los grafitis se interpretan como expresiones gráficas de la religiosidad popular. El marco conceptual se articula a partir de la noción de presencia icónica formulada por Hans Belting, que se complementa con la idea de imagen-materia de José Luis Brea y con la concepción de los grafitis como actos de devoción material propuesta por Ann Marie Yasin. El estudio examina la relación dinámica entre sujeto, imagen y objeto de culto.
The issues of Berenice II, an iconographic exception
In 2016, the National Archaeological Museum (MAN) in Madrid acquired an octodrachm of Berenice II bearing the name of Arsinoe II at a public auction. The primary reason for this acquisition was the coexistence of iconographic and epigraphic references to two distinct personalities on the same coin. This peculiarity in Ptolemaic coinage, in addition to perpetuating an unprecedented iconographic model for representing Lagid queens, presupposes the need for numismatic research to examine its communicative function. Through iconographic analysis, this study seeks to unravel the message conveyed by this coinage. The motives that led Berenice II to portray herself in the manner of Arsinoe are not only related to issues of succession and consolidation of power but also to personal reasons stemming from family conflict. Berenice II preferred to associate herself with her paternal Ptolemaic lineage rather than her maternal Seleucid line— constituting clear evidence of the union of two kingdoms, the Ptolemaic realm and Cyrenaica, into a single state.
Copyright (c) 2026 Katharina Nothnagel Vivas, Ana Vico Belmonte
Hagar, Bilhah, and Zilpah: Use, Misuse, and Abuse of Enslaved Reproductive Bodies in Seventeenth-Century Mediterranean Painting. From Visual Exegesis to Iconographical Absence
This paper investigates the visual representations—or the marked absence—of Hagar, Bilhah, and Zilpah, three enslaved women in the Book of Genesis, within seventeenth-century Mediterranean painting. Drawing on feminist biblical criticism, art historical analysis, and visual exegesis, it explores how artists in Catholic regions such as Italy and Spain engaged with the iconography of these biblical figures. The study considers how artworks either reproduce or challenge the patriarchal ideologies embedded in Scripture and reflected in early modern theology and culture. Through the analysis of selected paintings, it reveals how silence, abjection, and guilt were visually encoded into the stories of these women, shaping their reception across time. It also contrasts Catholic visual traditions with Dutch Protestant interpretations, illuminating the theological and cultural dynamics at play. The research shows how artistic strategies—such as composition, gesture, and emotion—contributed to the marginalization or subversion of these figures. Ultimately, the paper argues that early modern art participated in the ideological work of biblical interpretation, acting as both a mirror and a critique of patriarchal structures. In doing so, it contributes to broader debates at the intersection of gender, religion, and visual culture, and expands the discourse on how enslaved and silenced biblical women are negotiated through image.
¿Cómo mirar una estampita? Propuesta metodológica para el estudio de imágenes religiosas impresas
Este artículo propone un estudio de estampitas religiosas desde una perspectiva interdisciplinar que combina estudios visuales, materiales y de religiosidad popular. A partir de un corpus extraído del Archivo Histórico Provincial de la Compañía de Jesús en Chile, se formula un itinerario metodológico basado en cuatro dimensiones: iconográfica, material, escritural y posicional. Estas categorías permiten explorar cómo estas imágenes permean lo sagrado en lo cotidiano, articulando prácticas devocionales, afectivas y corporales en comunidades católicas desde mediados del siglo XIX en adelante. A través de la metodología expuesta se revela cómo estas imágenes configuran universos simbólicos y sociales que conectan creencias, memorias colectivas y prácticas culturales abriendo una reflexión más amplia sobre el papel de los objetos materiales en la construcción de la experiencia religiosa y su persistencia en la cultura visual contemporánea.
Copyright (c) 2026 Lily Estefanía Jiménez Osorio
Epistemología de la imagen generativa: plausibilidad, estética y representación del pasado en imágenes producidas por inteligencia artificial
Este artículo analiza las implicaciones epistemológicas de las imágenes generadas por inteligencia artificial sin referente empírico, enfocándose en su credibilidad, plausibilidad histórica y efecto sobre la memoria colectiva. Partiendo de la cultura visual y la filosofía de la historia, se argumenta que su plausibilidad no deriva de evidencia documental, sino del reconocimiento de códigos estéticos compartidos. Metodológicamente, se adopta un enfoque hermenéutico y crítico, basado en el análisis de casos de representaciones medievales sintéticas difundidas en redes sociales. Estas imágenes, aunque ficticias, reproducen atributos estilísticos consolidados en la pintura y la iconografía histórica, activando una memoria estética colectiva que las hace verosímiles. Se concluye que su autoridad epistémica no reside en la fidelidad referencial, sino en la capacidad de movilizar repertorios visuales culturalmente validados. Esto plantea desafíos para la historiografía, la transmisión del patrimonio y los usos del pasado en la era digital, en un marco cualitativo centrado en teoría de la imagen, filosofía de la historia y estudios de software.
“Iba a ver un cuadro de Ribera”: lecturas decimonónicas sobre lo Spagnoletto y su Piedad (1637) de la cartuja de San Martino (Nápoles)
A diferencia de otros maestros españoles, la historiografía del arte ha dedicado una atención limitada a la fortuna crítica contemporánea de José de Ribera (1591-1652). El presente estudio analiza testimonios decimonónicos —fundamentalmente españoles— sobre su obra más apreciada durante este periodo: la Piedad (1637) de la cartuja de San Martino (Nápoles). Primero, examinamos cómo, en el contexto europeo y estadounidense previo a la publicación en 1908 de la monografía sobre lo Spagnoletto de August L. Mayer, fue consolidándose una “leyenda negra” sobre el pintor basada en la literatura artística de los siglos precedentes, particularmente en el relato de Bernardo de Dominici (1742). A continuación, analizamos las guías de viaje decimonónicas que prestaron atención a las pinturas de Ribera conservadas en dicha cartuja y contribuyeron a su divulgación. Por último, presentamos un conjunto de testimonios —inéditos, en su mayoría— relativos a la Piedad de San Martino, advirtiendo los valores que hicieron de esta la pintura más admirada de Ribera durante el siglo XIX y cómo la producción de este artista asentado en Nápoles fue interpretada desde España en clave nacionalista, reivindicando al pintor como un jalón esencial de la tradición pictórica española y desmintiendo ciertas fábulas sobre su vida.
Copyright (c) 2026 Guillermo Juberías Gracia
La musique, la danse et le vin: Festivités et rituels à Nishapur aux IXᵉ–Xᵉ siècles
Cet article explore la culture visuelle de Nishapur aux IXᵉ–Xᵉ siècles à travers l’étude de ses céramiques polychromes, où musique, danse et vin apparaissent comme des vecteurs rituels et sociaux. Après avoir reconstitué le contexte historique et musical, le texte analyse en détail la figure du danseur : sa posture frontale, ses attributs ambigus (récipient à vin/corne d’abondance), la symbolique des oiseaux et poissons, ainsi que l’ambiguïté de genre véhiculée par le costume. Une série de variantes théâtrales, intégrant le masque et l’attribut de la branchette, révèle un art de la fête où se conjuguent renouvellement cosmique et transcendance identitaire. Enfin, des comparaisons avec l’iconographie sassanide et les miniatures d’al-Sufi confirment que ces céramiques constituaient un langage visuel actif, support d’une mémoire collective en perpétuelle évolution.
Las estampas-retablo de San Diego de Alcalá Metamorfosis y expansión de un ecosistema devocional en la Contrarreforma
El artículo analiza, a partir de los presupuestos de la iconología antropológica y los estudios visuales, tres estampas dedicadas a San Diego de Alcalá, producidas entre finales del siglo XVI y comienzos del XVII, con el objetivo de reconsiderar su función dentro del ecosistema devocional de la Europa post-tridentina. La "visibilidad vicaria" de estas imágenes, junto con su condición portátil, contribuyó a multiplicar la praesentia del santo más allá de la capilla donde reposan sus reliquias, epicentro de sus milagros. La innovación de este estudio reside en el análisis formal y tipológico de estas imágenes grabadas y en la formulación de un marco teórico pertinente para su examen. El autor propone la categoría de "estampas-retablo" para designar este modelo formal de narración de las Wunderviten. Su estructura fragmentaria y secuencial —evocadora de los retablos hagiográficos góticos y los vita icons bizantinos— ofrece una adaptación del lenguaje retablístico al soporte impreso. El estudio concluye que la aparición de este formato pudo responder a la necesidad de articular nuevas prácticas devocionales, eficaces tanto en la Europa reformada como en territorio católico —europeo y americano—, mediante imágenes capaces de mantener, extender o renovar la experiencia de la presencia sagrada más allá del marco institucional del culto.
Copyright (c) 2026 Gerardo Rappazzo Amura
Libros de medallas y libros de emblemas: un cara a cara entre dos creaciones originales del mundo humanista
Este texto pretende establecer un vínculo entre los géneros de los libros de medallas y los libros de emblemas, ambos fenómenos originados en el Renacimiento, teniendo en cuenta su función como fuentes iconográficas y atendiendo a sus paralelismos y divergencias. Ambos géneros textuales y visuales han sido estudiados de manera independiente; sin embargo, hemos considerado revisar el paralelismo entre ellos. Las similitudes incluyen elementos formales, así como su propósito educativo, la admiración por la Antigüedad y el uso de personajes mitológicos. La principal diferencia radica en que, mientras la medallística se centra en la biografía de personajes históricos o mitológicos modélicos, con ilustraciones imitando monedas antiguas, la emblemática permite una mayor amplitud temática y expresión gráfica. Por otro lado, desarrollamos una comparativa cronológica y advertimos que el interés por las medallas se inicia en pleno siglo XV y su obra clave, Illustrium imagines de Andrea Fulvio, se publica en fechas tempranas, en 1517, periodo que coincidiría con la fase llamada “pre-emblemática” o “proto-emblemática”. Durante la primera mitad del XVI, la medallística vive su época de mayor apogeo y se adelanta a la publicación de Alciato (1531); sin embargo, la emblemática termina imponiendo su composición y disposición a los libros de medallas.
Copyright (c) 2026 María Teresa Rodríguez Bote
“Death or Freedom”: Transformation of Household Plots into Political Ones. On the material of the hidden Ukrainian state coat of arms on embroidered Ukrainian towels (rushnyks)
This article is devoted not only and not so much to the presence of national symbols (in particular, the trident which is the state coat of arms of Ukraine) on century-old Ukrainian rushnyks (embroidered towels). The main goal of this study is to show how closely the so-called political (patriotic) may be intertwined with household (everyday) embroidered plots, that we can sometimes easily confuse them. Since it was dangerous to embroider Ukrainian national symbols during the occupation and struggle for state independence, such signs often had to be masked. Thus, such usual embroidered scenes, as entertainment and fun or separation and meeting of a boy and a girl, could hide political undertones. And vice versa, using the ready-made printed cross-stitch papers containing the state coat of arms of Ukraine, girls sometimes could avoid embroidering this sign.
Altar Space in Late Antiquity: The Water Newton Treasure and the Construction of the Sacred Space
Dated between the second half of the 4th and the early 5th centuries CE, the Water Newton treasure is the earliest material example of a liturgical and votive Christian hoard. Previous research has focused on determining the overall function and the treasure’s possible original context. This article presents an overview of the treasure’s components from the perspective of their relation to the Christian altar, mainly during the Eucharist. After examining the liturgical paraphernalia and furnishings in the 4th and 5th centuries, as documented by late antique church inventories, the individual objects are studied in their ritual application. This lets us appreciate the role of material culture in defining the sacred space. The continuity with ancient traditions emerges, such as certain vessels’ connection with some substances and properties or the adoption of ritual practices, reinterpreted through a new Christian meaning. Starting from the material analysis and the written evidence, the article aims to frame the treasure in the wider perspective of Christian altar space development. The treasure's relation to its lost setting of perishable materials and ritual actions emphasised how the objects ‘activated’ the altar space, highlighting its sacredness as a place for encountering the divine.
Enterrando al papa Ludovisi. El apparato fúnebre de Gregorio XV en el contexto político de la Roma de los Barberini
Este artículo analiza la ceremonia fúnebre celebrada en 1624 con motivo del primer aniversario de la muerte del papa Gregorio XV en la catedral de Bolonia. La ceremonia y el apparato alegórico desplegado en el templo fueron promovidos por el cardenal-nepote Ludovico Ludovisi, sobrino del difunto papa y uno de los mayores coleccionistas de arte de su época. Este apparato efímero, con una estrategia sensible y emotiva, se centró en exaltar las virtudes y la labor llevada a cabo por el pontífice y también en tratar de promover la imagen del cardenal en los círculos de poder de la Roma de Urbano VIII. Con ello, el cardenal quería establecer un marcador visual de la memoria cultural de su tío, creando un proyecto artístico de gran esplendor material, auténtico ejemplo de la retórica barroca de la época. El artículo reconstruye el programa iconográfico del apparato fúnebre, entendido como instrumento de propaganda, relacionándolo con las fuentes literarias y gráficas contemporáneas, así como con el ambiente de nepotismo reinante en la corte papal, para comprender el significado político y religioso de esta ceremonia.
Copyright (c) 2026 Eneko Ortega Mentxaka
Per oculos ad loculos? – what can we learn from eye tracking about emblem art perception?
Emblems are depictions of concepts, composed of texts and images. Scholars dispute whether the emblematic image or the text contributes more to making the viewer appreciate the emblem and better understand its message. Are images and texts of equal importance? Which element - image or text- attracts attention in the first place? What are the dynamics of attentional processing of the text-image structure of emblems? We have applied eye-tracking techniques to study where and how people look when presented with emblems. We mapped participants’ eye gaze locations and dynamics (order) of their scan paths to uncover the relationship between the text and the image aspects of emblems. Moreover, we also used internet ‘meme’ images containing a similar text-image structure to emblems to test for similarities between these two classes of bimedial compositions. We present and discuss the preliminary findings of the study, showing that in the perception of such multi-modal messages like emblems, the text and the picture are both critical for a dynamic process of understanding. We will further suggest an experimental framework aiming to explore the cognitive processing underlying the perception and interpretation of emblems.
Copyright (c) 2026 Artur Pilacinski, Filipa Araújo, Zohar Tal, Patricia Fernandes
Espiritualidad femenina a través de un libro de horas catalán desconocido iluminado hacia 1500
Hacia la última década del siglo XV fue elaborado un exquisito libro de horas para una dama. El manuscrito, escrito en latín con rúbricas en catalán al uso de Roma, se conserva en una colección privada (Barcelona, Patrimoni artístic Fundació «La Caixa»). Este libro de horas quedó inacabado y contiene una buena cantidad de iniciales decoradas, acompañadas con decoración floral, e incluso un tipo de ornamentación marginal con flores, pájaros y figuras humanas que adquiere una dimensión más naturalista en algunos folios concretos, de acuerdo con propuestas estéticas del Maestro vienés de María de Borgoña, aspecto este último desconocido en Cataluña. Las ilustraciones a toda página son siete en total y fueron realizadas en grisalla con toques de azul. El calendario incluye celebraciones típicas de Barcelona. Posee un oficio dedicado al Ángel Custodio (f. 211r) y entre los Sufragios destaca la figura de María Magdalena (f. 235r), modelo de mujer contemplativa para los teólogos y moralistas de la época. Este estudio analiza un manuscrito prácticamente desconocido por los investigadores
Visualizando el poder conjunto: Heráldica de los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia
Este trabajo analiza la evolución de la infanta Isabel Clara Eugenia y el Archiduque Alberto en función de su estado civil y su posición política. Se estudia cómo, antes de su matrimonio, Alberto empleaba un escudo que enfatizaba su vínculo con la Monarquía Hispánica, reflejando su trayectoria bajo el amparo de Felipe II. Por su parte, después de que Isabel Clara se convirtiera en soberana de Países Bajos, se establecieron unas armas para ella que destacaban su soltería. Tras el matrimonio, ambos adoptaron un escudo conjunto, donde los elementos austroborgoñones adquirieron protagonismo, reflejando su soberanía compartida en los Países Bajos. No obstante, el uso individual de este blasón sugiere que la titularidad correspondía en mayor medida a Alberto. Esta interpretación en el escudo de Isabel Clara Eugenia como viuda, donde coloca sus antiguas armas conjuntas donde deberían ir las de su marido. A través del estudio se demuestra cómo los archiduques usaron la heráldica como representación visual de la legitimidad política y dinástica, adaptándose a los cambios de poder y reforzando su posición como soberanos.
Copyright (c) 2026 Luis Fernando Fernández Guisasola, José María Francisco Olmos
Fons signatus: a theological symbol in Christian doctrine and Marian iconography
Among the many metaphors with which Christian doctrinal tradition has designated the Virgin Mary, this article focuses on analyzing the “sealed fountain” (Fons signatus) from the Song of Solomon, as attested by numerous theological texts and some Marian images. The author begins by analyzing many testimonies from Fathers and medieval theologians of the Latin Church on this subject; secondly, he analyzes a large set of fragments of medieval liturgical hymns that poetically reconfigure this metaphor; in a third section, he analyzes five 15th-century Marian paintings that depict a sealed fountain invested with a clear symbolic intent. Finally, the author summarizes the results of the analysis of the texts and images, highlighting the essential relationship between the two.
Copyright (c) 2026 José María Salvador-González
Ana María Cuesta Sánchez y Ángel Pazos-López (eds.) (2024). Digital Humanities for the XXI Century Museum. Boleine. ISBN: 978-2-490081-62-2
Junquera Rubio, Carlos, Ángela Franco Mata y Letizia Arbeteta Mira (2025). Reliquias y Relicarios a lo largo de la Historia: Cultura, Patrimonio e Identidad. Editorial ACCI.
Copyright (c) 2026 Benito Rodríguez Arbeteta
Perkinson, Stephen and Noa Turel (2021). Picturing Death 1200-1600. Brill.
Copyright (c) 2026 Herbert González Zymla
Taylor, Paul. (2025). How Images Mean. Iconography and meta-iconography. Paul Holberton Publishing.
Copyright (c) 2026 Agustín Martínez Peláez
Mellén, I. (2024). El Sexo en tiempos del Románico. Editorial Crítica.
Copyright (c) 2026 Ana María Sánchez Saz