Cuadernos de Música Iberoamericana (ISSN 1136-5536, ISSN-e 2530-9900) es una revista científica fundada en 1996 y editada por el Instituto Complutense de Ciencias Musicales, en la que se publican artículos originales de investigación. Esta revista de periodicidad anual tiene como objetivos principales dinamizar e incentivar la investigación en las diversas áreas de la musicología atendiendo a un marco geográfico y una cronologías amplios, con clara vocación internacional y con marcado interés en el ámbito iberoamericano.
Instituto Complutense de Ciencias Musicales
La revista Cuadernos de Música Iberoamericana, para fomentar el intercambio global del conocimiento, facilita el acceso sin restricciones a sus contenidos desde el momento de su publicación en la presente edición electrónica, y por eso es una revista de acceso abierto. Los originales publicados en esta revista son propiedad de la Universidad Complutense de Madrid y es obligatorio citar su procedencia en cualquier reproducción total o parcial. Todos los contenidos se distribuyen bajo una licencia de uso y distribución Creative Commons Reconocimiento 4.0 (CC BY 4.0). Esta circunstancia ha de hacerse constar expresamente de esta forma cuando sea necesario. Puede consultar la versión informativa y el texto legal de la licencia.
Musicología y festivales: perspectivas latinoamericanas e ibéricas. Introducción
Los festivales dedicados a una amplia variedad de músicas han proliferado en las últimas décadas, lo que se relaciona con un proceso de “festivalización” de la cultura con fines económicos, turísticos, políticos y sociales (Laville 2014). El término “festival”, aplicado a la música, engloba eventos basados en una serie de conciertos, en ocasiones complementados con otras actividades (como conferencias, exposiciones o talleres), pero también hace alusión a una gran variedad de celebraciones, como en el caso de los festivales ligados a manifestaciones folclóricas que han sido festivalizadas, de las iniciativas de carácter formativo como los cursos de verano, o de los festivales asociados a certámenes o concursos.
Derechos de autor 2026 Cuadernos de Música Iberoamericana
Editorial. Festivales, memoria y comunidad
Equipo de Redacción de Cuadernos de Música Iberoamericana
Chris Dromey, ed. 2024. The Routledge Companion to Applied Musicology. Nueva York / Londres: Routledge, 398 páginas, ISBN (tapa dura) 978-0-367-48824-6, ISBN (tapa blanda) 978-0-367-48825-3, ISBN (ebook) 9781003042983, DOI https://doi.org/10.4324/9781003042983
María Elena Cuenca Rodríguez, Miguel Ángel Ríos Muñoz, Francisco Ruiz Montes y John Griffiths, eds. 2024. Propuestas pedagógicas e interdisciplinares sobre el análisis y la teoría musical. Sevilla: Wanceulen, 402 páginas, ISBN (impreso): 978-84-19598-61-5, ISBN (ebook): 978-84-19598-62-2
Helena Costa Araújo y Henrique Luís Gomes de Araújo, coords. 2023. Helena Sá e Costa: fotobiografia. Porto: Edições Aftrontamento, 399 páginas, ISBN 978-9-723-61997-3
Francesco Milella González Luna. 2025. Beyond Italian Opera. Manuel García in Early National Mexico (1826-1828). Pesaro: Fondazione Rossini, 257 páginas, ISBN 979-12-80640-56-7
Michael Latcham. 2023. Carlo Broschi Farinelli: A Manuscript Description of the Operas and Festivities at the Spanish Court, 1747-1758. Transcription of the 1758 Manuscript Held in the Royal Library, Madrid, with an Introduction, an Illustrated and Annotated Translation, and Appendices. Múnich / Salzburgo: Musikverlag Bernd Katzbichler, 668 páginas, ISBN 978-3-87397-299-5
La enseñanza de la guitarra en la España decimonónica (ca. 1800-ca. 1920). Multiplicidad de voces y prácticas y continuidad de transmisión bajo una perspectiva integradora
El presente artículo plantea un nuevo acercamiento a la enseñanza musical en la España decimonónica a través del estudio de la enseñanza de la guitarra en ese contexto y utilizando los ejemplos concretos de las ciudades de Madrid y Barcelona. Proponemos abandonar la visión tradicional fragmentaria –períodos de auge y decadencia– y separatista –tres “prácticas”: popular, erudita y flamenca– para postular una visión integradora que permita contemplar todos los factores y ámbitos, de forma que podamos considerar bajo esa nueva perspectiva la solidez, distribución y continuidad de la práctica guitarrística en el siglo XIX español y contribuir al conocimiento más general de la enseñanza musical del período. Desde un detallado estudio del estado de la cuestión, se persigue contribuir al trazado de un contexto que permita, posteriormente, comenzar a dibujar y comprender el rico entretejido entre agentes, instituciones, modelos y métodos didácticos que permeó el aspecto pedagógico de este polivalente instrumento, clave en su transmisión.
María Asunción Flórez. 2023. Sirena de los Tablados: Teresa de Robles. Recorrido vital y profesional de una “hija de la comedia”. Madrid: Iberoamericana. 259 páginas. ISBN 978-84-9192-302-2
Folclorología y lugares de memoria: disputas en torno a los imaginarios sociales sobre la tradición en el Festival Nacional del Porro en Córdoba, Colombia
Este artículo analiza el Festival Nacional del Porro, un evento que congrega las bandas de viento del Caribe colombiano, y discute su afán de organizar, legitimar y reproducir memorias que resultan fundamentales para la construcción de imaginarios sociales en torno a la tradición local. Desde esta perspectiva de lectura, se observan las características de la folclorología latinoamericana que dan origen al Festival, apelando al concepto de “lugar de memoria” para develar la tensión entre el discurso atado a la autenticidad y las inminentes transformaciones en la práctica, que tienen implicaciones estéticas y, sobre todo, políticas. En conclusión, el artículo resalta una tendencia a la espectacularización que retoma la idea de autenticidad como fuente de valor, mientras que, al mismo tiempo, revela la tensión con la intención de los músicos de banda de incorporarse a las lógicas del capitalismo cultural.
Paloma Ortiz-de-Urbina y Thomas Macsotay, eds. 2024. Recepción de Richard Wagner y vanguardia en las artes españolas: mitos y materialidades. Madrid: Dykinson, 393 páginas, ISBN 978-84-1070-337-7; ISBN (ebook) 978-84-1070-396-4, DOI https://doi.org/10.14679/3241
Raperas y raperos en las calles y en el transporte público: nuevas tendencias de la práctica musical callejera en la ciudad de Concepción, Chile
En el presente artículo indago en la transformación que está experimentando la música de la calle en mi ciudad natal, Concepción (Chile). Analizo algunos interesantes cambios en la práctica musical y el modo en que desarrollan esta actividad las/os raperas/os. Metodológicamente, llevé a cabo una etnografía entre 2021 y 2023 que incluyó acompañamientos y entrevistas a un grupo de seis hombres raperos y dos mujeres raperas, con edades comprendidas entre los 20 y 27 años y pertenecientes a una clase media-trabajadora. Esta investigación se enmarca, en cierta medida, dentro de un enfoque de autoetnografía, ya que utilizo mi experiencia personal y afectiva para explorar y analizar un fenómeno, considerando que la práctica musical callejera refleja de manera integral la forma en que los habitantes de Concepción habitamos y experimentamos nuestra ciudad.
Derechos de autor 2025 Cuadernos de Música Iberoamericana
¿Un salvaje en Milán? ¿Un héroe en Río? Masculinidades, raza y nación: la representación de Carlos Gomes en las revistas ilustradas italianas y brasileñas (1870-1896)
El artículo explora la representación del compositor de ópera Antônio Carlos Gomes en las revistas ilustradas de Milán y Río de Janeiro, entre 1870 y 1896. A través del análisis de dibujos, caricaturas y fotografías, estudia los atravesamientos entre su visualización y la producción de discursos en torno a las masculinidades, la raza y la nacionalidad: por una parte, analiza la representación de Gomes como un salvaje domesticado en la prensa italiana; y, por otra, reflexiona en torno a la mitificación y heroización de su figura en Brasil. Al confrontar dos visiones, el texto reconsidera la manera en que se (re)produjo la imagen del artista, desestabilizando los relatos hegemónicos en torno a su figura y tensionando la intersección de las categorías género, raza y nación.
Los orígenes de la lexicografía musical en español. Comentarios metalexicográficos
Las obras lexicográficas han desempeñado un papel fundamental en la difusión del conocimiento científico, reflejando la innovación y el desarrollo de diferentes disciplinas que conforman la sociedad. La música, como expresión cultural, ha sido objeto de estudio en dichas obras, y sus términos han formado parte de este proceso de sistematización y divulgación. En el caso del español, durante el siglo XVIII, el auge de la actividad musical en España propició la aparición de traducciones y vocabularios en castellano, integrados en obras de distinta naturaleza. Esto propició que en el siglo XIX se empezaran a elaborar diccionarios centrados exclusivamente en el léxico musical tomando como referentes los producidos en Europa y, específicamente, en Francia. Así pues, este artículo pretende desvelar los orígenes de la producción y el diálogo textual de los primeros diccionarios musicales independientes y relevantes en español publicados entre 1852 y 1899, a partir de una metodología y una estructura basadas en la historiografía lingüística.
Derechos de autor 2024 Cuadernos de Música Iberoamericana
Este artículo estudia la cuestión del contracanon y la ecología a través de la descripción de ejemplos de investigación aplicada del grupo Ultranesia, programados en el Festival Archipiélago, celebrado en Madrid entre 2017 y 2023. El texto adopta un enfoque interdisciplinar que se enmarca en los estudios de la escucha o los sound studies. Se presenta un estado de la cuestión sobre las publicaciones más recientes que, desde la musicología, el materialismo de los medios, la ecología y el pensamiento decolonial, cuestionan la hegemonía musical occidental. Empleamos una metodología cualitativa que se caracteriza por el estudio material en tiempo profundo. Asimismo, se analiza la experimentalidad como una forma de canon occidental, a través de la cual se buscan alternativas. Dichas alternativas pueden encontrarse en artistas que abrazan la tradición en su práctica, así como en las músicas contemporáneas que, equívocamente catalogadas como world music o folclore, no encajan dentro de la definición occidental de músicas tradicionales.
La crisis ecológica evidencia que es preciso plantear nuevamente el habitar. Para ello, hay que reinventar los nexos entre la tierra y sus habitantes. En esta reinvención, dos grandes líneas confluyen. La primera propone un habitar poéticamente (Heidegger). La segunda, solicita cambiar el paradigma de la dominación por el de la escucha (Cage). Esto supone, plantear la tierra como totalidad y reconocer los vínculos entre las crisis que nos habitan: medioambiental, social y mental (Guattari). Desde aquí, se recupera la noción de aisthesis para apuntar a una escucha poï-ética que aquí se ejemplifica siguiendo las dos líneas mencionadas. De la primera, De agua, viento y verdor, las prácticas de “caminar la palabra” y el proyecto Voces que caminan, son ejemplos que vinculan la palabra a su carácter sagrado. De la segunda, Cuerpospermeables parte de una crítica a la botánica colonial y le opone un posthumanismo decolonial que puede adoptar la forma de un cuerpo que deviene instrumento de viento.
José Valero Peris y su Método fácil de piano (1845): una aportación valenciana a la pedagogía pianística española del siglo XIX
El valenciano José Valero Peris fue una figura reconocida en la composición lírica española del segundo tercio del siglo XIX. Aunque no alcanzó la notoriedad de otros grandes nombres de la época, logró abrirse paso como compositor, pianista en diversas soirées y como miembro destacado de la sección musical del Liceo Valenciano, contribuyendo así al enriquecimiento del panorama musical nacional. También destacó en la pedagogía musical del siglo XIX por su compromiso en democratizar el acceso a la enseñanza musical básica. Reputado docente en diversos centros de enseñanza valencianos, su Método fácil de piano (1845) ofrecía una estructura simplificada que facilitaba la educación pianística a mujeres y aficionados, lo que permitió que se mantuviera en catálogo hasta entrado el siglo XX. Con este enfoque innovador, unido a su colaboración con Antonio Romero en el Nuevo Método Completo de Solfeo, contribuyó a cubrir la demanda creciente de métodos accesibles para principiantes.
Ubimus, postantropocentrismo y la ubicua inmaterialidad del cachivache musical
La investigación en música ubicua (ubimus) interactúa con un ecosistema cambiante de recursos tecnológicos, a partir de las múltiples demandas sociales y cognitivas de la creación musical (Keller et al. 2014; Lazzarini et al. 2020). El diseño tecnológico en ubimus exige estrategias de interacción estéticamente más flexibles que las existentes actualmente, para fomentar un pensamiento creativo sostenible (Keller et al. 2021). Por lo tanto, estas propuestas están alineadas con los enfoques decoloniales y postantropocéntricos. La decolonialidad puede proporcionar una clave para desbloquear algunas de las contradicciones analíticas de la investigación artística actual. Para ejemplificar estos argumentos, documentamos un estudio de caso: La ubicua inmaterialidad del cachivache musical.
“El mar escupía un lamento”. Respuestas musicales ante desastres ecológicos en la España contemporánea: los casos del Prestige y el Mar Menor
En este artículo se realiza un análisis de las respuestas musicales a dos catástrofes medioambientales marinas en la España del siglo XXI: el naufragio del petrolero Prestige frente a la costa gallega y la crisis del Mar Menor en Murcia. Así, mirando a distintas acciones colectivas (canciones, conciertos, recopilatorios o campañas publicitarias) y al modo en el que estas emplean música preexistente o de nueva creación, proponemos comprender cómo la música es instrumentalizada en la pugna por la hegemonía de los imaginarios climáticos definidos por Levy y Spicer. Para ello se traza una genealogía de las relaciones de la música con la protesta medioambiental en España, con el objetivo de comprender qué caracteriza a esta y si ha habido cambios a lo largo del tiempo.
Artes sonoras y ecoartivismo: de la dimensión política del sonido a posibilidades de una escucha situada
El presente estudio trata de ofrecer un espacio de debate y reflexión en torno a la dimensión política de la música y las posibilidades del “eco-artivismo” en el ámbito de la creación sonora contemporánea. Con el fin de cuestionar la visión de la obra artística como mero objeto de placer y fenómeno descontextualizado, reflexionamos sobre el sonido y la escucha como fuentes de producción de conocimiento crítico y reflexivo. Desde esta óptica, el espacio de las artes sonoras se revela como un fecundo campo de experimentación capaz de proyectarse hacia reivindicaciones políticas, culturales, sociales y medioambientales. Se revisarán los fundamentos que conducen del paisaje sonoro clásico al nuevo marco de la biomúsica como espacio propositivo que intenta prestar atención de manera situada al diálogo entre sonidos humanos y no humanos, cuestionando para ello tanto la dicotomía entre cultura y naturaleza, como las pretensiones éticas de preservación que caracterizan los posicionamientos del paisaje sonoro tradicional. Finalmente, con el objetivo de ilustrar algunas de estas reflexiones, se revisan dos obras específicas: La selva (1998) de Francisco López y Amazonia (2019) de Félix Blume. Sus divergentes posicionamientos estéticos e ideológicos se materializan en dos tipos de escucha opuestos –una profunda y descontextualizada, y otra situada y compartida–, lo que permite debatir acerca de sus implicaciones ecológicas.
Presentación. Ecomilitancias sonoras: Iberoamérica ante la crisis medioambiental actual
Pensar las vidas de los sonidos. Una entrevista a Ana María Ochoa por Violeta Nigro Giunta e Igor Contreras Zubillaga
Javier Marín-López, Montserrat Capelán y Paulo Castagna, eds. 2023. Músicas iberoamericanas interconectadas. Caminos, circuitos y redes. Madrid / Fráncfort: Iberoamericana / Vervuert, 648 páginas, ISBN 978-84-9192-409-8
Alexandre Robert. 2023. Devenir compositeur. Enquête sociomusicologique sur Déodat de Séverac (1872-1921). Lyon: Symétrie, 324 páginas, ISBN 978-2-36485-218-1
Gavin Steingo. 2024. Interspecies Communication: Sound and Music Beyond Humanity. Chicago / Londres: The Chicago University Press, 256 páginas, ISBN 978-0-226-83136-7*
Sonido y espacio durante la visita de Carlos V a Barcelona en 1519
Las visitas y entradas reales activaban una serie de eventos ceremoniales en la ciudad donde el rey residía temporalmente que provocaban un cambio o intensificación en los sonidos que se escuchaban en las calles y edificios más emblemáticos del complejo urbano. Cuando Carlos V entró en Barcelona en 1519, le acompañaban los músicos de su casa y capilla, entre ellos cantores e instrumentistas flamencos que traían diferentes maneras de tocar y cantar y que interpretaban un repertorio polifónico distinto, probablemente nunca escuchado antes allí. El impacto sonoro de la visita variaba según la experiencia y expectativas de las distintas comunidades acústicas presentes en la variedad de ceremonias celebradas en contextos religiosos y festivos: los ciudadanos experimentaban auralmente las procesiones que recorrían las calles, pero fueron excluidos de los espacios interiores de la catedral y del palacio, donde nobles y autoridades eclesiásticas y cívicas escuchaban misas y motetes polifónicos en el oficio y chansons francesas en los banquetes. Este artículo propone analizar la relación entre sonido y espacio en las diferentes ceremonias celebradas en Barcelona durante la visita de Carlos V y evaluar hasta qué punto y para quién el soundspace urbano fue transformado.
Pau Casals y la sardana del exilio: composición y dimensión simbólica de Sant Martí del Canigó
El presente artículo examina el proceso de composición y la dimensión simbólica de Sant Martí del Canigó, una sardana que Pau Casals escribió en 1943 durante sus primeros años de exilio en Prada de Conflent. A partir de la documentación del Fondo Pau Casals en el Arxiu Nacional de Catalunya y de fuentes secundarias, se analiza el contexto histórico de la obra, así como su vinculación con la identidad catalana a través del poema Canigó de Jacint Verdaguer. Gracias a las instrumentaciones realizadas por Enric Casals y a su amplia difusión nacional e internacional, Sant Martí del Canigó –concebida inicialmente como una pieza para piano destinada a interpretarse en el entorno familiar de Prada– adquirió un nuevo significado en el catálogo de su autor, asociándose con el exilio y con las convicciones ideológicas del músico catalán. Su proyección internacional incluyó interpretaciones de orquestas como la New York Philharmonic y la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, que contribuyeron a consolidar su relevancia dentro del repertorio del músico. En conjunto, esta sardana puede entenderse como un testimonio del compromiso ético y estético de Pau Casals, y también de su hermano Enric, con la cultura catalana.
Procesos de festivalización del Carnaval de Cádiz
Cádiz, ciudad comprometida creativa y culturalmente, acoge una amplia variedad de eventos, festivales y celebraciones en torno al cine, el teatro, títeres, danza, flamenco, la figura del compositor Manuel de Falla y el Carnaval, con su emblemático Concurso de Agrupaciones musicales como el más visible, vivenciado y “massmediatizado” de sus eventos. Este artículo se ocupa de los procesos de festivalización que vienen afectando al Carnaval de Cádiz desde los años cincuenta del pasado siglo XX, cuando se recuperan en la ciudad las agrupaciones de Carnaval y sus coplas, coincidiendo con el surgimiento de los festivales en la sociedad occidental, y la festivalización y espectacularización de la cultura. También se señala cómo previamente, en la segunda mitad del XIX, la modernización y la idea de progreso decimonónicas afectaron al Carnaval y sus agrupaciones musicales con su municipalización, adecentamiento y una incipiente comercialización y profesionalización, que se amplificarían en años posteriores.
Los primeros certámenes de orfeones de Granada durante las fiestas del Corpus a través de la prensa (1890-1892): entre la expectación inicial y la decepción final
El movimiento coral en España tuvo una importante implantación en la sociedad del siglo XIX y supuso no solo un movimiento musical y cultural, sino también un revulsivo para las clases populares. Así, los orfeones y las sociedades corales fueron la máxima expresión de este movimiento y tuvieron su impulso gracias, entre otras cosas, a los certámenes organizados por todo el país. En Granada, el primer certamen se celebró en 1890 con la participación de tres orfeones. Estos certámenes se intentaron repetir los dos años siguientes sin el éxito de la primera edición. En el presente texto, examinaremos el desarrollo de los certámenes de orfeones organizados entre 1890 y 1892 en Granada, y analizaremos el ambiente cultural y musical de Granada y el devenir de las formaciones corales en esta ciudad en las últimas décadas del siglo XIX.
“No hay cosa con más fuerza para atraerle que oír música”. Cinco canciones para atraer a Narciso en Eco y Narciso (1661), fiesta real de Calderón de la Barca
Como creador de un nuevo género músico-teatral, Calderón fue plenamente consciente del poder evocador de la música, por lo que, desde sus primeros intentos, integra en sus obras tonadas preexistentes –bien conocidas por el público–, además de crear otras nuevas. El presente trabajo analiza el uso que el dramaturgo hace de la música en una compleja escena de Eco y Narciso (1661), cuyo tema se articula en torno al poder de la música sobre las emociones humanas. Para ello, se estudia cómo se estructura la escena, así como el procedimiento elegido para darle una gran coherencia, integrando de forma fluida en la obra cinco tonadas preexistentes de diferente origen y forma.