Arte, Individuo y Sociedad

Rostros fragmentados en la escultura de Daniel Pérez

David Vázquez-Couto — 2026-04-08

Naturaleza dibujada. Gabriel de la Riva (2025). Grupo de investigación HUM976. Expregráfica. Lugar, Arquitectura y Dibujo, Universidad de Sevilla. 72 pp. ISBN-978-84-09- 74775-7 https://hdl.handle.net/11441/175272

Antonio Gámiz-Gordo — 2026-04-08

Abadías, Laberintos y Píxeles: Narrativas transmedia desde “El nombre de la rosa”. Fran Mateu (2025). Publicaciones Universidad de Alicante. 144 páginas. ISBN: 978-84-9717-909-6

Mario P. Martínez-Fabre — 2026-04-08

Encuentros inesperados entre arte y pedagogía. Transformando la formación de profesionales de la educación para la inclusión y la interculturalidad. Sales, A. (Coord.) (2025). Publicaciones de la Universitat de Lleida / Universitat Jaume I. 138 págs.

María Vidagañ-Murgui — 2026-04-08

Aprender a mirar. Feminismos y prácticas artísticas. Marián Cao (2025). Madrid, Cátedra. 368 páginas

Martín Caeiro-Rodríguez — 2026-04-08

Madrastros. Parra Bañón, José Joaquín, Santiago, Chile. Metales Pesados, 252 páginas, 2025, ISBN: 978-956-6203-98-8

José G. García-Caballero — 2026-04-08

Soledades creativas. Ricard Huerta (2025), Sevilla, Editorial Aula Magna, 249 páginas. ISBN: 9791387666439 e ISBN eBook: 9791387666972

Vicente Monleón — 2026-04-08

Subir a la nube: el cielo está pixelado

David Domínguez-Escalona — 2026-04-08

Horizonte y límite. Visiones del paisaje

Rosa García — 2026-04-08

Dar nada para ver. Exposición de Paula Rubio

Angel Pérez-Marcos — 2026-04-08

Las raíces de la ciencia

Alfonso López-Ruiz — 2026-04-08

La exposición Las raíces de la ciencia, presentada en la antigua capilla del IES San Isidro de Madrid, aúna elementos científicos, expositivos, artísticos y educativos en un condensado espacio, que permiten al visitante realizar un recorrido por la historia de la ciencia con fines formativos desde el siglo XVII.

Del error al sentido: la imagen residual como forma de pensamiento visual

María Rodríguez-Valdés — 2026-04-08

En una cultura visual dominada por la eficiencia, la nitidez y la previsibilidad, este artículo propone una reflexión crítica sobre el valor poético, conceptual y material de aquello que habitualmente queda fuera del encuadre o de la versión final de una obra. A través de una metodología cualitativa, basada en el cruce entre la teoría crítica de la imagen y el análisis de prácticas artísticas contemporáneas, se estudian casos en los que lo residual se convierte en el núcleo generador del proyecto. Se analizan imágenes encontradas, fragmentos descartados, errores técnicos y capas intervenidas como activadores de nuevas narrativas visuales, en un diálogo entre el archivo personal, la estética de lo inacabado y los procesos de hibridación digital-analógica. El artículo sostiene que las imágenes residuales no deben entenderse como elementos fallidos, sino como espacios de resistencia y significación, capaces de ampliar las nociones de autoría, temporalidad y sentido. En un presente saturado de imágenes, atender a los residuos visuales se plantea como un gesto necesario para redefinir los modos de producción y de lectura en las artes gráficas y pictóricas.

Todo se jugó en un instante: fotografía documental y archivos visuales de la infancia en la ciudad moderna

Nicolás Stutzin — 2026-04-08

Este artículo examina el papel que los registros fotográficos de niñas y niños jugando en la calle desempeñaron en los debates arquitectónicos de posguerra e investiga cómo, hasta la irrupción del color, la fotografía documental en blanco y negro contribuyó a forjar diversos imaginarios vinculados a la infancia. En el periodo comprendido entre el primer playground inaugurado por Robert Moses (1934) y el último diseñado por Aldo van Eyck (1978), se analizan y comparan tres casos paradigmáticos: las plazas de juego de Nueva York, Ámsterdam y Londres, cuyos archivos fotográficos fueron instrumentales en la configuración, difusión e historiografía de cada proyecto. El estudio sistemático de fondos municipales, colecciones históricas y repositorios institucionales llevado a cabo en estos tres escenarios evidencia que tales imágenes, más allá de documentar espacios recreativos, articularon visiones muy distintas sobre infancia, arquitectura y ciudad: legitimando discursos patrióticos en Estados Unidos; construyendo memoria colectiva en Holanda; y narrando la acción efímera y disruptiva de los adventure playgrounds ingleses frente a las lógicas de la planificación moderna. Este análisis permite, finalmente, situar dicho legado ante los desafíos contemporáneos de representación de la niñez en un contexto marcado por la postfotografía y la progresiva erosión del fotoperiodismo como registro crítico de lo urbano.

Evaluación háptica de texturas geométricas en materiales gráficos inclusivos: aportes a la comunicación y el aprendizaje multimodal

Pilar Correa-Silva — 2026-04-08

El siguiente artículo presenta los resultados de un estudio dedicado a evaluar texturas geométricas generadas digitalmente y aplicadas a material gráfico inclusivo, con el propósito de identificar qué parámetros formales —forma, altura, densidad, direccionalidad y orden— favorecen la discriminación, el reconocimiento y la interpretación de información en relieve por parte de estudiantes con ceguera o baja visión.
Para ello se diseñó una batería de 18 texturas geométricas termoformadas en PVC transparente, seleccionadas previamente junto a expertos ciegos, y utilizadas en una serie de pruebas analíticas de comparación, discriminación y ordenamiento, además de ejercicios de interpretación de imágenes táctiles y mapas en relieve. Las evaluaciones se desarrollaron con niñas, niños y adolescentes con ceguera total o severa, con experiencia en lectura braille e imágenes táctiles.
Los resultados evidencian que las texturas táctiles, al ser interpretadas por medio de la hapticidad, no solo posibilitan la identificación y asociación de formas y estructuras que representen información gráfica, sino que también favorecen la discriminación perceptual y enriquece la experiencia cognitiva del usuario, incluyendo un atractivo estésico. La investigación aporta criterios y parámetros para el futuro desarrollo de materiales táctiles con fines educativos y de aprendizaje multimodal para personas con discapacidad visual.

Objetos cotidianos y territorio: Knolling con víctimas del conflicto armado en Colombia

Paula A. Escandón-Suárez — 2026-04-08

Este artículo explora la construcción social del territorio en Palestina, Caldas, Colombia, mediante la creación y análisis de composiciones fotográficas tipo Knolling de objetos cotidianos seleccionados por víctimas del conflicto armado. La investigación se enfoca en cómo la técnica artística del Knolling, aplicada a objetos significativos, puede revelar capas de lo que puede leerse desde el concepto de territorio, a partir de su base material y práctica, hasta lo sensorio-emocional y semántico. La investigación se centra en la pregunta: ¿Cómo las técnicas artísticas visuales con objetos cotidianos de víctimas del conflicto pueden revelar la construcción social del territorio? Los resultados demuestran que el Knolling reflexivo permite realizar una arqueología visual del territorio a través de las memorias y experiencias materializadas en los objetos cotidianos. Estos hallazgos no solo enriquecen la comprensión del territorio, sino que también inspiran el diseño participativo de una herramienta lúdica transmedia para agenciar la convivencia en contextos de posconflicto.

Fenomenología trascendental aplicada a la investigación en creación artística: la elaboración del retrato como investigación

Carlos Navarro-Moral — 2026-04-08

Investigar sobre el proceso de creación es un reto que enfrenta el ámbito de la investigación basada en arte. Son pocas las investigaciones que se han dirigido a mostrar la complejidad que conlleva el proceso de creación artística. La investigación que se muestra a continuación es un ejemplo de cómo acercarse al mundo de la creación artística para analizarlo y comprenderlo. Para ello se ha llevado a cabo un estudio fenomenológico trascendental durante la elaboración de dos retratos de una joven llamada Irene. Se ha comenzado haciendo un análisis profundo de la identidad de Irene mediante el uso de entrevistas semiestructuradas; a continuación, se han elaborado diarios reflexivos que recogen los procesos fenomenológicos trascendentales asociados a la elaboración de los retratos de Irene. El valor de esta investigación reside en que sus resultados muestran específicamente el análisis llevado a cabo sobre el proceso de creación artística abriendo, en alguna medida, “la caja negra” que encierra la magia del proceso creativo.

Narrativas nacionales y espectáculos nocturnos en 1937: las arquitecturas de agua y luz en las exposiciones de París y Düsseldorf

David Caralt — 2026-04-08

En mayo de 1937 se inauguraron a la vez dos exposiciones en Europa: la universal de París y la gran feria del Reich Alemán en Dusseldorf. Mientras que Francia presentó el tema del arte y la técnica aplicada a la vida moderna, Alemania expuso sobre la cultura productiva nacionalsocialista. En ambas ferias, arquitectos, artistas y técnicos diseñaron diversas coreografías de agua iluminada en el espacio público. Este artículo analiza y compara estas arquitecturas efímeras para determinar si jugaron un papel significativo en relación con las agendas nacionales de cada país, políticamente opuestas. Utilizando publicaciones coetáneas e imágenes de archivo, contrastamos aspectos como la ubicación estratégica de las fuentes dentro del recinto, la relación con recursos hídricos preexistentes, los sistemas técnicos desplegados, el papel de los espectadores o la producción iconográfica. Si Francia logró crear un monumento efímero mediante un ambicioso espectáculo integral diseñado colaborativamente y en coherencia con el lema de la exposición, en Alemania los juegos de agua y luz funcionaron solo como un entretenimiento nocturno sin alcanzar el nivel de sofisticación de otras escenografías políticas nacionalsocialistas.

Perfiles del alumnado de Educación Secundaria Obligatoria (ESO) en relación con la creatividad y la educación artística: una base para una enseñanza personalizada

Ana Leonarte-Benedí — 2026-04-08

La creatividad constituye una competencia esencial para el desarrollo personal, académico y social. En el contexto educativo, el desarrollo de la creatividad se ha convertido en un objetivo importante para potenciar, no solo la mejora de las habilidades creativas, sino también el desarrollo integral del alumnado. Esto es aún más importante en el caso de la educación artística, que se remarca como un espacio especialmente pertinente para el desarrollo de la creatividad. Sin embargo, conocer los perfiles iniciales del alumnado en relación con estas variables resulta esencial para poder potenciar su desarrollo. Por ello, a través de este estudio se pretende identificar perfiles dentro del alumnado en relación con la creatividad y la educación artística, y establecer una base empírica para la personalización del aprendizaje. Para ello se ha realizado un análisis de tipo clúster en una muestra de 441 estudiantes de educación secundaria de la Comunidad Autónoma de Aragón. Los resultados obtenidos han permitido establecer cuatro perfiles diferenciados en relación con la actitud y predisposición hacia la enseñanza artística, las habilidades creativas y la percepción hacia sus propias capacidades. Además, los resultados permiten ofrecer pautas pedagógicas básicas a implementar en cada uno de los perfiles del alumnado.

Hacia una nueva “vía de conocimiento y divulgación”. Introducción al Museo del Prado y los límites del documental de arte en la España de los años ochenta

Fernando Ramos-Arenas — 2026-04-08

Partiendo de Introducción al Museo del Prado, documental de arte realizado por el cineasta Basilio Martín Patino en 1987, este texto explora la relación entre el museo y el mundo audiovisual a mediados de los años ochenta. Por un lado, se pone el foco en una institución (el museo del título) interesada en redefinirse como algo más que “depósito” de obras, en llegar a otros públicos a través de otros medios. Por otro, la atención se centra en una historia del cine que entraba en aquellos momentos en un periodo de paulatina integración en un audiovisual de límites poco precisos. El texto ofrece un análisis de los materiales de producción de esta pieza, inédita hasta 2019, que se encuentran conservados en Filmoteca Española. Metodológicamente, este artículo se vale además de algunos planteamientos formulados en los últimos años desde la arqueología de los medios: así, más allá de las circunstancias que la atan al contexto español de principios de los ochenta, Introducción al Museo del Prado puede leerse dentro de la reorientación pedagógica de una cultura cinematográfica que, con el agotamiento del proyecto de la modernidad iniciado en la postguerra, explora sus límites redefiniendo sus tradicionales propósitos, usos y públicos.

Tunga y la Escuela de Arquitectura de Valparaíso, Chile (1960–1970): una mirada sobre redes e intercambios poéticos a través de las cartas

Julia Cavalcante de Andrade — 2026-04-08

Este estudio investiga las redes e intercambios poéticos entre el artista brasileño Tunga (1952–2016) y la Escuela de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso (PUCV). El recorte abarca las décadas de 1960 y 1970, período en que Tunga, acompañando a su padre, el poeta Gerardo Mello Mourão, tuvo contacto con la escuela chilena, marcada por una pedagogía integradora entre arquitectura, artes visuales y poesía. La investigación se basa principalmente en el análisis de cartas recibidas por Tunga de profesores fundadores de la escuela, Alberto Cruz, Godofredo Iommi, Manuel Casanueva y José Vial Armstrong, complementadas con manuscritos y entrevistas del artista. El método combina el análisis de fuentes primarias con marcos teóricos de biografía intelectual (Dosse), biografemas (Barthes) y teoría actor-red (Latour, Lepetit), lo que permite mapear identificar interlocutores clave. El análisis evidencia que estas relaciones se prolongaron más allá de la juventud de Tunga, sosteniendo intercambios afectivos, pedagógicos y poéticos hasta las décadas de 1980 y 2000. A través de las cartas, se observa que la interacción con la Escuela de Valparaíso constituyó un fragmento esencial en el recorrido creativo de Tunga, destacando la importancia de experiencias formativas para comprender su trayectoria artística desde una perspectiva ampliada.

Principios Biosistémicos y Gigamaps para la Visualización de la Complejidad: El Caso de la Construcción de una Línea de Investigación en Diseño

Ever Patiño — 2026-04-08

Este artículo propone un marco de principios biosistémicos para visualizar y gestionar la complejidad mediante Gigamaps, abordando el vacío de un lenguaje y semántica unificada en diseño sistémico. Con base en los principios de sistemas vivos —entropía, autoorganización, interdependencia, emergencia y evolución —, y las propiedades de las redes sistémicas — autolimitado, autogenerado, autoperpetuante — se construyó y analizó, a través de talleres participativos e iteraciones visuales, una Línea de Investigación en Diseño (LIDD) de un departamento universitario con enfoque biocéntrico. La metodología combinó un registro sistemático de 60 productos de investigación con mapas progresivos, codificando relaciones y principios para revelar nodos críticos y subsistemas coherentes. Los resultados muestran entre otros hallazgos: (i) interdependencia como propiedad transversal que estructura redes no lineales; (ii) autoorganización de subsistemas sin control central; (iii) la entropía como fuerza habilitadora de reconfiguraciones asimétricas; y (iv) emergencia y autogeneración de conceptos durante la maduración del mapa. Se presenta una tabla operativa de señales y heurísticas para mapear cada principio biosistémico en fases de registro y síntesis de información. El estudio concluye que estos principios hacen a los sistemas más legibles, gobernables y evolutivos sin pérdida de identidad.

De Rafael Sanzio a Juan Bautista de Toledo: indicios del dibujo renacentista en España antes de las trazas para el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

Antonio J. García-Ortega — 2026-04-08

El dibujo arquitectónico español anterior a las trazas de Juan Bautista de Toledo para El Escorial, realizadas a partir de 1560, ha sido adscrito al proceder gótico. Esto supone un desfase de décadas respecto al nuevo dibujo renacentista italiano, que ya hacia 1518-19 tuvo una formulación teórica coherente en la “Carta a León X”, atribuida a Rafael Sanzio y Baltasar Castiglioni. Sin embargo, un análisis detallado de las características del dibujo español entre ambas fechas, aquí abordado, identifica algunos cambios y precisa esta problemática. Ciertos aspectos gráficos o dimensionales parecen incorporarse antes, debido tanto a influencias foráneas como a una lógica evolución local. En cambio, el dibujo conjunto de la planta, alzado y sección del edificio, por su mayor incidencia en los procesos proyectuales, fue más difícilmente asimilado, incluso tras la experiencia escurialense. La investigación profundiza en una intensa etapa de transformaciones en los usos gráficos del arquitecto, analiza sus causas y objetiva útiles criterios para reestudiar el dibujo arquitectónico español del momento. También permite, a la postre, reflexionar sobre las siempre complejas relaciones entre arquitectura, proyecto y medio gráfico.

Imágenes silenciadas. La colaboración de Lydia Delectorskaya en el atelier de Matisse

Magdalena Jaume-Adrover — 2026-04-08

Esta investigación analiza la colaboración entre Lydia Delectorskaya y Henri Matisse a partir de un corpus documental de imágenes tomadas en el estudio del pintor, donde se observa a Delectorskaya interviniendo en las obras con una presencia constante y decisiva. Entre 1935 y 1954, Lydia D. registró sistemáticamente la evolución de los lienzos, compilando en sus álbumes personales fotografías y notas propias, junto con algunas dictadas por Matisse. De forma casi inmediata, este gesto se integró en el proceso pictórico del estudio, permitiendo revisar los cambios que las pinceladas ocultaban, retornar a estados previos o ensayar transformaciones radicales. Parte de esta minuciosa documentación pictórica fue publicada por Lydia Delectorskaya en dos de los tres volúmenes previstos (1986 y 1996); sin embargo, a pesar de su valor inestimable, tanto estos libros como los numerosos regalos y dedicatorias que Matisse le ofreció siguen prácticamente ignorados. Entre ellos, un enigmático dibujo –dos troncos entrelazados dedicado a Lydia D., de 1939– revela, mediante el mito de Dafne, el estrecho vínculo afectivo y estético que ambos compartieron durante más de dos décadas, una relación cuya intensidad, pese a su evidencia, continúa silenciada en la historiografía oficial.

Mediación artística para la inclusión socioeducativa de familias gitanas

M.ª Dolores López-Martínez — 2026-04-08

Este artículo presenta la sistematización de una experiencia de mediación artística desarrollada en el barrio San José Obrero (Alcantarilla, Murcia), un contexto caracterizado por vulnerabilidad socioeducativa y una presencia significativa de población gitana. El estudio examina cómo un proceso creativo colectivo, diseñado específicamente para un grupo de mujeres gitanas y sus hijos e hijas, puede favorecer dinámicas de participación, reconocimiento cultural y fortalecimiento comunitario. La investigación se llevó a cabo mediante un estudio de caso con enfoque cualitativo, combinando observación participante, análisis de producciones visuales y registro etnográfico. Los resultados muestran que la mediación artística facilitó la emergencia de narrativas identitarias, la expresión emocional y la construcción de vínculos significativos entre las participantes, además de activar procesos de apropiación simbólica del espacio comunitario. Asimismo, se identificaron condicionantes culturales que influyeron en los ritmos y formas de implicación del grupo. El artículo discute las implicaciones educativas y sociales de la mediación artística en contextos de exclusión y propone claves para el diseño de intervenciones culturalmente situadas.

Un derrame de color. La acuarela como herramienta para la rehabilitación de las funciones cognitivas visuoespaciales tras un daño cerebral adquirido

Norberto González-Jiménez — 2026-04-08

Este trabajo presenta el testimonio de las principales aportaciones del uso de la técnica pictórica de la acuarela como herramienta de trabajo complementaria para la rehabilitación de las funciones cognitivas de atención visuoespacial tras un daño cerebral adquirido. Se abordan aspectos relacionados con los déficits en el proceso agnósico del reconocimiento de la forma y el espacio en la representación, haciendo un breve recorrido comparativo de los resultados obtenidos en la realización de ejercicios prácticos de rehabilitación neurológica con acuarela. Se analizan los resultados en el proceso de reconocimiento de la forma y el espacio en la representación plástica, teniendo en cuenta los principales déficits y alteraciones de las áreas implicadas que se muestran visibles. La función terapéutica de la acuarela constituye en este estudio una propuesta de trabajo de rehabilitación para ayudar a todas las personas, con o sin daño cerebral, a sentirse más seguras y confiadas en sus habilidades.

Arte accidental: análisis visual de las panorámicas de paisaje elaboradas para la Guerra Civil Española

Santiago Elía-García — 2026-04-08

Tras el estallido de la guerra civil española, el territorio quedó dividido en sectores controlados por los bandos enfrentados. En pocos días, se trazaron frentes que surcaban el país y configuraban nuevas fronteras, algunas de las cuales permanecieron estables durante largos periodos. Esta situación propició que, por razones bélicas, el paisaje se convirtiera en objeto de estudio desde ambos flancos. El presente artículo analiza escenas derivadas de dicha observación, representadas mediante una metodología rigurosa orientada a registrar la información visual del territorio de combate como apoyo a la toma de decisiones estratégicas. Este proceso generó un conjunto de documentos gráficos de notable valor estético. Las conclusiones obtenidas a partir de la observación detenida de estos materiales respaldan la tesis de que el rigor técnico y la disciplina en el proceso de elaboración creativa conducen, de manera no intencionada, a resultados atractivos y conmovedores. Estos registros pueden considerarse manifestaciones de arte accidental. Asimismo, se comparan panorámicas obtenidas mediante distintas herramientas gráficas, evaluando el alcance de cada una. Se confronta el papel sintético del dibujo manual con la función totalizadora de la fotografía, técnicas muy diferentes que se complementaron para ofrecer una representación visual más completa de un mismo territorio.

Educación Artística Inclusiva e Inteligencia Artificial: análisis discursivo comparativo entre Ana Mae Barbosa y su avatar digital

Carlos Escaño — 2026-04-08

El presente artículo deriva del proyecto de investigación [Referencia anonimizada para revisión] y supone un análisis comparativo de dos entrevistas realizadas, de manera respectiva, a la reconocida educadora artística Ana Mae Barbosa y a su avatar digital IA·MAE para explorar convergencias y diferencias de sus discursos vinculantes a la educación artística inclusiva. El avatar fue implementado en LLMEducakit, una plataforma propia especializada en aplicaciones educativas de Inteligencia Artificial Generativa. El estudio comparativo implica una codificación abierta - axial realizada mediante QualCoder, análisis de frecuencias en la intersección de códigos, co-ocurrencias y lectura discursiva. Como resultados, se ha hallado afinidad temática (marcos críticos y aspectos tecnoculturales), sin embargo, se advierte una divergencia performativa: el avatar se concentra en el registro teórico programático, mientras que la voz real de Barbosa se sitúa en el marco empírico de decisiones, ejemplos y personalización, ofreciendo un mayor índice de pragmatismo y transferibilidad.

Del Hic Mulier a la virago queer. La masculinidad femenina en el arte contemporáneo español

Mireia Ferrer-Álvarez — 2026-04-08

El presente artículo se propone abordar la naturaleza que ha definido la masculinidad femenina, así como las diversas morfologías que esta ha manifestado en el arte contemporáneo español. El análisis pone el acento en el carácter performativo, inestable y voluble de la construcción identitaria, en diálogo con las teorías deconstructivistas posmodernas desarrolladas por Butler, Halberstam, Kosofsky Sedgwick, Preciado, Haraway o Braidotti, entre otras. En este marco, se examinan distintas propuestas artísticas que transitan entre la concepción del género inscrita en el hábito, su manifestación en el ámbito de las acciones y su proyección en el universo prostético. Tales estrategias no solo desmontan las categorías normativas del género, sino que, simultáneamente, hacen visibles sus propias dimensiones como práctica de suplantación. En todas ellas se reconocen, asimismo, recursos recurrentes como la hipérbole, la parodia y el simulacro, herramientas que articulan metodologías disidentes frente al monolítico constructo ontológico racionalista heteropatriarcal. Nos referimos a obras que transitan de lo plástico a lo encorporeizado y que han contribuido a visibilizar e ilustrar realidades, al tiempo que configuran y urden nuevos presentes.