Arte, Individuo y Sociedad

Por no perder la vivienda. Narrativas de desposesión en el cine durante el franquismo (1957-1969)

2021-02-04T10:24:47+00:00

Durante el franquismo fueron filmadas muchas películas que reflejaban la problemática de la vivienda, algunas de ellas muy relevantes en el ámbito de la cinematografía española. En función de su contenido ideológico sufrieron diferentes avatares con la Junta de Evaluación y Censura, el organismo que determinaba la calidad de las obras fílmicas y decidía la versión final del guion. Este artículo propone agrupar una serie de títulos en dos narrativas de desposesión distintas, así como analizar su relación con el aparato ideológico del estado. El marco temporal va desde 1957 hasta 1969 y lo delimitan las películas El inquilino y Un millón en la basura. Se pretenden demostrar los condicionamientos y modificaciones que tuvieron que enfrentar las películas críticas de la época, así como también la existencia de un cine alineado con el relato oficial sobre políticas de vivienda.

El módulo constructivo y la orientación del Palacio de Carlos V de Granada: arte, geometría y símbolo

2021-02-04T10:25:00+00:00

El presente artículo es fruto de la aplicación del software matemático GeoGebra como herramienta analítica e interpretativa en el estudio histórico de la arquitectura. En concreto, su utilización sobre la planimetría del Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada ha permitido presentar contribuciones en dos cuestiones importantes. La primera es el descubrimiento de su módulo constructivo, lo que permitiría avalar el estrecho control de Pedro Machuca en las primeras fases de su edificación. A este respecto describimos el módulo como el radio de la capilla y analizamos la modulación de los elementos que componen la planta, haciéndola coherente con su diseño ad quadratum. La segunda refiere a los condicionamientos relativos a la orientación geográfica del conjunto, donde discutimos sobre las argumentaciones aportadas en la singular desviación respecto a la Alhambra, para concluir que ésta viene dada por la dirección a Jerusalén, como referente doctrinal para el imperio carolino.

Formación docente para la educación artística en Chile. El desafío cultural pendiente en las escuelas primarias

2021-02-04T10:25:14+00:00

El presente artículo aborda la situación de la formación docente de quienes enseñan Artes en educación básica, a partir de una investigación exploratoria realizada en 101 escuelas ubicadas en tres zonas geográficas de Chile (Los Lagos, San Antonio y Santiago). Los resultados surgen del análisis de tablas de contingencia a partir de los datos extraídos de una encuesta aplicada a dichos docentes entre 2014 y 2017, con el propósito de conocer su formación en educación artística. Entre los hallazgos más relevantes destacan las diferencias de formación docente según género, dependencia administrativa (municipal, subvencionada, privada) y ubicación geográfica. Así, junto con caracterizar el perfil docente de 199 profesoras y profesores que enseñan Artes Visuales o Música en 24 comunas de Chile, se aportan antecedentes inéditos sobre la carencia de formación del profesorado en educación artística, situación que se agudiza en el caso de las profesoras mujeres y la educación municipal. Un alto porcentaje del profesorado que enseña Artes carece de formación universitaria disciplinar que lo habilite para ejercer con propiedad dicha enseñanza en educación primaria. Esta situación no solo limita y empobrece el acceso y las oportunidades que niños y niñas puedan tener para conocer, cultivar y disfrutar el enorme potencial de las Artes, sino también dificulta la implementación de una educación artística y estética al nivel que se requiere para promover el desarrollo cultural del país.

La interdisciplinariedad en la construcción de Eru, un videojuego educativo

2021-02-04T10:25:31+00:00

Los avances tecnológicos, y las nuevas formas de relacionamiento digital propios de las sociedades postindustriales, han encontrado en los videojuegos herramientas interesantes, que pueden ser utilizadas para estimular aprendizajes variados en niños y adolescentes alrededor del mundo. No obstante su atractivo, la construcción de un videojuego con fines educativos es una tarea compleja, que requiere del trabajo colaborativo entre profesionales especializados en los diversos frentes que demanda el desarrollo de un producto pedagógico, innovador en tecnología: científicos de las ciencias exactas, de las ciencias humanas, y artistas. El presente artículo recoge las experiencias del trabajo interdisciplinario de profesionales en psicología, diseño gráfico, ciencias computacionales y música, para la construcción de un videojuego educativo cuyo objetivo es fortalecer competencias socioemocionales en los niños y ayudar a prevenir conflictos escolares. A lo largo de texto compartimos las metodologías de trabajo interdependiente por medio de las cuales logramos transferir los conocimientos disciplinares específicos hacia el desarrollo de un producto de servicio que apunta a la transformación del tejido social de una comunidad.

La metáfora del hilo en la práctica artística. Alegorías de un viaje

2021-02-04T10:25:46+00:00

Bajo la premisa de que, la tradición alegórica se ha trasladado durante siglos al imaginario popular colectivo gracias a la incesante transmisión de ciertas cosmogonías, mitos y leyendas por medio de todo tipo de medios como los orales, los impresos o los audiovisuales, el presente texto tiene como objetivo otear cómo el arte contemporáneo sigue generando procesos de semiosis fundamentados en este tipo de evocaciones, centrándonos únicamente en el enclave interpretativo del hilo y sus adyacentes –como la acción de tejer–. Nos ayudaremos para ello de los estudios sobre mitología antigua y cultura indígena de autores como Danesi (2004), Pintado (2012) Aguilera (2014) y Fernández (2012), para relacionarlos con la práctica artística, especialmente en torno a la obra de dos autoras contemporáneas que han hecho del hilo su material plástico: en este caso, artistas de la talla de la chino-estadounidense Beili Liu y la franco-americana Louise Joséphine Bourgeois.

Prácticas feministas en el cine documental español contemporáneo. Reflexiones a partir del análisis de La casa de mi padre (Francina Verdés, 2014) y Mater Amatísima (María Ruido, 2018)

2021-02-04T10:26:02+00:00

La popularización del macrogénero documental ha coincidido con la amplia presencia pública que los movimientos feministas han adquirido en los últimos años en España. En esta intersección, se han estrenado algunas películas de no ficción dirigidas por mujeres que exponen y denuncian las desigualdades de género mediante el uso de lenguajes creativos y rompedores para con la mirada heteropatriarcal del cine hegemónico. Este artículo se sitúa en el campo de estudio del documental feminista en España y se propone reflexionar sobre la capacidad del cine documental de tratar de manera radical la cuestión de la identidad de género a partir del análisis de La casa de mi padre (Francina Verdés, 2014) y Mater Amatísima (María Ruido, 2018). Se trata de dos piezas de tono subjetivista en las cuales sus directoras retoman legados feministas como la primera persona, las prácticas performativas y la empatía dialógica. A través de estas estrategias, cuestionan otra herencia: los procesos de mediatización en tanto prácticas de normalización de la desigualdad.

Fontcuberta, humorista y demiurgo: Mundos Alternativos Perfectamente Amueblados (MAPA)

2021-02-04T10:26:17+00:00

En esta era de posverdad, fake news y deepfake (específica alteración digital fraudulenta de documentos audiovisuales) es necesario no solo reclamar el compromiso con la verdad del informador, sino la preservación de un espacio para la ficción que no sea estigmatizado. Las ficciones artísticas son territorios delicados que han de mantener su capacidad irrestricta de revelar mediante metáforas o ironías porciones de lo real, y al tiempo imaginar mundos alternativos que desearíamos visitar (o, al contrario, de los que abominaríamos). El texto que sigue repasa cronológicamente y analiza la obra de un excepcional creador de mundos a través de imágenes, Joan Fontcuberta, con la premisa de que cada una de sus colecciones es la metódica construcción de una porción de universo. En cuarenta años de incesante creación (y reflexión sobre ella), ha parodiado gran número de discursos: científico, periodístico, histórico, religioso, artístico y de las nuevas tecnologías. La vía para conseguirlo era crear pequeños mundos y mostrarnos, con ironía, pruebas fotográficas de su existencia: fauna, flora, restos fósiles y aerolitos extraterrestres, constelaciones, accidentes geográficos y razas ignotas, astronautas y milagros, científicos y terroristas, noticiarios, periódicos, curadores de arte y artistas, incluso instituciones museísticas donde esas obras inventadas (doblemente) se expondrían. La suma de esos mundos parciales constituye un Mundo Alternativo Perfectamente Amueblado (MAPA), una cartografía casi tan completa y exigente en su coherencia interna como las que contenían la borgiana Enciclopedia de Tlön o las ficciones de Tolkien o George R. Martin.

Restituir el gesto extraviado. Extrañamiento, intervalo y shock en la obra de Chema Madoz

2021-02-04T10:26:31+00:00

La mirada de Madoz, vuelta hacia una realidad escondida, hacia aquello meramente entrevisto, lo invisible de lo visible, detenta la capacidad de hurgar en lo que nos envuelve, estableciendo correspondencias analógicas entre las cosas. Confronta al receptor con sus automatismos y rutinas, haciendo tambalear la mecanización tanto de la mirada como del pensamiento. Este trabajo se centra en los mecanismos de funcionamiento de la fotografía de Madoz, obra poliédrica que urge una mirada interdisciplinar. Se hace inevitable abrir el foco metodológico y abordar la obra de Madoz desde los estudios comparativos interartísticos, por lo que se analiza la imagen madoziana a partir de un armazón teórico conformado por el recurso de la ostranenie o extrañamiento de Viktor Shklovski y el formalismo ruso, el distanciamiento de Bertolt Brecht, la interrupción y el shock teorizados por Walter Benjamin, así como la inorganicidad de la obra de arte sistematizada por Peter Bürger. Este armazón teórico ha de permitir comprender la manera en que se compone y opera la fotografía de Madoz, así como donde radica la potencia desautomatizadora de la imagen madoziana.

El objeto de diseño como paradigma fílmico: Una revisión a los principios creativos de La naranja mecánica

2021-02-04T10:26:44+00:00

El primer “pliegue” argumental que se produce en el metraje de La naranja mecánica (1971) coincide con el final de la secuencia que transcurre en la residencia de la Sra. Weathers. Concatenadas por una sucesión de fechorías a cargo de los Drugos, cada una de esas escenas se construye sobre un dominio visual en el que Kubrick, deliberadamente, “aísla al espectador [obligándolo] a establecer la conexión narrativa solo a través de la imagen” (Walker, 1975, p. 257). Una imagen que suscribe el valor del objeto de diseño desde su identidad gráfica, industrial y urbanística, para confortar la escenografía y la relevancia del relato. Metodológicamente, el patrimonio objetual de 2001: Una odisea del espacio (1968) se convierte aquí en un catalizador iconográfico de la narrativa visual que Kubrick aplicaría posteriormente sobre la “epidermis” de La naranja mecánica. Asimismo, el objeto de diseño, en su condición material o abstracta, alcanza en el presente estudio un protagonismo que se cuantifica en los impactos visuales registrados temporalmente en las escenas del fragmento intervenido. En suma, un análisis de contenido en torno al objeto como constructo fílmico, que evidencia —como resultado— la fascinación de Kubrick por el diseño en cualquiera de sus órdenes.

Las artes decorativas, un camino hacia la modernidad: Matilde Calvo Rodero y Victorina Durán

2021-02-04T10:26:58+00:00

Muchos son los esfuerzos que desde hace tiempo se vienen produciendo por concederle a las mujeres el lugar que le corresponde en el arte. Sin embargo, menos se ha atendido a la función de estas en el arte decorativo, una rama a veces marginal en la historiografía —especialmente la del siglo XX—, al igual que a las artistas que lo han cultivado. En 1899 nacían Victorina Durán y Matilde Calvo Rodero, dos creadoras que se formaron, trabajaron y expusieron juntas. Se trata de uno de los escasos ejemplos hasta ahora documentados de amistad, colaboración y a veces autoría creativa compartida entre mujeres artistas de su época, que ilustra el cambio que encarnó toda una generación moderna que dignificaría las técnicas y obras de las artes decorativas. Con todo, siguen siendo unas grandes desconocidas. Este estudio tiene como objetivo estudiar las trayectorias y circunstancias de estas artistas, subrayando su aprendizaje y orientaciones estéticas, y analizando su producción artística, así como su actividad docente. Mediante la puesta en valor de las modernas aportaciones de ambas, pretendemos contribuir a la incorporación de su obra y la reivindicación de sus soportes y formatos en los relatos de nuestra historia cultural reciente.

Estéticas de lo precario. Capitalismo, economía y visualidad en Santiago Sierra y Francis Alÿs

2021-02-04T10:27:09+00:00

Las políticas neoliberales propias de la globalización han impactado en numerosos proyectos del campo del arte contemporáneo. Algunas de esas expresiones visuales se han centrado en relevar la desigualdad y la pauperización, la precariedad laboral, los desplazamientos forzados o la falta de acceso al sistema económico regulado. En este texto se revisarán los casos de Santiago Sierra (España) y Francis Alÿs (Bélgica), dos artistas con trayectorias internacionales consolidadas que se han caracterizado por cuestionar los estertores del capitalismo financiero en sus aspectos éticos, culturales y políticos. Santiago Sierra ataca problemáticas sociales desde un flanco político con intervenciones que evaden las categorías convencionales para abordar el arte. Francis Alÿs explora aquellos actos mínimos que se apartan de la lógica utilitaria impuesta por el mercado para arribar a resultados inéditos. A la luz de algunas nociones teóricas de Dominique Wolton, Renato Ortiz y Samir Amin sobre mundialización y capitalismo, se analizarán propuestas artísticas en el marco de los que denominaremos estéticas de lo precario, es decir, modos críticos de interpelación en el plano real.

La construcción sensible del espacio privado en la modernidad líquida: el cuarto propio conectado

2021-02-04T10:27:32+00:00

Este artículo analiza las transformaciones que las nuevas tecnologías de los medios de información y comunicación han generado sobre los individuos, su forma de relacionarse y su noción de privacidad. Desde finales del siglo XX hasta hoy, en un escenario hipervinculado y global, constituido por personas igualmente hiperconectadas, éstas a su vez han modificado y adaptado su entorno dibujando un nuevo concepto de espacio privado: el cuarto propio conectado. Este habitáculo escenifica la inmaterialidad e inestabilidad de la “modernidad líquida” descrita por Zygmunt Bauman. El proyecto New Babylon que Constant construye basándose en el homo ludens de Huizinga nos va a servir como referencia para identificar las alteraciones que se están produciendo en el uso del ámbito privado en la actualidad condicionado por las nuevas tecnologías. La generación Z, jóvenes que han nacido y se están educando en perpetua interacción con pantallas, ordenadores y redes sociales ya están ilustrando una compleja área privada sin límites precisos, fluida e interactiva. Nos proponemos delimitar algunas metamorfosis vitales que están sucediendo en los individuos y constatar cómo éstas desmaterializan y diluyen el límite de lo público y lo privado, así como los procesos que configuran la obra de arte.

Narrativas transmedia sociales en el ámbito hispanoamericano (2014- 2018)

2021-02-04T10:27:45+00:00

La investigación se centra en el análisis de las principales características de las Narrativas Transmedia Sociales, proyectos que emplean una estrategia transmedia para lograr la concienciación hacia un cambio social. Este objeto de estudio no ha sido sistematizado hasta el momento desde el punto de vista académico, a diferencia de las producciones transmedia de ficción o periodísticas/ documentales. Se han recopilado el conjunto de narrativas transmedia producidas en el quinquenio 2014-2018 en el ámbito hispanoamericano. Mediante el análisis de contenido, se han analizado sus principales características atendiendo a autoría, temática, narrativa, plataforma, públicos, interacción y monetización. El trabajo concluye que se trata de proyectos vocacionales, no clausurados, en los que la web, el documental y el libro destacan como plataformas más importantes. Las temáticas predominantes ponen el foco en la igualdad de género (muy especialmente), el cuidado de la naturaleza y los animales y la integración del diferente.

Aprendizaje y práctica del diseño en contextos de diversidad: una aproximación basada en metodologías abiertas

2021-02-04T10:27:58+00:00

. Los métodos de diseño con enfoques de tipo abierto facilitan la adaptación de los proyectos a situaciones cambiantes y de alta complejidad. Además, en el aprendizaje de este tipo de enfoques de diseño coexisten multitud de metodologías basadas en la flexibilidad y la implicación de los usuarios. Se presenta aquí una experiencia que combina la práctica del diseño desde una aproximación abierta con una metodología de aprendizaje que adapta el diseño de productos y servicios a las necesidades de los colectivos que participan en su desarrollo. Como aproximación teórica se analizan conexiones entre la teoría de las capacidades potenciales de Amartya Sen y métodos basados en el factor humano, proponiendo una concepción del diseño entendida como práctica que amplía la capacidad de acción de los usuarios. Partiendo de ese marco, se describen cuatro proyectos realizados por estudiantes de diseño industrial y mobiliario, que llevaron a cabo sus prácticas con personas con diversidad funcional. En la búsqueda de soluciones, cada proyecto demandó una estrategia de diseño diferente según el elemento que centró la intervención: objeto, proceso, servicio/sistema, y proceso cognitivo. Los resultados muestran la potencialidad de los métodos abiertos para reforzar la agencia de colectivos y personas que participan en los proyectos de diseño, especialmente cuando las intervenciones se realizan en contextos sociales con limitaciones y requerimientos significativos para el diseño de productos y servicios.

Liberando la carga en lienzo: historias de arte y migración

2021-02-04T10:28:11+00:00

El tejido de la ciudad de Tijuana está urdido por múltiples historias migratorias, siendo un lugar de aterrizaje y de paso, un vestíbulo para el que emigra mientras encuentra su lugar en el mundo, o bien, para residir. Estas historias, en su mayoría invisibilizadas, comprenden otras formas de transitar la vida y nos muestran las dificultades para subsistir que se presentan camino a su destino. Así, el propósito del presente estudio es dar espacio (lienzo) para plasmar emociones, experiencias, sueños e historias de migración, manifestarlo en obra artística y compartirlo mediante un programa de arteterapia llevado a cabo en dos albergues de esta ciudad. Durante la intervención, observamos que, efectivamente, el arte y sus manifestaciones son un medio para fomentar resiliencia, la expresión de emociones y pesares; al mismo tiempo que posibilita la toma de decisiones. Los participantes manifestaron alivio ante la ansiedad y desahogo de emociones tales como el dolor, tristeza y enojo, a la vez que despertaron alegría y gozo; refirieron también, haber recobrado motivación y coraje para continuar su trayecto. Entre los frutos de la intervención destacan la creación de redes de apoyo, recuperar claridad y aliento, y la posibilidad de expresar sus travesías.

Origen iconográfico y proceso de creación de la Niña muerta (1957) de Antonio López. La relación de la fotografía y la pintura bajo el signo del apropiacionismo

2021-02-04T10:28:32+00:00

Este artículo propone una descodificación del cuadro Niña muerta (1957) de Antonio López. Una pintura clave de los años cincuenta que debe ser abordada desde varias perspectivas de interpretación para comprenderse en su totalidad. Con tal propósito este estudio plantea en su desarrollo el análisis tanto de su origen iconográfico como de su construcción morfológica, para así aclarar las diferentes tácticas que el artista asume en su estructuración ideológico narrativa. En este sentido, presentamos un texto en el que se evidencia, por un lado, el uso de la fotografía por parte del artista como fuente de inspiración para la creación de esta pieza, tratándose en profundidad el proceso apropiacionista que efectúa López para concebirla –bajo el parámetro de fusión de lo fotográfico con lo pictórico como estrategia representativa–. Mientras, por otro, se pone de manifiesto la clara convivencia idealizada de la realidad e irrealidad en la misma, manifestándose en consecuencia como una pintura esencial en la composición de su época surrealista.

Lenguaje iconográfico de las culturas prehispánicas

2021-02-04T10:28:44+00:00

Movimiento Moderno Tapatío. Edificios públicos

2021-02-04T10:28:57+00:00