Arte, Individuo y Sociedad (ISSN 1131-5598, ISSN-e 1988-2408) es una revista de periodicidad trimestral que publica artículos y trabajos de investigación sobre las artes visuales y sus relaciones con el contexto social, histórico, político y cultural desde distintos campos científicos, especialmente la creación y la educación artística. Además de artículos científicos, se incluyen también reseñas bibliográficas o de exposiciones, entrevistas y se aceptan propuestas para portadas. La plataforma está siempre abierta para los envíos, y la temática de los artículos se circunscribe al ámbito de las artes visuales, como se especifica en las normas para autores.
La revista Arte, Individuo y Sociedad, para fomentar el intercambio global del conocimiento, facilita el acceso sin restricciones a sus contenidos desde el momento de su publicación en la presente edición electrónica, y por eso es una revista de acceso abierto. Los originales publicados en esta revista son propiedad de la Universidad Complutense de Madrid y es obligatorio citar su procedencia en cualquier reproducción total o parcial. Todos los contenidos se distribuyen bajo una licencia de uso y distribución Creative Commons Reconocimiento 4.0 (CC BY 4.0). Esta circunstancia ha de hacerse constar expresamente de esta forma cuando sea necesario. Puede consultar la versión informativa y el texto legal de la licencia.
La investigación sobre montaje cinematográfico en Web of Science en communication, film, radio & television, psychology y neurosciences & neurology
Este artículo presenta un análisis descriptivo de los artículos científicos presentes en Web of Science que atienden al montaje cinematográfico entre 1976 y 2019 (n 148). El análisis bibliométrico atiende al autor, sexo, universidad de afiliación, idioma, revista, nacionalidad de la revista, año de creación de la revista, tipología del trabajo, palabras clave, año de publicación, número de citas recibidas y categoría de WoS en la que se recogen las publicaciones. Además, se realiza un análisis cuantitativo de los resúmenes y textos de las publicaciones disponibles en línea, cuya finalidad es detectar los temas, muestras y metodologías frecuentemente empleados. Los resultados ponen de manifiesto que desde 2015 se ha producido un leve aumento del interés en el montaje. Aún así, su atención es escasa. Pese a que hay un mayor número de revistas que atienden al tema, cada una publica únicamente un artículo al año sobre montaje. Las revistas con más artículos sobre montaje son británicas y estadounidenses, pero también destaca la española Atalante. La mayor parte de publicaciones se realizan en revistas que abordan el montaje desde una perspectiva cognitiva o neuropsicológica, que son las que aglutinan los artículos más citados. Las investigaciones sobre montaje suelen presentar análisis del montaje de la filmografía de algún autor o de técnicas o largometrajes específicos. Siguen mayoritariamente una metodología cualitativa, centrada en recursos o autores vinculados al montaje constructivo principalmente, o presentan experimentos neuropsicológicos.
Derechos de autor 2021 Arte, Individuo y Sociedad
Robert Davol Budlong: el diseño industrial de radios y accesorios para el nuevo hogar
La aparición de nuevos materiales y procesos técnicos trajo consigo la evolución del diseño industrial, una de las disciplinas más decisivas en la evolución de la humanidad hacia el conocido como estado del bienestar, dando sus primeros pasos en la década de los 30. La sustitución de materiales naturales por otros sintéticos hizo que, por primera vez, se pudiera realizar todo aquello que se pensaba, dando origen al paraíso de los objetos que la alquimia contemporánea del plástico y la introducción de nuevas técnicas permitían en su fabricación. El desarrollo del consumo en masa que propiciaron los objetos de plástico hacía necesaria la figura del diseñador. Su papel se irá imponiendo incluso a la figura del artista, llegando a influir directamente no sólo en los procesos de fabricación sino también en su estructura y por supuesto en el aspecto final del objeto. Este artículo, fundamentado en la obra de Robert Davol Budlong, uno de los grandes diseñadores norteamericanos, está basado, principalmente, en el estudio de los formularios de aplicación para patentes en la United States Patent and Trademarks Office accesible on-line (USPTO. 2019). De esta forma documentamos la autoría de numerosos objetos que dieron los primeros pasos hacia la contemporaneidad.
Indagaciones sobre los Procesos de Creación Artística desde la Práctica
Este artículo propone un acercamiento a la construcción de significados durante los procesos de creación. Es una indagación que se ha realizado desde la propia experiencia creativa. Pretendemos reconocer alguna de las motivaciones creativas, centrándonos en las formas de definir los intereses y las intenciones comunicativas. Aceptamos desde el inicio que las intenciones creativas pueden ser volátiles, difusas y cambiantes, como también lo son, a lo largo del tiempo, las interpretaciones de las obras producidas. La propia experiencia creativa será el material de observación con las ventajas que conlleva (proximidad de la experiencia) y las desventajas (la desviación subjetiva). Desestimamos cualquier intento de generalización metodológica. Sin embargo, otros autores pueden haber experimentado procesos paralelos. El concepto de “investigación artística”, actualmente muy debatido, nos servirá de marco teórico referencial.
Derechos de autor 2020 Arte, Individuo y Sociedad
Vivir tras la catástrofe. El arte como intersección entre la imagen viviente y la conciencia. Una aproximación a la serie 'Chernobyl' desde la ontología de la imagen
El presente artículo se aproxima a la catástrofe a partir de la serie Chernobyl haciendo un ejercicio investigativo orientado entre el análisis y la trasgresión para indagar nuestra contemporaneidad a partir de establecer una actitud interpretativa que considera el contenido de la serie como base del desafío de la acción y el desborde de la técnica moderna, asunto que será tratado desde las operaciones de pensamiento de Heidegger y Deleuze, lo cual constituye un entretejido que logra religar las posiciones de estos filósofos. La elección de Chernobyl queda justificada por tratarse de una muestra de la interacción intermedial en la que se han convertido algunas series, al contar con unos contenidos que van allá del mero entretenimiento y que se erigen en producciones audiovisuales que tocan las dimensiones más hondas y complejas de nuestra existencia. Razón por la cual, constituye un entorno reflexivo fundamental para pensar la intersección entre la imagen viviente y la conciencia.
Mutaciones del espacio escénico en la era digital
Las artes escénicas contemporáneas favorecen la intermedialidad, la hibridación y el diálogo entre múltiples medios y lenguajes. Con la expansión de la tecnología digital, las artes en vivo experimentan nuevas posibilidades que, a menudo, afectan directamente a la misma ontología del teatro. En este artículo se pretende ahondar concretamente en la noción de espacio escénico y detectar los aspectos que más se han transformado respecto a la noción tradicional del espacio, un espacio que hasta ahora se ha basado principalmente en la copresencia de los sujetos participantes (público y performers). A través del análisis de diversas obras escénicas, se muestra cuáles son las aportaciones del medio digital en lo referente a la cuestión espacial y de cómo estas nuevas posibilidades determinan los procesos de recepción y experiencia estética. Para el conocimiento de este paradigma actual se evidencia la necesidad de ampliar el análisis a los discursos en torno a la intermedialidad que estimulen nuevas perspectivas y maneras de acercarnos al objeto de estudio.
Mujeres artistas y precariedad laboral en España. Análisis y comparativa a partir de un estudio global
Este artículo describe la actividad de las artistas españolas, partiendo de los resultados del estudio realizado por los autores a nivel nacional con datos aportados por más de 1.100 artistas, primer análisis en profundidad sobre el sector de los/las artistas plásticos y visuales en España, su actividad profesional y circunstancias económicas y laborales, su relación con los agentes del mercado del arte y la evolución histórica de las últimas décadas. Por primera vez en un estudio de estas características, se ha segmentado al colectivo de mujeres artistas, 52% del total, analizando sus circunstancias y comparándolas con los datos aportados por los hombres y con los resultados globales, y contextualizándolo dentro de la actual coyuntura económica. Así, junto a aspectos generales de la creación femenina en España y su relación con el mercado, aportamos datos inéditos sobre la precariedad y desigualdad en la que viven y trabajan las artistas españolas.
Derechos de autor 2019 Arte, Individuo y Sociedad
Consideraciones sobre transmedialidad, interdiscursidad e interactividad comunicacional en el Libro-arte digital (Hiperlibro-arte)
La consolidación del uso de tecnologías digitales en el arte, así como en cualquier tipo de manifestación cultural en general, ha derivado, en muchos casos, en una praxis creativa contemporánea caracterizada por la integración de diferentes medios de manera confluente, es decir, una producción artística contemporánea que se significa por la hibridación de ‘viejos’ y ‘nuevos’ medios, soportes, lenguajes y textualidades. A este escenario creativo liminal basado en la transmedialidad Jenkins lo ha denominado ‘convergencia cultural’. El objetivo del artículo es ofrecer una aproximación teórica-práctica comparada de los parámetros transmediales e interdiscursivos del Libro-arte digital (Hiperlibro-arte) teniendo en cuenta sus aptitudes como fenómeno de comunicación altamente interactivo en la escena del arte electrónico. Se analizan los conceptos transmedialidad e interdiscursividad como ‘modelos’ de un método de estudio del Libro-arte digital desde postulados semióticos. Asimismo, se establecen parangones entre dichos conceptos y Libros-arte digitales (Hiperlibros-arte) a fin de ilustrar, identificar y diferenciar diversas estrategias creativas utilizadas en este tipo de obras para articular su discurso, y por ende en la creación artística contemporánea de preceptos similares. Se ambiciona, a la postre, ofrecer herramientas para el análisis de obras fundamentadas en la concurrencia medial, las nuevas textualidades y los procesos comunicativos interactivos.
El poder del archivo fotográfico 'anti-icónico' y su efecto histórico de representación: Sudamérica en el mapa global moderno
Este artículo analiza el poder del archivo fotográfico, como estrategia de comunicación y conocimiento soportada en premisas objetivistas, para construir, desde un marco institucional privado, un dispositivo narrativo y discursivo que permitiera redefinir, históricamente, el papel de la industria del petróleo en la sociedad global, e insertar a culturas marginadas, como las sudamericanas, dentro de un nuevo régimen de representación visual: un mapa moderno. Metodológicamente se estudia el caso del archivo fotográfico construido, entre 1943 y 1950, por la compañía petrolera Standard Oil Company (New Jersey), mezclando métodos documentales cualitativos tradicionales y métodos de los estudios visuales, con base en fuentes primarias textuales y fotográficas. El análisis de este caso, que revolucionó la relación entre la fotografía y la historia, pone sobre la mesa un antecedente relevante para contrastar los problemas de la comunicación contemporánea vinculados al fenómeno de la posverdad y sus relaciones con la propaganda y la publicidad en la industria privada.
La influencia de las Artes como motor de bienestar: un estudio exploratorio
Las funciones del arte han sido objeto de estudio de numerosas investigaciones en las últimas décadas, aunque son pocos los estudios centrados en conocer la vinculación entre el arte y bienestar desde el punto de vista del sujeto participante. En este trabajo se muestran los resultados de un estudio descriptivo exploratorio correlacional que analiza la vinculación entre el arte y el bienestar mediante un cuestionario on-line ad hoc, aplicado a 462 personas de diferente edad, sexo, nivel de estudios y experiencia artística. Una amplia mayoría de ellas considera que el arte siempre puede mejorar su estado anímico siendo la música el arte preferido para ello. Algunos consideran que el arte es más eficaz que otras técnicas como el deporte para crear bienestar aunque la mayoría prefiere combinarlo con otras disciplinas. Las personas con una formación o experiencia artística son más proclives a usar cualquier manifestación artística para crear el bienestar.
La construcción de una identidad profesional de estudiantes universitarios de arte a través de proyectos de aprendizaje-servicio
El presente artículo investiga las representaciones de estudiantes de reciente ingreso en las titulaciones de arte que surgieron en la realización de proyectos de aprendizaje-servicio dirigidos a colectivos en riesgo de exclusión social. Se utilizó una rúbrica en la elaboración y evaluación de los proyectos. Desde los presupuestos de la Teoría Fundamentada, dos investigadores realizaron un análisis cualitativo sobre los cambios surgidos a lo largo del curso en la concepción y fundamentación de los proyectos. Los resultados mostraron tres logros fundamentales en los estudiantes: a) la comprensión de que el arte es un factor indispensable en el desarrollo integral de las personas y en la mejora de la sociedad; b) el comienzo del proceso de construcción de la identidad profesional en el campo de las artes; y c) el fortalecimiento de la dimensión metacognitiva del aprendizaje. Este último aspecto incrementó la toma de conciencia y el compromiso de los estudiantes con sus proyectos, y fue un factor determinante en la calidad de las versiones definitivas de los mismos.
La expresión artística como estrategia didáctica para el desarrollo de la afectividad y la autoestima en una persona con Discapacidad Intelectual y Síndrome Alcohólico Fetal (SAF)
Este artículo describe las experiencias artísticas de una persona con Discapacidad Intelectual y Síndrome Alcohólico Fetal (SAF) en un taller de artes visuales realizados en dependencias de un establecimiento de Educación Municipal de la comuna de Yungay, Chile. A partir de la investigación exploratoria, la metodología de estudio de caso y la aproximación de los resultados por medio de diferentes técnicas de pintura y dibujo como herramientas didácticas para desarrollar los aprendizajes artísticos en el contexto escolar, se concluye que las artes visuales amplían los canales de la expresión visual y permite la comunicación subjetiva de la afectividad y la autoestima a partir de determinados ejercicios prácticos y actividades sistemáticas que benefician la salud mental de las personas con Discapacidad Intelectual. La conclusión también refuerza la importancia de un ambiente propicio para la enseñanza de la Educación Artística y la valoración de la actividad creadora en el marco de la diversidad, el autodescubrimiento y una inclusión más afectiva con la comunidad educativa en general.
Arte urbano y aprendizaje ciudadano. La Taxonomía de Bloom aplicada a la calidad de vida en tres ciudades españolas
A partir de un enfoque comparado se analiza el arte urbano en el espacio público como experiencia de aprendizaje ciudadano y su relación con la calidad de vida percibida. Se estudian los contextos urbanos españoles de Pamplona, Madrid y Ceuta, seleccionados por su posición relativa (superior, intermedia e inferior), respecto al Indicador Multidimensional de Calidad de Vida, elaborado anualmente por el Instituto Nacional de Estadística. La metodología del proyecto de investigación, al que pertenece la presente contribución, se organiza en dos fases: inventariado, geolocalización y fichas de caracterización de las obras existentes para vincular cada intervención con su contexto urbano y, la aplicación de una encuesta ciudadana estructurada según los niveles cognitivos de la Taxonomía de Bloom, incorporando dimensiones afectivas y operativas. Los resultados de la encuesta difundida en las tres ciudades evidencian una alta visibilidad y reconocimiento de las intervenciones artísticas y una valoración mayoritariamente positiva de su influencia en la vida cotidiana, aunque la implicación activa de la población en proyectos artísticos permanece en niveles inferiores. Como aportación metodológica, se propone una versión sintética de seis ítems, aplicable en procesos de mediación e impacto social, orientada a estimar la intensidad de interacción cognitiva entre ciudadanía y arte urbano.
Derechos de autor 2026 Arte, Individuo y Sociedad
La deconstrucción del cómic en la producción de Ana Peters (1964-1967): cultura visual y conciencia de género en el pop español
Este artículo analiza la producción pictórica de Ana Peters entre 1964 y 1967, periodo en el que la artista desarrolla una singular apropiación crítica del lenguaje del cómic. Mediante una metodología interdisciplinar que combina la historia social del arte, el análisis semiótico y los estudios visuales feministas, este trabajo examina cómo las estrategias de fragmentación, repetición y elipsis de la viñeta operan como dispositivos de contestación frente a los arquetipos de género del tardofranquismo. La aportación específica de esta investigación radica en desvelar cómo la obra de Peters no constituye una mera mímesis del Pop Art internacional, sino un contra-dispositivo visual que, al vaciar de contenido la iconografía de consumo de masas, evidencia la fractura entre la modernización económica del desarrollismo y la persistencia de las estructuras patriarcales. El estudio concluye que, lejos de ser una práctica tangencial, el dibujo de Peters se erige como un ejercicio de resistencia semiótica fundamental para comprender la emergencia de una conciencia de género en la vanguardia española de los años sesenta.
Las fotografías del estudio Abdullah Frères en las colecciones del Archivo del Palacio Real y del Museo Cerralbo. Una perspectiva sobre Oriente
El Archivo del Palacio Real y el Museo Cerralbo, ambos en Madrid, atesoran dos importantes colecciones fotográficas del estudio Abdullah Frères, una importante familia de fotógrafos del siglo XIX radicados en Constantinopla. Su estudio fotográfico llegó a ser considerados como uno de los más importantes del Imperio otomano y durante un tiempo abrieron sucursales en Esmirna y El Cairo, lo cual da a entender su importancia en el negocio de la fotografía que se realizaba en Oriente Próximo y que tanto atraía a turistas europeos por su carácter orientalista. Además, fueron fotógrafos oficiales de los sultanes otomanos Abdülaziz y Abdülhamid II. Se desconoce cómo llegó a España la colección del Archivo del Palacio Real, quizás fue un regalo diplomático a la corte real. La colección del Museo Cerralbo es fruto del viaje que a finales de 1889 realizó a Constantinopla Enrique de Aguilera y Gamboa, XVII marqués de Cerralbo, acompañado de su mujer y los dos hijos de esta. La presente investigación pone su atención en un análisis minucioso de ambas colecciones fotográficas con el objetivo de contribuir al análisis de la fotografía otomana y a la comprensión del fenómeno del orientalismo del siglo XIX en el contexto español.
Arte y representación en lugares de memoria: tensiones estéticas y transmisión del pasado reciente argentino
Este artículo analiza cómo se dirimen, en el presente, las disputas en torno a la representación de la última dictadura argentina (1976–1983) a través de prácticas artísticas desarrolladas en lugares de memoria de la ciudad de La Plata (provincia de Buenos Aires). El objetivo es examinar las decisiones estéticas, los procesos de debate colectivo y los desafíos pedagógicos implicados en la producción de dos murales emplazados en instituciones de salud pública. Metodológicamente, se adopta un enfoque cualitativo que articula trabajo de campo, entrevistas y análisis iconográfico de las obras. El abordaje se organiza en tres dimensiones interrelacionadas -estética, procesual y pedagógica- que permiten comprender tanto las elecciones formales como las tensiones surgidas durante su elaboración y en sus proyecciones de transmisión pública. Los resultados muestran que las disputas sobre la representación del horror no se resuelven únicamente en el plano teórico, sino en procesos concretos de negociación entre actores con expectativas diversas. Asimismo, se advierte que la dimensión pedagógica, central en estos espacios, tiende a recibir menor reflexión que las discusiones estéticas, lo que incide en las condiciones de inteligibilidad de los murales en el espacio público.
De aprender a mirar a aprehender la mirada. La gestión política de la fotografía amateur en la Alemania de Weimar (1919-1933)
El estudio de la fotografía amateur durante la Alemania de la República de Weimar (1919-1933) arroja luz sobre la incidencia en la sociedad civil de las fórmulas estéticas y los avances técnicos que caracterizan el periodo, pero también sobre el persistente afán de educarla para ponerla al servicio de intereses creados. Dada la escasez de aproximaciones a este segundo aspecto, el artículo despliega un análisis específico y comparado de las ideas emanadas de las organizaciones y publicaciones fotográficas destinadas al colectivo amateur, con especial énfasis en las promovidas por los dos grandes partidos políticos de izquierda, y somete a estudio sus respectivos modelos de aplicación. Este enfoque permite apreciar qué concepción genérica existía de la práctica fotográfica amateur, qué mecanismos se emplearon para situarla bajo control, y cuáles fueron los resultados genéricos de esa acción. En último término, el análisis favorece una mejor comprensión del posterior intento de poner la actividad fotográfica amateur al servicio de ideas y proyectos abiertamente lesivos.
Reír para desobedecer: humor e ironía como estrategias de resistencia visual en el arte feminista de la Transición Española
El arte feminista ha sido abordado desde marcos interpretativos que han tendido a privilegiar la denuncia, la gravedad del conflicto o la expresión de la rabia, lo que ha relegado a un segundo plano otras estrategias políticas igualmente eficaces. Frente a esta lectura restrictiva, el presente artículo analiza el uso del humor y la ironía como formas específicas de resistencia visual en el arte feminista producido durante la transición española. Desde un enfoque epistemológico feminista, el estudio se centra en las prácticas de Esther Ferrer, Isabel Oliver y Paz Muro, examinando cómo sus obras incorporan lenguajes vinculados a la cultura visual y al imaginario mediático para subvertir los discursos hegemónicos sobre la feminidad. A través de la parodia, el juego y la exageración, estas artistas cuestionan el canon estético, la reclusión de las mujeres en el ámbito doméstico y la construcción cultural de la supuesta falta de talento femenino. Este trabajo sostiene que la ironía opera como una modalidad específica de resistencia simbólica que, lejos de suavizar el conflicto, introduce una distancia crítica capaz de generar desplazamientos en los sistemas de representación y de activar lecturas críticas de las imágenes.
La clorotipia como ecología visual: repensar la alfabetización visual crítica en la primera infancia
En un contexto marcado por la intersección entre crisis ecológica y saturación visual digital, este artículo propone repensar la alfabetización visual crítica desde la primera infancia. Frente a enfoques centrados en la interpretación de imágenes circulantes, se plantea situar lo crítico en la experiencia de producción material de la imagen. A partir de una investigación basada en las artes, se analiza una práctica de clorotipia con niños y niñas de entre uno y dos años, entendida no como técnica didáctica, sino como régimen visual alternativo. La clorotipia, al vincular la imagen con procesos ecológicos como la fotosíntesis, introduce una temporalidad lenta, una relación no extractiva con la materia y una comprensión de la imagen como acontecimiento. Los resultados muestran que, en estas edades, la relación con lo visual se construye a través de la acción, la atención y el encuentro con materiales y procesos, configurando disposiciones perceptivas previas a la cultura de pantallas. El estudio amplía así la noción de alfabetización visual, proponiéndola como una práctica ecoestética encarnada que articula educación, visualidad y ecología desde la experiencia.
Influencia del diseño de packaging en la percepción de calidad del producto. Un estudio sobre alimentos típicos de la zona centro de Portugal
Según la literatura científica, el diseño del packaging constituye un factor esencial en la construcción del valor simbólico del producto y, por tanto, condiciona la intención de compra de los consumidores. Partiendo de esta afirmación, el estudio analiza la influencia del envase en la percepción de calidad de alimentos típicos del centro de Portugal (Beira Baixa, Beira Alta y Alto Minho) como el aceite, la miel, el vino, los ahumados y la fruta. El objetivo principal es determinar si la calidad y la innovación del diseño de packaging influyen directamente en la percepción de calidad del producto y analizar la repercusión de varios atributos (forma, material, rótulo y diseño gráfico y otros componentes) en esta valoración. Para ello, la metodología de la investigación combina un panel de siete expertos en diseño gráfico (para una evaluación del diseño de packaging) y una encuesta cuantitativa aplicada a consumidores (n = 75). Los resultados revelan una muy importante relación entre la calidad del diseño y la calidad atribuida al producto, así como la especial repercusión del diseño gráfico de la etiqueta en estas valoraciones.
At the boundaries of reality: Is the interactor a character? An interdisciplinary inquiry in interactive art and narrative studies
The rise of new interactive devices and installations has given way to a new type of spectator, who functions as a narrative component: the interactor. Also part of the narrative, the character has been understood as a fictional entity distinct from others, endowed with agency and an inner life (Eder, Jannidis & Schneider, 2010). Can the interactor be considered a character? This paper explores areas of blending, ambiguity, or even transgression that emerge when the two concepts intersect, in order to identify conditions under which this may occur. The reflection is prompted by artistic forms such as interactive digital art created by Bianchini (2004), or Davies (2013). These works invite us to navigate thresholds by: (a) using Symbolic Interactionism to highlight how artworks are embedded with perceptual boundaries, whereby the interactor is perceived as a spectator by some and as a character by others; (b) conceiving of metalepsis as inherent to the interactor, who acts as a transgressive agent crossing the boundaries between the real and fictional worlds; and (c) questioning the limits of the concept of character, particularly the criterion of fictionality. We argue that the interactor can be understood as a character, considering theoretical, media-based, subjective and relational conditions.
El cine de Berlanga y la memoria histórica en España
Este artículo estudia la función memorial del cine de Luis García Berlanga en relación con la Guerra Civil, el franquismo, la Transición y la democracia española. El objetivo consiste en examinar cómo sus películas transforman acontecimientos, instituciones y experiencias sociales del pasado reciente en materiales de memoria cultural. La investigación adopta un enfoque cualitativo, hermenéutico y fílmico-textual aplicado a Bienvenido, Míster Marshall, Plácido, El verdugo, la trilogía de los Leguineche, La vaquilla y Todos a la cárcel. El análisis atiende a la temporalidad de la producción, la temporalidad representada, las estrategias satíricas, el dispositivo coral, los espacios sociales, las formas de violencia o represión y la función memorial de cada filme. Los resultados muestran que las obras producidas durante el franquismo adquieren valor memorial como sátiras contemporáneas, releídas después como archivo cultural; la trilogía de los Leguineche fija la continuidad de las élites; La vaquilla revisa la Guerra Civil desde el esperpento; y Todos a la cárcel problematiza la institucionalización democrática del recuerdo. Se concluye que Berlanga convierte la comedia coral en una forma crítica de conocimiento histórico, capaz de revelar las persistencias del poder y las contradicciones de la memoria española contemporánea.
Educación Artística Intercultural: discursos, prácticas y desafíos educativos. Una revisión sistematizada
Este artículo presenta una revisión sistematizada de la literatura científica sobre la relación entre educación artística y educación intercultural. El objeto del trabajo es conceptualizar el término educación artística intercultural, así como detectar los retos pedagógicos a los que se enfrenta este enfoque. Esta investigación forma parte del proyecto Educación Artística Inclusiva Online: desarrollo y evaluación de un modelo integral MOOC de formación docente (EDARCLUSIÓN) (PID2021-127124OB-I00). Con la elección de la revisión sistematizada como metodología de trabajo se buscó crear un estado de la cuestión sobre la materia. Bajo el enfoque SALSA (Search, Appraisal, Synthesis, Analysis) se analizaron un total de 190 artículos de las bases de datos Scopus y Web of Science, que exploran esta intersección entre los dos campos estudiados. Los resultados señalan cuatro aspectos fundamentales: acabar con las narrativas clásicas en torno a la diversidad, adoptar una perspectiva crítica en educación artística, propiciar nuevos currículums y metodologías y fomentar la formación del profesorado. Superar estos retos será fundamental para promover una educación inclusiva.
La exploración del territorio como acción escultórica: Diálogo intercultural e investigación-creación en la Universidad de Jordania
Este artículo presenta los resultados de una investigación-creación desarrollada en la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad de Jordania, en Amán, bajo el marco del Festival de Jerash en la edición del año 2024. La premisa central sostiene que la exploración del territorio no es un paso previo a la creación, sino una acción escultórica per se. A través de una metodología colaborativa con el Departamento de Escultura, el estudio desplaza el foco del objeto artístico final hacia los procesos de intercambio cultural y académico. La colaboración con profesores, alumnos jordanos y un grupo de escultores de diferentes nacionalidades permitió hibridar lenguajes contemporáneos con tradiciones locales, transformando el aula en un espacio de mediación. Los resultados indican que el impacto más profundo de la estancia reside en la generación de conocimiento compartido y el fortalecimiento de redes investigadoras internacionales. Se concluye que la práctica artística, en contextos de acogida institucional, actúa como una herramienta de mediación académica y redefinición de las narrativas espaciales y culturales en el contexto del lugar donde se desarrollan.
Diagramar lo posible. Herramientas proyectuales en la fase inicial del proyecto pictórico
Este artículo explora el diagrama como herramienta proyectual en las fases iniciales del proceso creativo, entendiendo el inicio del proyecto artístico como un campo de tensiones donde intuición, deseo, imagen y forma comienzan a articularse. Desde un enfoque cualitativo de carácter teórico-analítico y ensayístico, situado en diálogo con la A/r/tografía y la Investigación Educativa Basada en Artes Visuales, la investigación combina revisión conceptual, análisis de prácticas artísticas contemporáneas y experiencia pedagógica. A partir del estudio de cuadernos, mapas, moodboards y archivos visuales de proceso, se identifican modos de pensamiento pre-figurativo que permiten comprender el diagrama como tecnología visual del pensamiento en acto. Como aportación principal, se proponen tres regímenes diagramáticos principales: inter-fáctico, post-fáctico y pre-fáctico, concebidos como modulaciones tácticas activables, y no necesariamente secuenciales, según las necesidades del proyecto. El artículo defiende el diagrama como dispositivo abierto capaz de acompañar el tránsito entre lo posible y lo potencial, ofreciendo un marco flexible para sostener la búsqueda creativa sin clausurarla, especialmente relevante en contextos pedagógicos de formación artística. Aunque el análisis se sitúa en la asignatura Proyectos Pictóricos del Grado en Bellas Artes de la Universidad de Murcia, el marco propuesto aspira a ser transferible a otros contextos de creación proyectual y aprendizaje artístico.
Arte, patrimonio e innovación docente: el proyecto EDUArtHeritage como modelo de aprendizaje interdisciplinar e intercultural
El presente artículo analiza el Proyecto de Innovación Docente EDUArtHeritage1, una experiencia interdisciplinar e internacional que integra arte, patrimonio y tecnología en el ámbito de la formación docente. Su objetivo principal fue promover el aprendizaje significativo del patrimonio cultural mediante metodologías activas y colaborativas que conectaran la educación artística con la identidad local y la cooperación intercultural. Se aplicó un método de investigación mixto, combinando análisis cuantitativos y cualitativos, sustentados en la investigación-acción. Participaron 217 estudiantes y docentes de España, Francia y Portugal, quienes desarrollaron procesos de investigación, creación cerámica y producción audiovisual con herramientas de Inteligencia Artificial. Los resultados muestran mejoras significativas en competencias creativas, digitales e interculturales, así como un fuerte impacto social derivado de la instalación pública de los azulejos producidos. El estudio concluye que la educación artística y patrimonial, apoyada en la innovación docente y tecnológica, constituye una vía eficaz para fomentar la sostenibilidad cultural, la inclusión y la cooperación internacional en la enseñanza superior.
De dentro a fuera. Una conversación con María Gimeno
Entrevista con la artista visual y de performance María Gimeno.
Trauma, arte y memoria en la obra de Guillermo Núñez: una lectura crítica de El jardín de los jardineros (1974)
Este artículo examina los límites epistemológicos de la historia y la memoria en la reconstrucción del pasado, y enfrenta dicha tensión mediante la teoría del trauma y su inscripción en el arte. El análisis se centra en el caso del artista chileno Guillermo Núñez (1930–2024), detenido y torturado por la Dirección de Inteligencia Nacional (DINA) en 1974, durante los primeros meses de la dictadura cívico-militar chilena (1973–1990). El estudio aborda la serie El jardín de los jardineros (1974), concebida tras su primera reclusión en la Academia de Guerra de la Fuerza Aérea, uno de los varios centros de detención en los que estuvo cautivo durante dos detenciones distintas. Se plantea que, ante la imposibilidad de representación discursiva del trauma, el arte actúa como un dispositivo crítico que interrumpe la linealidad histórica, elude los marcos explicativos y abre un espacio para un saber sensible que desafía los límites de lo decible.
De la forma simbólica al artefacto epistémico: Análisis praxeológico de las matemáticas en la imagen histórica para la educación artística interdisciplinar
Artes visuales y matemáticas se enseñan hoy como territorios aislados, ocultando el profundo diálogo estructural entre números y formas. El presente artículo tiende un puente entre ambas disciplinas, analizando imágenes históricas no como meros objetos estéticos, sino como herramientas conceptuales que piensan y transmiten matemáticas. A través de la Teoría Antropológica de lo Didáctico (TAD), proponemos adaptar el modelo praxeológico a la imagen histórica para «leer» la geometría y la aritmética ocultas en el arte. Para comprobar su utilidad, analizamos las obras de seis maestros —desde Da Vinci, Pacioli y Durero hasta Oliver Byrne y M. C. Escher—, desgranando la praxis (tareas y técnicas) y el logos (tecnologías y teorías) de cada creación. Los resultados confirman que estas imágenes operan como medios didácticos autónomos, capaces de estructurar y legitimar saberes matemáticos mediante el lenguaje visual. Concluimos que integrar esta mirada en proyectos STEAM enriquece el currículo y aleja a las matemáticas de la repetición mecánica, convirtiéndolas en una experiencia visual compartida.
Bulegoa z/b, oficina de arte y conocimiento. Caso singular en el contexto-red cultural divergente del proceso de gentrificación de Bilbao
Durante las dos últimas décadas, en la ciudad de Bilbao, ha surgido una constelación de iniciativas artísticas y culturales independientes. Su actividad conforma un sistema-red cultural alternativo en tanto que soporte mutuo para el contexto artístico de la ciudad. Es pertinente visibilizar y localizar estas propuestas ya que asumen el papel crítico del arte en su relación con el desarrollo urbano y el sistema cultural imperante, configurando así una respuesta específica al proceso de gentrificación iniciado por el llamado Efecto Guggenheim. Al situar la actividad de dichas iniciativas en un lugar paradójico dentro y fuera del sistema institucional, nos preguntamos sobre su funcionamiento real y situado y sobre su tipo de aportación, aspirando a ofrecer una perspectiva transferible a otras situaciones. A este fin, seleccionamos, como caso de estudio, a Bulegoa z/b, ya que presenta claves metodológicas de la creación de pensamiento en torno al eje artístico, pedagógico, cultural y social actual, tejiendo colaboraciones a nivel local e internacional y constituyendo una crítica al sistema tanto de la cultura, como artístico y académico, siendo a su vez, alternativa al mismo.
La naturaleza como paradigma del proceso creativo. Un enfoque de la relación arte-naturaleza en la pintura contemporánea
Este artículo establece una serie de relaciones entre determinadas prácticas pictóricas y diferentes conceptos de naturaleza, de la que surge un enfoque concreto y original del binomio arte-naturaleza como objeto de investigación artística. A través de estas relaciones se logra profundizar en aspectos clave del proceso creativo, como la idea de transformación, necesaria para comprender obras contemporáneas de corte abstracto, gestual y organicista, y ciertas formas afines del paisaje, obras en general, herederas del Romanticismo. El texto analiza diversos casos de la pintura en un contexto artístico amplio y actualizado, que desvelan como sus extraordinarias cualidades y posibilidades expresivas pueden mostrar paralelismos con la naturaleza, permitiendo entender como ésta se manifiesta a través de la materia pictórica. Con el propósito de ofrecer una visión amplia del objeto de estudio, la relación arte-naturaleza, hoy sujeta a los parámetros del arte contemporáneo, se ha hecho extensible a algunas prácticas pictóricas expandidas, de un perfil más híbrido y/o de espíritu crítico, así como a expresiones del dibujo contemporáneo, cuyos procesos creativos revelan aspectos comunes a los descritos.