Arte, Individuo y Sociedad (ISSN 1131-5598, ISSN-e 1988-2408) es una revista de periodicidad trimestral que publica artículos y trabajos de investigación sobre las artes visuales y sus relaciones con el contexto social, histórico, político y cultural desde distintos campos científicos, especialmente la creación y la educación artística. Además de artículos científicos, se incluyen también reseñas bibliográficas o de exposiciones, entrevistas y se aceptan propuestas para portadas. La plataforma está siempre abierta para los envíos, y la temática de los artículos se circunscribe al ámbito de las artes visuales, como se especifica en las normas para autores.
La revista Arte, Individuo y Sociedad, para fomentar el intercambio global del conocimiento, facilita el acceso sin restricciones a sus contenidos desde el momento de su publicación en la presente edición electrónica, y por eso es una revista de acceso abierto. Los originales publicados en esta revista son propiedad de la Universidad Complutense de Madrid y es obligatorio citar su procedencia en cualquier reproducción total o parcial. Todos los contenidos se distribuyen bajo una licencia de uso y distribución Creative Commons Reconocimiento 4.0 (CC BY 4.0). Esta circunstancia ha de hacerse constar expresamente de esta forma cuando sea necesario. Puede consultar la versión informativa y el texto legal de la licencia.
Arte urbano y aprendizaje ciudadano. La Taxonomía de Bloom aplicada a la calidad de vida en tres ciudades españolas
A partir de un enfoque comparado se analiza el arte urbano en el espacio público como experiencia de aprendizaje ciudadano y su relación con la calidad de vida percibida. Se estudian los contextos urbanos españoles de Pamplona, Madrid y Ceuta, seleccionados por su posición relativa (superior, intermedia e inferior), respecto al Indicador Multidimensional de Calidad de Vida, elaborado anualmente por el Instituto Nacional de Estadística. La metodología del proyecto de investigación, al que pertenece la presente contribución, se organiza en dos fases: inventariado, geolocalización y fichas de caracterización de las obras existentes para vincular cada intervención con su contexto urbano y, la aplicación de una encuesta ciudadana estructurada según los niveles cognitivos de la Taxonomía de Bloom, incorporando dimensiones afectivas y operativas. Los resultados de la encuesta difundida en las tres ciudades evidencian una alta visibilidad y reconocimiento de las intervenciones artísticas y una valoración mayoritariamente positiva de su influencia en la vida cotidiana, aunque la implicación activa de la población en proyectos artísticos permanece en niveles inferiores. Como aportación metodológica, se propone una versión sintética de seis ítems, aplicable en procesos de mediación e impacto social, orientada a estimar la intensidad de interacción cognitiva entre ciudadanía y arte urbano.
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La deconstrucción del cómic en la producción de Ana Peters (1964-1967): cultura visual y conciencia de género en el pop español
Este artículo analiza la producción pictórica de Ana Peters entre 1964 y 1967, periodo en el que la artista desarrolla una singular apropiación crítica del lenguaje del cómic. Mediante una metodología interdisciplinar que combina la historia social del arte, el análisis semiótico y los estudios visuales feministas, este trabajo examina cómo las estrategias de fragmentación, repetición y elipsis de la viñeta operan como dispositivos de contestación frente a los arquetipos de género del tardofranquismo. La aportación específica de esta investigación radica en desvelar cómo la obra de Peters no constituye una mera mímesis del Pop Art internacional, sino un contra-dispositivo visual que, al vaciar de contenido la iconografía de consumo de masas, evidencia la fractura entre la modernización económica del desarrollismo y la persistencia de las estructuras patriarcales. El estudio concluye que, lejos de ser una práctica tangencial, el dibujo de Peters se erige como un ejercicio de resistencia semiótica fundamental para comprender la emergencia de una conciencia de género en la vanguardia española de los años sesenta.
Arte y representación en lugares de memoria: tensiones estéticas y transmisión del pasado reciente argentino
Este artículo analiza cómo se dirimen, en el presente, las disputas en torno a la representación de la última dictadura argentina (1976–1983) a través de prácticas artísticas desarrolladas en lugares de memoria de la ciudad de La Plata (provincia de Buenos Aires). El objetivo es examinar las decisiones estéticas, los procesos de debate colectivo y los desafíos pedagógicos implicados en la producción de dos murales emplazados en instituciones de salud pública. Metodológicamente, se adopta un enfoque cualitativo que articula trabajo de campo, entrevistas y análisis iconográfico de las obras. El abordaje se organiza en tres dimensiones interrelacionadas -estética, procesual y pedagógica- que permiten comprender tanto las elecciones formales como las tensiones surgidas durante su elaboración y en sus proyecciones de transmisión pública. Los resultados muestran que las disputas sobre la representación del horror no se resuelven únicamente en el plano teórico, sino en procesos concretos de negociación entre actores con expectativas diversas. Asimismo, se advierte que la dimensión pedagógica, central en estos espacios, tiende a recibir menor reflexión que las discusiones estéticas, lo que incide en las condiciones de inteligibilidad de los murales en el espacio público.
Reír para desobedecer: humor e ironía como estrategias de resistencia visual en el arte feminista de la Transición Española
El arte feminista ha sido abordado desde marcos interpretativos que han tendido a privilegiar la denuncia, la gravedad del conflicto o la expresión de la rabia, lo que ha relegado a un segundo plano otras estrategias políticas igualmente eficaces. Frente a esta lectura restrictiva, el presente artículo analiza el uso del humor y la ironía como formas específicas de resistencia visual en el arte feminista producido durante la transición española. Desde un enfoque epistemológico feminista, el estudio se centra en las prácticas de Esther Ferrer, Isabel Oliver y Paz Muro, examinando cómo sus obras incorporan lenguajes vinculados a la cultura visual y al imaginario mediático para subvertir los discursos hegemónicos sobre la feminidad. A través de la parodia, el juego y la exageración, estas artistas cuestionan el canon estético, la reclusión de las mujeres en el ámbito doméstico y la construcción cultural de la supuesta falta de talento femenino. Este trabajo sostiene que la ironía opera como una modalidad específica de resistencia simbólica que, lejos de suavizar el conflicto, introduce una distancia crítica capaz de generar desplazamientos en los sistemas de representación y de activar lecturas críticas de las imágenes.
Influencia del diseño de packaging en la percepción de calidad del producto. Un estudio sobre alimentos típicos de la zona centro de Portugal
Según la literatura científica, el diseño del packaging constituye un factor esencial en la construcción del valor simbólico del producto y, por tanto, condiciona la intención de compra de los consumidores. Partiendo de esta afirmación, el estudio analiza la influencia del envase en la percepción de calidad de alimentos típicos del centro de Portugal (Beira Baixa, Beira Alta y Alto Minho) como el aceite, la miel, el vino, los ahumados y la fruta. El objetivo principal es determinar si la calidad y la innovación del diseño de packaging influyen directamente en la percepción de calidad del producto y analizar la repercusión de varios atributos (forma, material, rótulo y diseño gráfico y otros componentes) en esta valoración. Para ello, la metodología de la investigación combina un panel de siete expertos en diseño gráfico (para una evaluación del diseño de packaging) y una encuesta cuantitativa aplicada a consumidores (n = 75). Los resultados revelan una muy importante relación entre la calidad del diseño y la calidad atribuida al producto, así como la especial repercusión del diseño gráfico de la etiqueta en estas valoraciones.
At the boundaries of reality: Is the interactor a character? An interdisciplinary inquiry in interactive art and narrative studies
The rise of new interactive devices and installations has given way to a new type of spectator, who functions as a narrative component: the interactor. Also part of the narrative, the character has been understood as a fictional entity distinct from others, endowed with agency and an inner life (Eder, Jannidis & Schneider, 2010). Can the interactor be considered a character? This paper explores areas of blending, ambiguity, or even transgression that emerge when the two concepts intersect, in order to identify conditions under which this may occur. The reflection is prompted by artistic forms such as interactive digital art created by Bianchini (2004), or Davies (2013). These works invite us to navigate thresholds by: (a) using Symbolic Interactionism to highlight how artworks are embedded with perceptual boundaries, whereby the interactor is perceived as a spectator by some and as a character by others; (b) conceiving of metalepsis as inherent to the interactor, who acts as a transgressive agent crossing the boundaries between the real and fictional worlds; and (c) questioning the limits of the concept of character, particularly the criterion of fictionality. We argue that the interactor can be understood as a character, considering theoretical, media-based, subjective and relational conditions.
El cine de Berlanga y la memoria histórica en España
Este artículo estudia la función memorial del cine de Luis García Berlanga en relación con la Guerra Civil, el franquismo, la Transición y la democracia española. El objetivo consiste en examinar cómo sus películas transforman acontecimientos, instituciones y experiencias sociales del pasado reciente en materiales de memoria cultural. La investigación adopta un enfoque cualitativo, hermenéutico y fílmico-textual aplicado a Bienvenido, Míster Marshall, Plácido, El verdugo, la trilogía de los Leguineche, La vaquilla y Todos a la cárcel. El análisis atiende a la temporalidad de la producción, la temporalidad representada, las estrategias satíricas, el dispositivo coral, los espacios sociales, las formas de violencia o represión y la función memorial de cada filme. Los resultados muestran que las obras producidas durante el franquismo adquieren valor memorial como sátiras contemporáneas, releídas después como archivo cultural; la trilogía de los Leguineche fija la continuidad de las élites; La vaquilla revisa la Guerra Civil desde el esperpento; y Todos a la cárcel problematiza la institucionalización democrática del recuerdo. Se concluye que Berlanga convierte la comedia coral en una forma crítica de conocimiento histórico, capaz de revelar las persistencias del poder y las contradicciones de la memoria española contemporánea.
Educación Artística Intercultural: discursos, prácticas y desafíos educativos. Una revisión sistematizada
Este artículo presenta una revisión sistematizada de la literatura científica sobre la relación entre educación artística y educación intercultural. El objeto del trabajo es conceptualizar el término educación artística intercultural, así como detectar los retos pedagógicos a los que se enfrenta este enfoque. Esta investigación forma parte del proyecto Educación Artística Inclusiva Online: desarrollo y evaluación de un modelo integral MOOC de formación docente (EDARCLUSIÓN) (PID2021-127124OB-I00). Con la elección de la revisión sistematizada como metodología de trabajo se buscó crear un estado de la cuestión sobre la materia. Bajo el enfoque SALSA (Search, Appraisal, Synthesis, Analysis) se analizaron un total de 190 artículos de las bases de datos Scopus y Web of Science, que exploran esta intersección entre los dos campos estudiados. Los resultados señalan cuatro aspectos fundamentales: acabar con las narrativas clásicas en torno a la diversidad, adoptar una perspectiva crítica en educación artística, propiciar nuevos currículums y metodologías y fomentar la formación del profesorado. Superar estos retos será fundamental para promover una educación inclusiva.
La exploración del territorio como acción escultórica: Diálogo intercultural e investigación-creación en la Universidad de Jordania
Este artículo presenta los resultados de una investigación-creación desarrollada en la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad de Jordania, en Amán, bajo el marco del Festival de Jerash en la edición del año 2024. La premisa central sostiene que la exploración del territorio no es un paso previo a la creación, sino una acción escultórica per se. A través de una metodología colaborativa con el Departamento de Escultura, el estudio desplaza el foco del objeto artístico final hacia los procesos de intercambio cultural y académico. La colaboración con profesores, alumnos jordanos y un grupo de escultores de diferentes nacionalidades permitió hibridar lenguajes contemporáneos con tradiciones locales, transformando el aula en un espacio de mediación. Los resultados indican que el impacto más profundo de la estancia reside en la generación de conocimiento compartido y el fortalecimiento de redes investigadoras internacionales. Se concluye que la práctica artística, en contextos de acogida institucional, actúa como una herramienta de mediación académica y redefinición de las narrativas espaciales y culturales en el contexto del lugar donde se desarrollan.
Diagramar lo posible. Herramientas proyectuales en la fase inicial del proyecto pictórico
Este artículo explora el diagrama como herramienta proyectual en las fases iniciales del proceso creativo, entendiendo el inicio del proyecto artístico como un campo de tensiones donde intuición, deseo, imagen y forma comienzan a articularse. Desde un enfoque cualitativo de carácter teórico-analítico y ensayístico, situado en diálogo con la A/r/tografía y la Investigación Educativa Basada en Artes Visuales, la investigación combina revisión conceptual, análisis de prácticas artísticas contemporáneas y experiencia pedagógica. A partir del estudio de cuadernos, mapas, moodboards y archivos visuales de proceso, se identifican modos de pensamiento pre-figurativo que permiten comprender el diagrama como tecnología visual del pensamiento en acto. Como aportación principal, se proponen tres regímenes diagramáticos principales: inter-fáctico, post-fáctico y pre-fáctico, concebidos como modulaciones tácticas activables, y no necesariamente secuenciales, según las necesidades del proyecto. El artículo defiende el diagrama como dispositivo abierto capaz de acompañar el tránsito entre lo posible y lo potencial, ofreciendo un marco flexible para sostener la búsqueda creativa sin clausurarla, especialmente relevante en contextos pedagógicos de formación artística. Aunque el análisis se sitúa en la asignatura Proyectos Pictóricos del Grado en Bellas Artes de la Universidad de Murcia, el marco propuesto aspira a ser transferible a otros contextos de creación proyectual y aprendizaje artístico.
Arte, patrimonio e innovación docente: el proyecto EDUArtHeritage como modelo de aprendizaje interdisciplinar e intercultural
El presente artículo analiza el Proyecto de Innovación Docente EDUArtHeritage1, una experiencia interdisciplinar e internacional que integra arte, patrimonio y tecnología en el ámbito de la formación docente. Su objetivo principal fue promover el aprendizaje significativo del patrimonio cultural mediante metodologías activas y colaborativas que conectaran la educación artística con la identidad local y la cooperación intercultural. Se aplicó un método de investigación mixto, combinando análisis cuantitativos y cualitativos, sustentados en la investigación-acción. Participaron 217 estudiantes y docentes de España, Francia y Portugal, quienes desarrollaron procesos de investigación, creación cerámica y producción audiovisual con herramientas de Inteligencia Artificial. Los resultados muestran mejoras significativas en competencias creativas, digitales e interculturales, así como un fuerte impacto social derivado de la instalación pública de los azulejos producidos. El estudio concluye que la educación artística y patrimonial, apoyada en la innovación docente y tecnológica, constituye una vía eficaz para fomentar la sostenibilidad cultural, la inclusión y la cooperación internacional en la enseñanza superior.
De dentro a fuera. Una conversación con María Gimeno
Entrevista con la artista visual y de performance María Gimeno.
Trauma, arte y memoria en la obra de Guillermo Núñez: una lectura crítica de El jardín de los jardineros (1974)
Este artículo examina los límites epistemológicos de la historia y la memoria en la reconstrucción del pasado, y enfrenta dicha tensión mediante la teoría del trauma y su inscripción en el arte. El análisis se centra en el caso del artista chileno Guillermo Núñez (1930–2024), detenido y torturado por la Dirección de Inteligencia Nacional (DINA) en 1974, durante los primeros meses de la dictadura cívico-militar chilena (1973–1990). El estudio aborda la serie El jardín de los jardineros (1974), concebida tras su primera reclusión en la Academia de Guerra de la Fuerza Aérea, uno de los varios centros de detención en los que estuvo cautivo durante dos detenciones distintas. Se plantea que, ante la imposibilidad de representación discursiva del trauma, el arte actúa como un dispositivo crítico que interrumpe la linealidad histórica, elude los marcos explicativos y abre un espacio para un saber sensible que desafía los límites de lo decible.
De la forma simbólica al artefacto epistémico: Análisis praxeológico de las matemáticas en la imagen histórica para la educación artística interdisciplinar
Artes visuales y matemáticas se enseñan hoy como territorios aislados, ocultando el profundo diálogo estructural entre números y formas. El presente artículo tiende un puente entre ambas disciplinas, analizando imágenes históricas no como meros objetos estéticos, sino como herramientas conceptuales que piensan y transmiten matemáticas. A través de la Teoría Antropológica de lo Didáctico (TAD), proponemos adaptar el modelo praxeológico a la imagen histórica para «leer» la geometría y la aritmética ocultas en el arte. Para comprobar su utilidad, analizamos las obras de seis maestros —desde Da Vinci, Pacioli y Durero hasta Oliver Byrne y M. C. Escher—, desgranando la praxis (tareas y técnicas) y el logos (tecnologías y teorías) de cada creación. Los resultados confirman que estas imágenes operan como medios didácticos autónomos, capaces de estructurar y legitimar saberes matemáticos mediante el lenguaje visual. Concluimos que integrar esta mirada en proyectos STEAM enriquece el currículo y aleja a las matemáticas de la repetición mecánica, convirtiéndolas en una experiencia visual compartida.
Bulegoa z/b, oficina de arte y conocimiento. Caso singular en el contexto-red cultural divergente del proceso de gentrificación de Bilbao
Durante las dos últimas décadas, en la ciudad de Bilbao, ha surgido una constelación de iniciativas artísticas y culturales independientes. Su actividad conforma un sistema-red cultural alternativo en tanto que soporte mutuo para el contexto artístico de la ciudad. Es pertinente visibilizar y localizar estas propuestas ya que asumen el papel crítico del arte en su relación con el desarrollo urbano y el sistema cultural imperante, configurando así una respuesta específica al proceso de gentrificación iniciado por el llamado Efecto Guggenheim. Al situar la actividad de dichas iniciativas en un lugar paradójico dentro y fuera del sistema institucional, nos preguntamos sobre su funcionamiento real y situado y sobre su tipo de aportación, aspirando a ofrecer una perspectiva transferible a otras situaciones. A este fin, seleccionamos, como caso de estudio, a Bulegoa z/b, ya que presenta claves metodológicas de la creación de pensamiento en torno al eje artístico, pedagógico, cultural y social actual, tejiendo colaboraciones a nivel local e internacional y constituyendo una crítica al sistema tanto de la cultura, como artístico y académico, siendo a su vez, alternativa al mismo.
La naturaleza como paradigma del proceso creativo. Un enfoque de la relación arte-naturaleza en la pintura contemporánea
Este artículo establece una serie de relaciones entre determinadas prácticas pictóricas y diferentes conceptos de naturaleza, de la que surge un enfoque concreto y original del binomio arte-naturaleza como objeto de investigación artística. A través de estas relaciones se logra profundizar en aspectos clave del proceso creativo, como la idea de transformación, necesaria para comprender obras contemporáneas de corte abstracto, gestual y organicista, y ciertas formas afines del paisaje, obras en general, herederas del Romanticismo. El texto analiza diversos casos de la pintura en un contexto artístico amplio y actualizado, que desvelan como sus extraordinarias cualidades y posibilidades expresivas pueden mostrar paralelismos con la naturaleza, permitiendo entender como ésta se manifiesta a través de la materia pictórica. Con el propósito de ofrecer una visión amplia del objeto de estudio, la relación arte-naturaleza, hoy sujeta a los parámetros del arte contemporáneo, se ha hecho extensible a algunas prácticas pictóricas expandidas, de un perfil más híbrido y/o de espíritu crítico, así como a expresiones del dibujo contemporáneo, cuyos procesos creativos revelan aspectos comunes a los descritos.
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (17 de febrero – 31 de mayo de 2026) y Kunsthaus Zürich (3 de julio – 25 de octubre de 2026). Comisariado: Clara Marcellán (Madrid) y Jonas Beyer y Sandra Gianfreda (Zürich).
Del patrimonio a la innovación: el Arxiu Valencià del Disseny como recurso estratégico para el diseño contemporáneo
Este artículo analiza el papel del Arxiu Valencià del Disseny (AVD) como motor dinamizador de un ecosistema innovador de diseño en la Comunidad Valenciana. A través de una metodología cualitativa basada en grupos focales (focus groups) con diseñadores senior, diseñadores jóvenes y docentes, se examinan las percepciones y usos del archivo por parte de los principales actores del sector. Los resultados confirman que el AVD se percibe como un recurso clave para la conservación del patrimonio del diseño valenciano, así como una herramienta estratégica para la formación, la investigación y la práctica profesional. Sin embargo, se identifican desafíos significativos relacionados con la visibilidad, accesibilidad y vinculación institucional del archivo. Se propone un conjunto de acciones para potenciar su impacto, como la colaboración con entidades educativas y empresariales, la mejora tecnológica y la proyección internacional. El estudio concluye que el AVD no solo preserva la memoria del diseño, sino que tiene el potencial de convertirse en un nodo articulador de innovación y desarrollo sostenible en el ámbito del diseño regional.
Espectros del Imperio británico. 50 películas victorianas. Víctor Mínguez y Teresa Sorolla (2025). Barcelona, Editorial UOC, 216 páginas
El Crómlech Neolítico y el Vacío: Su Relación con el Principio Femenino como Consciencia del Absoluto a Través del Arte de Oteiza
El pensamiento creador de Oteiza evidenciaría la existencia de una realidad de carácter psíquico que explica los fenómenos de la consciencia como la presencia, en el ser humano, de una fuerza universal o “Gran Madre”. Esta energía se interpreta por el artista desde un vacío interior trascendental que analizaremos a través de su vivencia del crómlech vasco. El objetivo principal de este estudio es analizar cómo Oteiza emplea dicho monumento prehistórico como un arquetipo de totalidad relacionado con el principio femenino, donde convergen espíritu y materia, y donde el escultor propone un lenguaje del silencio que vincula con fuerzas fecundantes que culminan en una “Nada trascendente”. Para ello, el trabajo se estructura en tres ejes fundamentales: en primer lugar, se explora el “vacío anímico” como herramienta metodológica de conocimiento y transformación del sujeto; en segundo lugar, se examina la naturaleza metafísica de su propuesta escultórica, situando el vacío no como ausencia, sino como un espacio de plenitud espiritual; finalmente, se analiza cómo esta visión redefine la percepción de la naturaleza y establece un diálogo con las prácticas del arte contemporáneo realizado por mujeres.
Roberto Burle Marx y el uso del azulejo en la arquitectura moderna de Brasil
El presente artículo aborda, de una manera sistemática, la trayectoria del brasileño Roberto Burle Marx (1909-1994) como muralista a través del uso del del azulejo. La misma está comprendida dentro del contexto de la modernidad brasileña, en la que Burle Marx fue figura paradigmática. Se aportan antecedentes necesarios para contextualizar dicho itinerario creativo, tanto desde una perspectiva histórica —aludiendo a las tradiciones heredadas del período de la colonización portuguesa—, como experiencias más cercanas en el tiempo, y en especial el impulso de la arquitectura neocolonial en las primeras décadas del siglo XX, que incorporó al azulejo como un elemento emblemático. El surgimiento de fábricas modernas de azulejos y de empresas como Osirarte en 1940, potenciaron una praxis muralista dentro de la que Burle Marx se convertiría en figura central en Brasil, aunque también gozaría de encargos en otros países del continente americano. Convergerán en su obra, en un primer momento, propuestas figurativas y abstractas. Este último rasgo, a través del rigor geométrico —propio del concretismo brasileño— y de propuestas biomórficas, marcará con exclusividad su producción a partir de la década de 1950 y hasta su fallecimiento.
Narrar visualmente la voz de la infancia. Una artista habitante en la escuela para investigar su pensamiento
Este artículo explora el fotolibro y las narrativas visuales como espacios para el pensamiento y la acción creativas en la infancia a través de una metodología de investigación educativa basada en las artes y a/r/tográfica, para conocer cómo el alumnado puede desarrollar una comprensión crítica de las imágenes y construir significados personales a partir de sus experiencias visuales. En esta propuesta, se recoge el proceso y los resultados obtenidos durante el desarrollo del proyecto Pespunto en un aula mixta con alumnado de primero, segundo y tercero de educación primaria. Partimos de la lectura de fotolibros para, posteriormente, elaborar un discurso colectivo a través de la acción y el registro fotográfico. Inspirándonos en la obra textil de Franz Erhard Walther, el patio del colegio se convirtió en escenario de encuentro, escucha y equilibrio. Las fotografías resultantes formaron parte de un fotolibro en el que se recogieron también las ideas y sensaciones de la acción a través de un texto poético. En este artículo se comparten las claves del proceso, destacando la importancia de la escucha y la voz de la infancia y reflexionando sobre el papel del docente-artista-investigador en el proceso creativo.
“La Ciencia hermanada con el Arte”: El escultor anatómico Laureano Coll Soler (1856–1916)
Este artículo examina la figura y la obra del escultor anatómico Laureano Coll Soler (1856–1916), uno de los principales representantes de la escultura anatómica en España en la segunda mitad del siglo XIX. En un contexto en el que los modelos anatómicos tridimensionales desempeñaron un papel esencial en la enseñanza médica, España se distinguió por la contratación sistemática de escultores anatómicos en sus facultades de medicina, aunque estos profesionales recibieron un reconocimiento limitado y su producción ha sufrido procesos de pérdida y dispersión. A partir del análisis de fuentes de archivo inéditas, prensa histórica y diversas colecciones museísticas, el artículo reconstruye por primera vez la trayectoria profesional de Coll y propone un primer catálogo de su producción escultórica. Asimismo, se le atribuyen varias piezas conservadas en distintas colecciones que hasta ahora figuraban como anónimas, lo que contribuye a revisar el conocimiento actual sobre el patrimonio anatómico español. El estudio de Coll, médico y artista de formación, escultor anatómico de profesión y fotógrafo aficionado, permite analizar las interrelaciones entre ciencia y arte en el siglo XIX y subraya su papel como figura clave en la historia de la escultura anatómica en España.
La IA en la creación artística, la docencia y la investigación. Modelos y aplicaciones en la generación del conocimiento. Iracheta Martín, María de, y Ruiz Bago, Jesús (coords.) (2026). Valencia: Tirant Humanidades. 327 pp. ISBN: 979-13-7038-031-1
El hilo como dibujo. Carmen Mendoza Chávez (2024), Ciudad de México, Ediciones La Herrata Feliz, 64 páginas. ISBN: 978-607-8422-25-8
Comisariado: Fernando Davis. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 11 de febrero – 8 de junio de 2026
Uso combinado de simulador 3D y cámara fija de exteriores para prueba y emisión de obra artística en fachada media
El presente artículo analiza el desarrollo y uso de un simulador 3D y la instalación de una cámara fija como herramientas técnicas y creativas en el Centro de Arte y Tecnología ETOPIA de Zaragoza (España), equipamiento que surgió como parte del distrito tecnológico "Milla Digital" y que buscaba, entre sus objetivos, el integrar la innovación tecnológica con la expresión artística, especialmente a través de la fachada media del edificio. Se detalla la implementación de un sistema de simulación y supervisión remota que facilita la previsualización de contenidos, optimizando su emisión posterior. Además, se examinan los desafíos técnicos y conceptuales enfrentados por los artistas en el uso de este soporte híbrido, destacando las obras presentadas durante el V Congreso Iberoamericano de Cultura del año 2013. El artículo evalúa el impacto del proyecto en el ámbito cultural y tecnológico, enfatizando sus contribuciones al arte digital emitido en fachada media y su potencial para redirigir narrativas urbanas en un contexto dominado por lo smart y la smart city.
Rustic Renaissance: Vernacular architecture in religious painting from late 15th to early 16th centuries
Aunque el arte renacentista solía preferir la arquitectura clásica como escenario para eventos y personajes sagrados, varias obras de la época, procedentes de diferentes regiones europeas, situaban las narrativas religiosas en paisajes rurales que incluían arquitectura vernácula. Lejos de servir como escenario neutral, estos entornos rústicos transmitían un significado simbólico moldeado por el discurso teológico. El humanismo cristiano y el pensamiento platónico convergieron, lo que llevó a muchas pinturas renacentistas a expresar la armonía entre la vida humilde del campo y el orden divino inscrito en el mundo natural. Basándose en el pensamiento humanista contemporáneo, la literatura pastoral y el análisis iconográfico de cinco casos prácticos, este artículo sostiene que las imágenes vernáculas proporcionaban un lenguaje culturalmente resonante que facilitaba la experiencia de la presencia divina. La elección artística de la arquitectura vernácula, en lugar de revelar un rechazo al clasicismo renacentista, sugiere un modo paralelo de Renacimiento, basado en la herencia clásica, al igual que lo haría la arquitectura grecorromana. Este artículo explora cómo tales elecciones arquitectónicas influyeron en la construcción performativa del significado sagrado por parte del público, permitiendo que la experiencia espiritual se mediara a través de paisajes reconocibles y simbólicamente resonantes.
Espacios hápticos: El textil en la instalación artística contemporánea
En la actualidad, el textil se ha consolidado como uno de los materiales más significativos dentro de la práctica artística contemporánea, especialmente en el ámbito de la instalación. Partiendo de esta constatación, el presente artículo analiza el potencial del textil como generador de espacios hápticos y sensoriales dentro del campo de la instalación textil, concibiéndolo como una interfaz que articula la relación entre cuerpo y espacio. Al mismo tiempo que explora la dimensión simbólica, política y performativa de la materialidad textil y en cómo ésta reconfigura nuestra experiencia espacial y nuestros modos de ser afectados en el encuentro con la obra de arte. Un enfoque que, aunque se pone de manifiesto en la obra de numerosos artistas contemporáneos, en el caso de este artículo analizaremos a través de tres casos de estudio: Ann Hamilton, Kapwani Kiwanga y Rosa Tharrats, cuyas prácticas instalativas no solo señalan un cambio sustancial en la concepción contemporánea del espacio sino en nuestras formas de relacionarnos con el mundo que habitamos.
Poética del abandono. Siza en Panticosa. Iñaki Bergera Ediciones Asimétricas. Madrid, 2026. 93 páginas. ISBN 979-13-87634-39-1