El cocreador como elemento del sistema sociotécnico permite comprender cómo diseñadores, artesanos y tecnologías, generan micro-interacciones creativas basadas en el intercambio de conocimientos y diálo­gos culturales. En el caso del diseñador, al menos desde la teoría, ha transitado de un rol individual a uno colaborativo, actuando como facilitador en procesos interdisciplinarios. Según Sanders y Stappers (2008), esta transformación implica pasar de enfoques centrados en el usuario a metodologías de co-creación que integran múltiples actores y perspectivas. Ceschin y Gaziulusoy (2019) argumentan que esta transformación está respaldada por metodologías estructuradas y enfoques positivistas en la formación académica del di­señador, que enfatizan la investigación, conceptualización y análisis de tendencias globales. Sin embargo, en la práctica, la formación no consolida del todo habilidades sociales necesarias para el co-diseño, lo que se traduce en que los colaboradores sean relegados a roles secundarios, cuestionando el ideal de horizon­talidad en el diseño colaborativo (Sanders & Stappers, 2008).

El artesano, en contraste, opera desde un conocimiento empírico y materializado en la destreza técnica, estableciendo una conexión intuitiva entre la mano y la cabeza, como describe Sennett (2008). Su proceso no lineal refleja una relación íntima con los materiales, técnicas y contextos culturales que sustentan su práctica. Shiner (2012) destaca que el artesano trasciende la producción utilitaria al integrar valores cul­turales y sociales en sus creaciones. Además, la diversidad del artesano debe ser considerada desde un enfoque pluralista, reconociendo categorías como artesano tradicional, neoartesano o manualista, lo que permite un perfilamiento antropológico y sociológico más preciso.

La tecnología, incluyendo a los materiales, se comprende como “lo no humano”, actuando como un agen­te en los procesos de diseño y artesanía. Para Latour (2005), las tecnologías poseen agencialidad, influyendo en dinámicas creativas dentro de redes sociotécnicas. Herramientas como Pinterest inspiran visualmente y WhatsApp facilita interacciones rápidas, mientras que la producción avanzada (impresión 3D, corte laser, etc.) amplía las posibilidades de integrar tradición e innovación. No obstante, aunque la inteligencia artificial generativa ha expandido las fronteras creativas, su impacto sigue limitado por la ausencia del sentipensar humano. Verbeek (2011) subraya que los artefactos moldean valores éticos, mientras Ihde (1990) enfatiza su papel en la expansión de capacidades humanas. Johansson, Henriksen e Ind (2016) advierten que, si bien estas herramientas promueven la colaboración, también generan desafíos como la dependencia tecnológi­ca y la homogenización cultural.

Se configura en sí mismo como un sistema interdisciplinario que integra procesos metodológicos, en el que los actores interactúan de manera dinámica para crear. Según Buchanan (1992), el diseño contemporáneo utiliza herramientas como el design thinking (Brown, 2009), que posicionan al diseñador como facilitador y estructuran procesos de investigación, ideación y prototipado que conectan necesidades locales con pers­pectivas globales. Sanders y Stappers (2008) enfatizan que esta evolución metodológica trasciende enfo­ques centrados en el usuario a enfoques centrados en la comunidad (Ortiz, 2024).

Sin embargo, las dinámicas co-creativas reflejan diferencias significativas entre los actores. Mientras el artesano opera desde un conocimiento empírico y no lineal (Sennett, 2008), el diseñador se apoya en una formación metodológica que le permite anticipar tendencias globales y estructurar procesos creativos sistemáticamente (Wiltschnig, Christensen & Ball, 2013). Estas diferencias, aunque generan desafíos, también ofrecen oportunidades de aprendizaje mutuo: el artesano aporta sensibilidad técnica y cultural, mientras el diseñador organiza la creatividad y gestiona la producción, especialmente en proyectos con componentes externos.

En el marco de la co-creación, la tecnología actúa como un mediador que amplifica las capacidades creativas de ambos actores. Desde herramientas digitales hasta sistemas de inteligencia artificial generati­va, la tecnología redefine cómo se conceptualizan y ejecutan los procesos creativos. Ihde (1990) y Verbeek (2011) argumentan que las tecnologías, aunque dependientes del ser humano, influyen en la estética y las dinámicas colaborativas. Cuando se utiliza de manera equilibrada, la tecnología facilita un diálogo enriquecedor entre la tradición y la innovación.

Comprender el resultado de la creación como un sistema objetual implica reconocer la interacción entre componentes materiales, lógicas de producción y consumo, con el fin de materializar cultura y generar di­námicas comerciales de subsistencia. Históricamente, el objeto industrial ha sido el principal resultado del proceso creativo en diseño, consolidándose como símbolo de funcionalidad, producción masiva y cultura de consumo (Margolin, 2002; Dormer, 1997). Este paradigma estableció parámetros estandarizados orien­tados a la eficiencia y repetitividad. En contraste, los productos artesanales se entienden desde su arraigo a tradiciones y prácticas locales, aunque enfrentan la tensión de integrar lógicas de producción y consumo industrial (Byung-Chul Han, 2015). Esta dicotomía ilustra la fricción entre mercantilización y ritualidad en los objetos, como describe Han. Mientras, Wherry (2008) resalta que los productos artesanales, además de preservar identidad cultural, pueden convertirse en motores de innovación al conectar tradiciones locales con mercados globales.

Con el auge de la industrialización y la promoción del turismo a gran escala, los productos artesanales fueron desvinculándose de sus significados originales e integrándose al concepto de souvenirs (Grisales Vargas, 2017; Cote, 2017). Sin embargo, la posmodernidad trajo consigo una revalorización de estos productos como piezas únicas que representan identidades culturales. Shiner (2012) destaca cómo sectores como la moda y la decoración promueven esta autenticidad frente a la estandarización. Como resultados de estas tensiones a nivel cultural Bravo Bravo (2022) señala que estos sectores estimulan un modelo de neo-artesanía que pone en discusión la tradición e innovación, la localidad con la globalidad, la cultura propia con la cultura de masas.

Los diseñadores, con formación en metodologías estructuradas y conceptos abstractos, a menudo enfren­tan dificultades para traducir sus ideas plasmadas en dibujos a procesos de tejido más intuitivos manejados por los artesanos. La Artesana 8 expresa esta desconexión al afirmar: “Un diseñador llega a imponer lo que plasma en [...] un dibujo. Y llevarlo al tejido es mucho más complicado. [...] llegan acá y no conocen el manejo de la fibra.” Esta cita refleja la brecha entre la conceptualización técnica del diseñador y el conocimiento empírico del artesano, una problemática que Risatti (2007) y Escobar (2018) han señalado en sus estudios sobre la integración de saberes tradicionales en procesos creativos contemporáneos.

Además, existe una resistencia por parte de algunos artesanos a adoptar nuevas técnicas propuestas por los diseñadores. La Artesana 10 comenta: “Muchos artesanos no quieren aprender [...] yo sé hacer esto [...] es que yo no lo aprendí a hacer así.” Esta resistencia puede ser vista como una defensa de los conoci­mientos tradicionales frente a la imposición de métodos externos, una dinámica que Bourdieu (1979) descri­be como una lucha por el capital cultural.

Por otro lado, los diseñadores también reconocen la necesidad de adaptarse y aprender de los artesa­nos. El Diseñador 4 señala: “El diseñador tiene que aprender y empaparse de los oficios para saber qué proponer en todos los escenarios artesanales [...] un diseñador que no entiende cómo funciona el taller pierde el respeto por completo de la comunidad.” Este reconocimiento es congruente con las propuestas de Gibson (2018), quien subraya la importancia de las comunidades de práctica y cómo el aprendizaje mutuo entre diseñadores y artesanos fomenta una colaboración más equitativa y productiva.

Las tensiones culturales surgen cuando las tradiciones artesanales locales se enfrentan a las expectativas y demandas de un mercado globalizado o de un diseño contemporáneo. La Artesana 9 menciona: “A veces llegan y, ay es que tengo esta idea (basada en referente de internet), pero no se tiene en cuenta si el artesano lo puede hacer.” Este testimonio evidencia cómo las propuestas de diseño externo pueden ignorar las prácticas culturales y técnicas locales, generando fricciones y desmotivación entre los artesanos.

Cote (2017) destaca que la modernización y la patrimonialización a menudo priorizan la innovación sobre la au­tenticidad cultural, lo que puede resultar en una pérdida de identidad artesanal. Además, la resistencia cultural se manifiesta cuando los artesanos perciben las propuestas de los diseñadores como imposiciones externas que no respetan sus valores y prácticas tradicionales. El Diseñador 4 agrega: “En ningún escenario de la academia se establece un proceso de pensamiento lógico para el desarrollo, no de producto artesanal, (sino) de trabajo con la comunidad artesanal” subrayando la falta de consideración cultural en los procesos académicos de diseño.

Esta dinámica de confrontación entre lo tradicional y lo moderno puede ser mitigada mediante enfoques de diseño situados2 que respeten e integren las cosmologías locales, como sugieren Escobar (2018) y Hui y Lima (2020). Estos enfoques promueven una colaboración más respetuosa y adaptativa, permitiendo que las tradiciones culturales se mantengan intactas mientras se incorporan elementos innovadores que res­pondan a las demandas contemporáneas.

Las relaciones de poder entre diseñadores y artesanos a menudo reflejan desigualdades históricas y es­tructurales que impactan negativamente la colaboración. La Artesana 11 comenta: “la forma, como de ella (la diseñadora), era como (decía): ‘usted me hace esto y es que tiene que ser así;’ como intransigente.” Este tipo de dinámicas jerárquicas limita la participación creativa de los artesanos y perpetúa una estructura desigual en la relación colaborativa.

Bourdieu (1979) argumenta que estas dinámicas son una manifestación de desequilibrios en el capital cultural, donde los diseñadores, al concentrar conocimientos técnicos y académicos, ejercen una mayor in­fluencia simbólica. Sin embargo, el Diseñador 2 reconoce la importancia de equilibrar estos roles: “Identificar qué tipo de artesano3 era y cómo poder abordarlo era siempre importante” lo cual refleja un intento de de­mocratizar el proceso creativo.

De manera similar, artesana 15 menciona que “a veces se pasan todo un semestre completo y uno se toma la expectativa (...) y cuando de repente lo toman a uno por sorpresa (...) es un estrés”, lo que evidencia una falta de continuidad en los procesos de co-creación. Asimismo, la artesana 17 resalta la necesidad de mayor empatía por parte de los diseñadores: “Que el diseñador se crea que, porque es muy estudiado y tiene más conocimiento en ese tema de diseños, pues quiera darse (...) ínfulas (...) y esa prepotencia de que yo sé más, entonces tienen que someterse a lo que yo diga”. Para abordar estas tensiones relacionales, Sanders y Stappers (2008) proponen modelos de co-creación que fomenten la participación equitativa y la corresponsabilidad. Brogan y Dooley (2023) destacan que la construcción de confianza y capital social es fundamental para reconfigurar las relaciones de poder, permitiendo una colaboración más horizontal y respetuosa.

Las tensiones epistemológicas en el proceso creativo se manifiestan en la diferencia entre la conceptualiza- ción de ideas abstractas por parte de los diseñadores y la producción práctica realizada por los artesanos. La Artesana 5 señala: “En un computador todo se puede hacer, pero cuando uno va a la parte (práctica) ya de hacer las cosas ellos dicen, uy no, (no es viable) yo pensé que así se podía.” Esta afirmación refleja la discrepancia entre las posibilidades teóricas ofrecidas por herramientas digitales y las limitaciones prácticas enfrentadas por los artesanos en la ejecución de dichas ideas.

El Diseñador 4 añade: “Las texturas en el mundo artesanal son complejísimas [...] llevarlo al mundo del software 3D es complejo,” subrayando la dificultad de transferir conceptos digitales a métodos artesana­les tradicionales. Esta complejidad técnica puede generar frustración y desmotivación entre los artesanos, afectando la fluidez del proceso creativo.

Según Wiltschnig, Christensen y Ball (2013), la co-evolución de problemas y soluciones en equipos de diseño colaborativo puede ser obstaculizada por estas tensiones epistemológicas. Es esencial que los di­señadores comprendan las capacidades técnicas y las limitaciones de los artesanos para desarrollar solu­ciones viables y sostenibles. Además, los autores sugieren que la iteración continua y la retroalimentación mutua son cruciales para alinear las expectativas y facilitar una co-creación más efectiva.

La integración de prácticas culturales diversas en el proceso co-creativo puede generar tensiones cultu­rales, especialmente cuando se trata de desarrollar muestras que respeten las tradiciones artesanales. La Artesana 4 comenta: “ese acompañamiento presencial es lo que a ellos les permite ver qué es posible y qué no, [...] y plasmar en un telar cosas posibles.” Este acompañamiento es fundamental para adaptar las propuestas de diseño a las realidades y técnicas de los artesanos, evitando la imposición de ideas que no son culturalmente viables.

El Diseñador 4 enfatiza la importancia del diálogo continuo: “La construcción sobre el papel es funda­mental [...] el diseñador debe trabajar en tiempo real con el artesano, generando un diálogo respetuoso.” Este enfoque colaborativo permite una adaptación más efectiva, asegurando que las propuestas de diseño sean culturalmente sensibles y técnicamente factibles.

Referencias como Escobar (2018) y García Canclini (1990) destacan la importancia de respetar y adaptar las prácticas culturales en contextos de co-creación, promoviendo un diseño situado que refleje y respete las diver­sidades culturales. Además, la inclusión de prácticas culturales en el desarrollo de muestras puede enriquecer el proceso creativo, proporcionando nuevas perspectivas y soluciones innovadoras que respetan la tradición.

Las tensiones relacionales en el proceso creativo se centran en la coordinación y gestión de la colaboración entre diseñadores y artesanos, especialmente en la fase de producción y estandarización. La Artesana 9 señala: “muchas veces lo pintan ahí (bocetación), y bueno, hágalo y vienen a los dos, tres días, ¿cómo van? ¿Sí? O sea, no le dicen a uno esto se hace así, ¿cómo van? Y uno, mire a ver cómo echa cabeza(pensar) para sacar las cosas.” Esta falta de comunicación y seguimiento puede generar incertidumbre y estrés entre los artesanos, dificultando la producción efectiva de las muestras y la estandarización de los productos.

El Diseñador 3 añade: “Pero sí ha empezado a estar más presente... Y he empezado a utilizar la inteligen­cia artificial para ayudar a construir esas narrativas.” La incorporación de tecnologías avanzadas, como la inteligencia artificial, puede mejorar la coordinación y facilitar el proceso creativo, aunque también ahonda en tensiones relacionadas con la comprensión mutua de las herramientas utilizadas.

Según Smulders, van Gennip y Sleijpen (2008), las herramientas de co-creación pueden mediar y resolver tensiones relacionales al facilitar la comunicación y la coordinación entre los colaboradores. Sin embargo, es crucial que estas herramientas se utilicen de manera que eviten la homogenización cultural y promuevan una colaboración equitativa.

Además, la estandarización del producto, como menciona el Diseñador 4: “Hay que estandarizar produc­to porque [...] es uno de los elementos que las comunidades normalmente no tienen claro,” introduce ten­siones entre la necesidad de mantener la autenticidad artesanal y la demanda de productos uniformes para el mercado. Esta tensión puede llevar a conflictos sobre cómo equilibrar la creatividad y la tradición con los requisitos comerciales, afectando la sostenibilidad del proceso creativo y la satisfacción de ambos actores.

Las tensiones epistemológicas se manifiestan en las diferentes interpretaciones sobre lo que constituye un producto exitoso. La Artesana 3 señala: “A veces hay diseños que no nos gustan, [...] No les gustan a los clientes. [...] Conmigo no ha pegado las lámparas.” Esta discrepancia entre las expectativas de los artesanos y la orientación del diseñador puede resultar en productos que no satisfacen las necesidades del mercado ni reflejan adecuadamente al taller artesanal. El Diseñador 2 sugiere: “Invitar a los artesanos a cuestionarse si los productos que están realizando son copiados de Internet o [...] inteligencia artificial o hay una interven­ción de ellos,” subrayando la necesidad de definir claramente la autenticidad y originalidad en los productos co-creados. Verbeek (2011) respalda este desafío, indicando que la moralidad y autenticidad en los produc­tos están influenciadas por las interacciones entre humanos y tecnologías.

Además, la definición de éxito debe considerar tanto la viabilidad económica como la preservación de la identidad cultural. El Diseñador 4 enfatiza: “El diseño tiene que basarse en la tradición y el conocimiento artesanal [...] no convertir el producto en algo netamente industrial,” destacando la importancia de equili­brar autenticidad y sostenibilidad. Este equilibrio asegura que los productos sean comercialmente viables y reflejen las tradiciones y técnicas artesanales. Las metodologías de co-creación deben facilitar un diálogo abierto entre diseñadores y artesanos, reconociendo y valorando los saberes técnicos y empíricos de ambas partes para desarrollar productos que satisfagan las exigencias del mercado y las expectativas culturales.

Las tensiones culturales se relacionan con la necesidad de preservar la identidad cultural de los productos artesanales mientras se incorporan elementos modernos. La Artesana 8 señala: “El costo del producto se eleva, porque [...] le colocan mucho detalle y no se percibe, y sí va elevando el costo (precio) del producto,” reflejando cómo detalles complejos pueden afectar la viabilidad económica sin añadir valor percibido. Por otro lado, la Artesana 6 comenta: “(El producto) lo cogen así, lo copian, lo meten en cualquier parte, uno ya se da porque ese mercado ya es de combate,” evidenciando cómo la globalización y la copia de productos generan tensiones en la comunidad artesanal y disminuyen el reconocimiento del trabajo artesanal.

El Diseñador 4 añade: “Se generó un aprendizaje para el diseñador, pero a la comunidad no se le generó ningún beneficio. Y el beneficio tiene que ser en ambos sentidos,” subrayando que la innovación no debe comprometer los valores culturales de la comunidad. Shiner (2012) afirma que la autenticidad cultural es un valor fundamental que debe preservarse, incluso al introducir elementos modernos. Zhan, Zhang y Wang (2017) destacan el desafío de combinar funcionalidad y estética industrial con tradición y autenticidad ar­tesanal. La Artesana 8 añade: “Lo que se busca [...] es manejar [...] el solo color y que sea plano [...] entre lo más natural posible,” prefiriendo mantener elementos culturales simples y auténticos frente a técnicas y materiales modernos que podrían comprometer la identidad cultural.

Para gestionar estas tensiones, es crucial que los diseñadores adopten enfoques de diseño situados que valoren las cosmologías locales y prioricen la colaboración respetuosa. Esto implica diseñar productos que, aunque incorporen elementos modernos, mantengan la esencia y la identidad cultural de las tradiciones artesanales, asegurando que la innovación no se traduzca en una pérdida de significado cultural.

Las tensiones relacionales se enfocan en las fricciones derivadas de la interacción entre componentes in­dustriales y artesanales en los objetos producidos. Estas tensiones reflejan cómo las lógicas de producción industrial intentan integrarse en productos tradicionalmente artesanales, afectando la autenticidad y sos- tenibilidad de dichos objetos. El Diseñador 4 enfatiza: “Hay que estandarizar el producto porque [...] es uno de los elementos que las comunidades normalmente no tienen claro.” Esta lógica busca eficiencia y unifor­midad, pero puede diluir la singularidad y el valor cultural intrínseco de los productos artesanales. La estan­darización impuesta puede entrar en conflicto con la naturaleza personalizada de las técnicas artesanales, creando tensiones que afectan tanto el proceso de producción como el resultado final.

La Artesana 8 complementa esta perspectiva al señalar: “Lo que se busca [...] es manejar [...] el solo color y que sea plano [...] entre lo más natural posible,” reflejando un intento de mantener la simplicidad y autenti­cidad en los diseños frente a las exigencias de estandarización. Además, la apropiación de diseños indus­triales por parte de artesanos puede generar tensiones dentro de las comunidades, afectando la cohesión social y la percepción de propiedad intelectual. El Diseñador 4 observa: “Pero en la práctica los artesanos lo apropian (los diseños) ... Y [...] termina siendo negativo porque empieza a generar fricciones a nivel de comu­nidad. Cuando (otro) artesano [...] empieza a copiarle el producto,” creando un ambiente de competencia y desconfianza que compromete la originalidad e innovación.

Para abordar estas tensiones, es esencial desarrollar un objeto industrial de base artesanal, donde las lógicas industriales se integren de manera subordinada a las artesanales. El Diseñador 4 enfatiza: “El diseño tiene que basarse en la tradición y el conocimiento artesanal [...] no convertir el producto en algo netamente industrial.” Este enfoque busca equilibrar eficiencia y funcionalidad industrial con autenticidad y sosteni- bilidad cultural artesanal, asegurando que las innovaciones técnicas complementen y no reemplacen las prácticas artesanales. Además, la distribución equitativa de beneficios es crucial. El Diseñador 4 señala: “Se generó un aprendizaje para el diseñador, pero a la comunidad no se le generó ningún beneficio. Y el beneficio tiene que ser en ambos sentidos.” Este equilibrio en la distribución de beneficios promueve una colaboración más equitativa, evitando dinámicas de poder desiguales.

Se identifican las estrategias para fortalecer la co-creación entre diseñadores y artesanos:

Pese a los avances en las investigaciones en la última década, los estudios en el área de la co-creación enfrentan varios retos que abren nuevas líneas de exploración y desarrollo. A continuación, se presentan algunas de las principales oportunidades de investigación identificadas: